Guerrilla Girls

We could be anyone; we are everywhere

Guerrilla Girls es un colectivo de artistas mujeres que se unieron en 1985 para denunciar la discriminación por sexo y raza en el mundo del arte en particular, y en general, en la sociedad.
No hay nombres: el anonimato les ha permitido centrarse en sus objetivos como colectivo y no en su individualidad como artistas. Utilizan como nombres "de guerra" el de artistas mujeres y escritoras ignoradas o infravolaradas respecto a sus compañeros masculinos a lo largo de la Historia. Escogen nombres como Frida Kahlo, Georgia O´keeffe o Artemisa Gentilleschi para ocultar tras ellas sus verdaderas identidades.
Las Guerrilla Girls se propusieron directamente cuestionar, avergonzar, señalar con el dedo a esas instituciones que mantienen y alimentan la discriminación de las mujeres en la Historia del Arte.

¿Tienen las mujeres que estar desnudas para entrar en el Metropolitan?
Menos del 5% de los artistas .... son mujeres,
pero un 85% de los desnudos son femeninos.

Sus mensajes son directos, radikales y sin rodeos. Guerrilla Girls observaron que había mayor número de mujeres matriculadas en Escuelas de Bellas Artes, o dedicadas profesionalmente al mundo artístico, y sin embargo las artistas femeninas no ocupaban siquiera un 10% de las grandes exposiciones organizadas por galerías y museos. Una de sus obras más conocidas es este este cartel de 1989 que colgaron frente al Metropolitan Museum de Nueva York. El texto está escrito sobre una reproducción de la Gran Odalisca de Dominique Ingres, uno de los desnudos más controvertidos de la historia, pero que en esta ocasión lleva una máscara de gorila.
Es una crítica al estereotipo del desnudo femenino, la mujer vista tan sólo como objeto de deseo. Y una crítica a la mirada heteropatriarcal, de un espectador evidentemente masculino. La máscara de gorila ha llamado mucho la atención, no sólo aparece en sus obras, también ellas la llevan como signo representativo de su identidad, recogiendo la tradición del vengador enmascarado, y sirve además para preservar su anonimato.

Otra de sus intenciones era demostrar que ser feminista no tenía por qué coincidir con una imagen estereotipada de pesada y aburrida. Se declararon como el equivalente feminista de la tradición masculina de bienhechores como Robin Hood o Batman.
Las Guerrilla Girls han recibido críticas por descuidar su lucha feminista, y preocuparse en los últimos tiempos más por entrar en el mercado artístico. En la actualidad ninguna de las Guerrilla Girls original existen, sigue vigente la idea: existen tres grupos que siguen funcionando con este nombre que siguen denunciando el papel discriminatorio de la mujer en el mundo del teatro, del cine o del arte.

Six Feet Under - A dos metros bajo tierra

La muerte es una vida vivida
La vida es una muerte que viene
Jorge Luis Borges

Nina Simone - Feeling Good

Este es el momento ideal -por mi estado de ánimo- de hablar de mi serie favorita, A dos metros bajo tierra. ¿La mejor serie de TV de todos los tiempos? Yo así lo creo. Aunque es más que una serie, es puro cine y del bueno, pero dosificado en 63 episodios a lo largo de cinco temporadas, que crean adicción. Desde Twin Peaks no había estado tan enganchado a una serie por capítulos; a pesar de lo maltratada que fue por TVE (no han emitido la quinta y última temporada, que sigo sin ver y que he tenido que conseguir por otros métodos; de la que algunos hablan maravillas, y otros que finalmente se convirtió en un culebrón, razón por la cual finalizó la serie), sábado a sábado estaba pendiente de las aventuras de la familia Fisher, una familia extraña y encantadora a partes iguales, que tiene una funeraria como negocio familiar y que es el decorado principal de esta serie de culto que cuenta con numerosos fanáticos entre los que me encuentro.
Alan Ball, guionista de American Beauty, es el principal artífice y responsable del milagro. Después de lograr el Oscar recibió el encargo de hacer una serie sobre la muerte y la familia en los Estados Unidos. El resultado es esta serie atípica dentro del panorama general, que no tengo suficientes calificativos para definirla: innovadora, sorprendente, fresca, ácida, profunda, emocionante. Alan Ball cambió el cine por la TV sin ningún tipo de prejuicio porque tenía algo que contar. Los productores estaban encantados con las extravagantes ideas que Alan Ball les iba proponiendo: muertos que se aparecen a los vivos, el profundizar en temas polémicos y calientes, como relaciones sexuales tabú, el (ab)uso de las drogas, conflictos interraciales, todo ello servido con una buena dosis de ironía y humor negro.

La serie comienza con el último asunto del que se quiere oír hablar: de la muerte. Todos los episodios se inician con una muerte insólita, accidental, absurda, sin sentido, la futilidad de las cosas que creemos importantes, una cáscara de platano, una caída en la ducha, ahora estamos, y ahora ya no estamos, lo absurdo de proyectarse hacia el futuro olvidándonos del aquí y ahora.
En el primer episodio será el patriarca, Nathaniel Fisher (Richard Jenkins), quien muera en Nochebuena arrollado por un autobús mientras intenta encender un cigarrillo en su coche funerario recién comprado. Sin embargo, el personaje no desaparecerá de la serie. Se aparece durante todos los episodios al resto de los miembros de la familia como parte del subconsciente de cada uno de ellos, de cada uno de nosotros, como un espejo donde los demás reflejarán sus miedos, sus dudas, su desconcierto ante la existencia. Pero la vida continúa, y la familia Fisher tiene que seguir adelante como puede, con aciertos y errores, con alegrías y tristezas, con triunfos y derrotas, como unos supervivientes.

Ruth Fisher (Frances Conroy) es su desconsolada esposa y matriarca del clan. Es el personaje que más me costó aceptar: es una mujer depresiva y extraña donde las haya, intenta ser positiva pero le cuesta, intenta desesperadamente recuperar la comunicación con sus hijos ....al final, se hace querer como todos los Fisher. En el primer episodio se siente culpable por haber sido infiel a su marido con su estilista, pero mola el derecho a defender su vida privada. A pesar de haber superado los 50 no está dispuesta a renunciar al sexo y a la posibilidad de encontrar de nuevo el amor. Lo encontrará en George (James Cromwell) con quién terminará casándose en la tercera temporada.

Claire (Lauren Ambrose) es la hija pequeña, rebelde, inconformista, inteligente, la chica más rara del instituto, con un sentido del humor negro envidiable. Los diálogos de la serie son estupendos, pero en el caso de Claire alcanzan lo sublime. A mí me encanta. Es mi personaje favorito de la serie (aunque Brenda es mucha Brenda). Anda perdida en su propio caos existencial. Ingresa con muchas dudas en una escuela de arte, la ausencia del padre, la difícil relación con su familia, sus primeras experiencias con el sexo, con las drogas. Primero tiene un novio loco, luego otro un poco gay, después prueba con Edie (Mena Suvari), la adolescente rubia de American Beauty, para acabar con el hermano de Brenda, Billy (Jeremy Sisto) que es borderline. Como la vida misma.

RUTH: Me gustaría que quedara claro que apoyo al cien por cien que vayas a la escuela de arte.
CLAIRE: Ha quedado claro, pero sólo voy a hacer una visita. No nos meemos en los pantalones, todavía.
R: ¡Qué expresión tan desagradable! Yo nunca fui a la universidad...
C: ¿Quisiste ir alguna vez?
R: Pues sí. Quería estudiar a las escritoras feministas francesas.
C: ¿Eres feminista, mamá?
R: El feminismo significa ser aceptado por lo que eres. Yo quería ser esposa y madre, nunca renuncié a nada para ser madre y esposa, era lo que quería ser.
C: ¿No has dicho que renunciaste a ir a la universidad?
R: ¿Por qué hay siempre una trampa en nuestras charlas?

Nate (Peter Krause) es el primogénito, salió pronto del nicho familiar huyendo precisamente de aquello que ahora, tras la muerte del padre, va a tener que hacerse cargo muy a su pesar: heredará el negocio familiar, es el que ocupará simbólicamente el lugar del padre. Nate nunca se ha comprometido a nada y tendrá que decidirse entre la aburrida madre de su hija Maya, la pesada y chantajista emocional Lisa (Lili Taylor) y la más divertida Brenda (Rachel Griffiths), una mujer deshinbida, un poco ninfómana y con una familia tan disfuncional como los Fisher. Nate y Brenda se conocen en el primer episodio, los dos vuelven a casa por navidad y antes de conocer sus nombres follan en un almacén del aerpuerto. Rachel Griffiths, que se dio a conocer en otra peli que adoro La boda de Muriel, recibió un Globo de Oro por su interpretación.

PSICÓLOGA: Escuche, supongo que Melissa le habrá dicho que una de mis especialidades es la adicción sexual.
BRENDA: No.
P: No sé qué sabrá usted sobre ese tema pero, obviamente, contempla la sublimación de las emociones que son demasiado dolorosas de afrontar. Ésa es realmente la raíz de toda adicción. Lo siento, no puedo ayudarla porque no necesita ayuda. Ha superado la necesidad de la terapia. La admiro porque yo me follaría a extraños como una puta de camioneros puesta hacia arriba de crack si no estuviera tan inhibida por mi educación judeocristiana.

David (Michael C. Hall) es el hijo responsable que se ha quedado trabajabando con el padre en la funeraria pero que se olvidó de vivir él mismo. Torturado por su sexualidad, vemos todo el proceso de su aceptación, desde sus primeros escarceos, la negación, el miedo a la homofobia, hasta la presentación de su novio en familia. Lo mejor de David es su novio Keith (Matthew St. Patrick): un policía negro que está que cruje, según dice Claire, y que es como para llevárselo a casa inmediatamente. Es la primera vez que se muestra en una serie de TV una relación homosexual real, alejada de los estereotipos recurrentes de otras series de TV (que no mencionaré). De hecho, en las universidades norteamericanas, en las que ya se están realizando estudios sobre la serie, a parte del tratamiento de la muerte en Estados Unidos lo que ha despertado más interés es la relación homosexual de la serie. (me gustaría saber vuestra opinión al respecto)

"No existe ni existirá jamás una serie que, con el trasfondo de la muerte, hable de la vida tanto como ésta; que coloque en la boca de sus personajes verdades tan abrumadoras que muchos ni se atreverían a plantearse; que diseccione de raíz creencias sociales absurdas y desfasadas; que atente contra los cimientos de la misma esencia de la existencia para demostrar lo inmensamente equivocados que están muchos al criticar determinadas actitudes; y que desprecie, con tanta inteligencia y de forma tan sutil, a todos los estúpidos que insisten en ser infelices y en hacer infelices a los demás".
Encontrado en un foro de la serie, y que secundo palabra por palabra.
"Jamás la televisión mostró la vida de una forma más límpia, pura y clara. Jamás hablando de la muerte se dijo tanto sobre la vida".

En los 80 amé Retorno a Brideshead, en los 90 me obsesionó Twin Peaks y esta década es para A dos metros bajo tierra. Su mensaje es mejor incluso que su originalidad y su belleza formal. Me ha hecho pensar, he reído, he llorado, me ha puesto cachondo, me he mosqueado, he sufrido y gozado con estos seres imperfectos que van buscando torpemente dentro de sí mismos y de los demás. Todas las muertes nos enseñan algo. Sobre todo que, por mucho que se intente huir de ella nadie puede escapar. Nunca creí que una serie de TV pudiera ofrecer tanto: siento que este post no está a su altura, os recomiendo el que Mario dedica a la serie en su blog But if you´re feeling sinister... .

Y no hablé de Federico (Freddy Rodriguez), el ayudante latino, ni la obsesión por la reconstrucción de los cadáveres. Ni los secundarios de lujo que engrandencen la serie como Joanna Cassidy (Blade Runner), Kathy Bates (Misery), Justin Theroux (Inland's Empire) o Patricia Clarckson.
Los trailers para anunciar las distintas temporadas son auténticas obras de arte.
Aquí está el de la quinta y última temporada.

Nick Cave - Into My Arms

But I believe in Love
And I know that you do too
And I believe in some kind of path
That we can walk down, me and you
So keep your candle burning
And make her journey bright and pure
That she will keep returning
Always and evermore
Into my arms, O Lord
Into my arms, O Lord
Into my arms

Oscars'2007

-Are you talking to me?
Martin Scorsese al tío Oscar.

¿Cuántos Oscars hay en esta fotografía,
bien sea como directores, bien como guionistas o productores?

Dejé de creer en los Oscars el año que Rain Man arrebató el Oscar a Las amistades peligrosas (al año siguiente premiaron sin ningún rubor a Paseando a Miss Daisy!!!) pero, un cinéfilo no puede evitar echar un vistazo a los premios cinematográficos más importantes del planeta.

Recordaremos esta edición por ser el año de Penélope Cruz, la primera vez que una actriz española es nominada para el Oscar. Y en una película española de Pedro Almodóvar. Javier Bardem ya fue nomimado como mejor actor, pero por Antes de que anochezca, una pelicula de Julian Schnabel rodada en inglés. Y lo próximo de ambos, juntos en la nueva película de Woody Allen que se rodará en Barcelona. A ver quién repite este hito: ha cerrado algunas bocas para siempre.

En cualquier caso, estoy encantado con el premio a Helen Mirren. Adoro a esta mujer desde Excalibur y El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante. O El placer de los extraños con Ruppert Everett y Christopehr Walken.

Pero sobre todo la 79 edición de los premios de la Academia será recordada por ser el año en que por fin le dieron el Oscar a Martin Scorsese. No puedo decir que se ha hecho por fin justicia porque no he visto The Departed, pero ya era hora de que se reconociera a esta historia viva del cine estadounidense. Fue el gran momento de la noche con toda la platea puesta en pie y aplaudiendo a rabiar. En 1976 Rocky ganó a Taxi Driver en un año que ni siquiera fue nominado como director. Y Robert Redford le quitó el Oscar al mejor director el año de Toro Salvaje. Eso sí que fueron sonadas injusticias.

El otro momento más emotivo de la ceremonia fue el Oscar honorífico a Ennio Morricone después de cuarenta años de carrera y cinco nominaciones anteriores. Entre sus grandes bandas sonoras se encuentran La Misión, Frenético, Cinema Paradiso, o Los Intocables... sin mencionar las bandas sonoras que hizo para los spaguetti westerns de Sergio Leone, pero yo sigo recordando con especial cariño el primer trabajo que recuerdo de él. Era una vieja serie italiana de la RAI, Marco Polo


powered by ODEO
Ennio Morricone - Marco Polo (serie de TV)

Alberto

No sé cómo empezar este pretendido homenaje. Se me agolpan tantos recuerdos y las palabras no (me) alcanzan para expresar todo lo que siento. Albertito: un cazador de sueños, un idealista irónico, un defensor de lo palpable, siempre firme en tus ideales, creías que un mundo mejor era posible. Un ser maravilloso: sensible, positivo, guapo. Siempre dispuesto a ponerle una sonrisa al mal tiempo y buena cara a la puta vida. Eras capaz de madrugar los domingos para hacer censos de pájaros, escribir un poema a tu chica antes de bajar la basura, dibujarme lunas y estrellitas en cualquier libro, escuchar con atención absorbiéndolo todo para devolvérnoslo tan generosamente.
Aún me resisto a creerlo. Hablamos hace menos de quince días. Ahora sé que llamaste para despedirte, yo… un estúpido, tú… transmitiéndome como siempre tu enorme serenidad. Al menos pude decirte te quiero por última vez. Gracias por tus lecciones de humanidad, por vivir(nos) intensamente, por hacerme sentir que pertenezco a tu cuaderno de sueños. Me hubiera gustado tanto abrazarte, una vez más. Abrazabas como nadie sabe abrazar ya, abrazos fuertes, largos, hondos, íntimos... los echaré de menos.
En tu última fiesta reuniste a más de cien personas, y todas estaban allí por ti, sólo tú lo lograste. No me extraña que te quisiera tanta gente. Seguro que fuiste tú el que decidió que fuera así, una fiesta. Te has ido, -nadie se va si permanece vivo en nuestro recuerdo-, pero has dejado un poso muy grande, muchas semillas plantadas, y algunas darán sus frutos.
Me hubiera gustado explicar mejor lo especial que ERES, pero no sé hacerlo mejor con palabras. Alberto, cuídanos desde dónde estés.

Pink Floyd - Wish You Were Here

Alberto, mi albertito

You can't always get what you want, honey
You can't always get what you want
But if you try sometimes...

Rolling Stones - You Can't Always Get What You Want
















a Alberto Quintana
In memoriam

Censura

EL FIN JUSTIFICA
LOS MEDIOS...
DE COMUNICACION DE MASAS

La Guerra de los medios I




Pedro J. Ramírez, César Vidal, Federico Jiménez Losantos:
todos contra UNO, como uno contra todos

¿Qué les prometió el señor aznar, ex-presidente de ésta nuestra comunidad, a estos tres señores? ¿alguna televisión? ¿algún cargo político?
Alguién se está encargando de resucitar la vieja idea de las dos españas (la puta y la santa). O ¿es que alguna vez estuvo muerta?
Muchos periodistas fueron engullidos por el "régimen" del gobierno aznar, algunos ya dejaron el periodismo para meterse en política (un puesto en el parlamento europeo es un caramelo que no amarga), otros directamente desaparecieron.

La Guerra de los Medios 2


La Guerra de los Medios 3

Y ahora que creíamos superado la censura del "régimen" aznar, llega un francotirador con mucho poder mediático, abandona su silencio, y TVE, con su nuevo director al frente, censuran una entrevista entrevista suya utilizando métodos que nos retrotraen al franquismo.
Hoy es 23 de febrero, por un instante volvemos a los tiempos del NO-DO: da escalofríos. Afortunadamente, hoy en día, existen otros medios que no existían durante el franquismo para escapar de la censura. La entrevista completa ya está circulando por internet, si es que tenéis curiosidad qué es lo que se juega en esta guerra sucia de los medios.
¿Qué intenciones tiene Jose María García para hablar ahora?
¿por qué un director general de un gobierno socialista censura una entrevista donde el anterior gobierno es el que resulta más perjudicado?
¿pero qué es lo qué nos estamos jugando? ¿el próximo gobierno?

¿me censurarán este post?


Tote King - Mentiras

Gilbert & George

The Singing Sculpture, 1970

He de confesar que la primera vez que vi una imagen de ellos lo que me llamó la atención es lo mucho que se parecían a los Pet Shop Boys, pero con veinte años más. Descubrí mucho después que Gilbert & George se encontraban entre las influencias del grupo británico, algo evidente en su actitud hierática e inexpresiva desde su primer éxito internacional West End Girls.


El inglés George Passmore (1942) y el italiano Gilbert Proesch (1943) se conocieron en 1967 en la escuela de arte Saint Martin de Londres y desde entonces forman pareja tanto en su vida privada como artística. Viven desde hace 40 años en Spitafields, en el East End de Londres, llevan una vida metódica, cenan todos las noches en su restaurante turco favorito, y sólo salen de su barrio para ir a la inauguración de alguna exposición suya, y todas las navidades que van a una casa que tienen en Lisboa.
Son comedidos en las formas y provocadores en el contenido de su obra. Su aspecto de gentlemen -visten a conjunto con impecables trajes clásicos hechos a medida- no nos haría sospechar que estos casi ancianos son los enfant-terribles del arte británico.
A finales de los sesenta conquistaron la escena internacional con un subversivo concepto de escultura. Sus esculturas vivientes, en las que ellos mismos posaban ante el público, fueron el primer paso de un largo viaje artístico en el que su propia vida se convierte en el objeto central de su arte. Fotografías relacionadas con su vida cotidiana en el East End, sus emociones, sus inquietudes, sus perversiones. Siguiendo la estela de Warhol, llegan un paso más allá, convirtiendo la exhibición y sobreexposición de su vida privada en un producto mercantil.

Piss Mooning, 1996

Pregunta.- ¿Dónde acaba la persona y empieza el artista?
George.- Somos una fusión, una combinación. Para nosotros, no hay separación entre arte y vida.
Gilbert.- Nuestra vida personal y la artística son indivisibles, todo es parte de nuestra obra, somos esculturas vivientes. Incluso cuando estamos esperando un autobús, la gente nos ve como una pieza de arte.


Dos personas, un solo artista. Este mes se ha inaugurado la mayor retrospectiva sobre el trabajo de Gilbert & George en la Tate Modern, que ellos mismos han definido como un gran triunfo.
En la exposición se recoge desde las primeras imágenes de ellos mismos elaboradas en carboncillo sobre papel hasta la última serie: seis paneles concebidos en homenaje a las víctimas de los atentados del 7-J en la capital británica.

Death hope life fear, 1984

En una primera etapa en blanco y negro plasmaron su afición a la bebida en los 60 y la soledad que sintieron al principio de habitar su espaciosa vivienda en Dusty Corners, 1975.
Se hicieron famosos en 1977 con Dirty Words Pictures, fotografías, posters y vídeos como en los que sólo se les veía fumar durante media hora. Sus creaciones empezaron a centrarse en el mundo urbano y a reflejar las tensiones sociales, como grafitis y pintadas de insultos.
La explosión de color llega en los 80, bajo el mandato de la primera ministra Margaret Thatcher, de quien abiertamente la pareja se confiesa admiradora. De esta época es Death hope life fear, 1984 que se considera una de las obras culminantes de su carrera. En los años 90 se dedicaron a retratar a atractivos jóvenes y a reflejar la enfermedad del sida, Bleeding, 1989, así como a explorar sus propios fluidos corporales, incorporando a sus trabajos semen, excrementos y orina.
Estos últimos años, Gilbert & George han adoptado las nuevas tecnologías digitales, y vuelven a volcarse en la ciudad y en su entorno, aunque sin olvidarse de sí mismos como fuente de inspiración.

Was Jesus Heterosexual, 2006

P.- ¿Creen que un artista tiene que crearse una personalidad pública para ser reconocido y tener influencia en el arte moderno?
Gilbert.- Es lo que pretendimos en nuestros inicios al convertirnos en escultura viviente. Hicimos de nosotros el centro de nuestro arte, algo inusual en aquel momento. Ahora cada vez más artistas quieren hacer lo mismo.
George.- Nuestro sueño es que un día abramos el periódico y leamos: «Gilbert & George son unos artistas fantásticos».
Los artistas jóvenes nos preguntan «¿para qué luchar durante tantos años?».
Y yo les respondo: «Para crear imágenes, conseguir vuestro orgullo y vernos un día de pie en una exposición con un vino en la mano y rodeados de gente joven chupándonos por todas partes».

Martes de Carnaval

Hoy es un día para la transgresión ...consentida, tolerada, bendecida; un día en el que poder librarnos de las convenciones y clichés establecidos, cuestionar el punto de vista social predominante, un día para dar rienda suelta a nuestros íntimos deseos más secretos.

Lo carnavalesco es (debería ser) una forma de representación radiKal de los ideales de la gente que deben ser a la vez utópicos y contra-hegemónicos. Que no lo digo yo, sino un tal John Fiske.

¿Pero quién es Scaramouche?
¿Y por qué oculta su cara
detrás de una máscara?

Leonore (Eleanor Parker) en Scaramouche, 1952

Mónica Cervera - True Blue (en 20 centímetros, Ramón Salazar)

Film - Samuel Beckett

Film es un caso singular en la historia del cine: la única película escrita por Samuel Beckett, 20 sorprendentes minutos sin nigún diálogo (tan sólo un inquietante 'ssssh!'), SIN MUSICA, y una única cuestión filosófica (y metacinematográfica): ¿quién es el que me está mirando? Aunque fue dirigida por Alan Schneider (quien había llevado sus obras a los teatros estadounidenses), Samuel Beckett viajó a Nueva York por primera y única vez en su vida para supervisar el film. Este proyecto no hubiera sido posible sin Buster Keaton, no en vano era el cómico favorito de todos los poetas de las vanguardias, especialmente los surrealistas.
Film recibió el Premio de la Crítica en el Festival de Venecia en 1965.

¿Quién ME mira?

El "mirar" es la acción por la cual "el otro" se nos hace presente.
La mirada del 'otro' nos hace existir, ser conscientes de nuestra propia existencia. Es la idea sartriana de ser 'para sí' y ser 'para otros'. Para Jean-Paul Sartre la experiencia más importante respecto a el 'otro' es la mirada. Uno es consciente de sí mismo en la medida en que el otro te ve, te mira, te valora: necesitamos de los demás, sus juicios, su complicidad o rechazo, necesitamos del otro para conformar nuestra identidad, para ser de un modo u otro.
Beckett se centra en la idea de George Berkeley de 'ser es ser percibido'. Somos porque otro nos mira, porque somos mirados. Nuestra relación fundamental con el otro está determinada por la posibilidad permanente de ser percibido por él.

Buster Keaton es un hombre que, huyendo de alguién por una calle prácticamente desierta, se introduce en un edificio, sube unas escaleras y entra en una habitación -probablemente la suya-, donde cuidadosamente borra toda realidad exterior. Corre la cortina, tapa el espejo, cierra la puerta con llave, echa o tapa a los animales, y rompe las fotos de su pasado. Keaton intenta eludir el ojo de la cámara, evita constantemente el ser mirado. Sin embargo, no puede: ¿quién le sigue mirando aun cuando está borrada toda esa percepción exterior?, ya sea humana, animal, incluso divina. ¿A quién corresponde esa mirada que se le echa literalmente encima?

Se descubre sólo al final de la película.

Film (Samuel Beckett, 1965)
from Luigi Morganti on Vimeo.

I don't feel like dancing (Britt Awards, 07)

Acabo de ver esta actuación de los Scissor Sisters ayer mismo en los Britt Awards, y no he podido evitar subir el vídeo. ¡Viva el YouTube!

Where is my man

Eartha Kitt - Where Is My Man

Jirka

Puente de San Carlos, Praga

No se llamaba Tomás, pero era fotógrafo (y actor), como Teresa.
Apareciste al final de un fin de semana de sana promiscuidad: ahí estabas, invitándome con tu cálida sonrisa a acercarme. Cuatro días aburrido en la ciudad y me encuentras cuando apenas quedan diez horas para que te vayas.
Buñuel, Lynch, La insoportable levedad del ser, Six Feet Under, además de otras coincidencias inconfesables: ¿es un milagro o una ilusión? ¿por qué siempre en estas historias contrarreloj el otro siempre parece perfecto, sin error? porque no tienes otra oportunidad de poder comprobarlo...
Apenas sin tiempo para revelarnos, pero no pudimos resistirnos ante tanta generosidad. Se nos hizo lunes entre besos y caricias, sin poder dormir contigo. El tren partió -los escenarios del mundo te esperan-, probablemente para siempre. Un mensaje en el móvil: I want to dance a tango with you.
Releo el poema de Febrero y todo cobra sentido.
You'll write me soon, desde Israel o Turquía, pero intuímos que no volveremos a vernos.
Jirkan pertenece ya a este viaje imposible. Y seguiré soñando con ese paseo por el puente de San Carlos, en el que las esculturas y los artistas sean testigos de nuestro re-encuentro. Someday.
Divago luego existo.

Se7en - David Fincher

Los pecados capitales son vicios morales para la religión, pero en su traslación psicológica son sentimientos autodestructivos. Y de eso precisamente trata Se7en, en mi opinión la mejor película de David Fincher, una de las sorpresas de los años 90 y con una filmografía muy coherente que va enriqueciéndose poco a poco.

gula

avaricia

pereza

lujuria

soberbia

envidia

ira

Seven parecía en principio otra película más de género, pero la compleja construcción de los personajes, la atmósfera, la puesta en escena, un guión sólido y perfecto desde los inquietantes créditos iniciales hasta el inesperado final, sorpresivo y muy inteligente, la han convertido en una de las películas fundamentales de los 90, y el paso del tiempo sólo está jugando a su favor.
Una ciudad sin nombre, caótica y gris, en la que no cesa de llover. Dos detectives: uno a punto de jubilarse, William Somersert (Morgan Freeman), y otro que acaba de iniciar su carrera, su compañero David Hills (Brad Pitt), van tras la pista de un asesino en serie esteta y culto que recrea escenas de los siete pecados capitales en cada uno de sus crímenes. No se puede contar más sin destripar la película: sería una auténtica putada.
Una curiosidad: el asesino se llama John Doe (Juan Nadie), nombre que sirve para designar a cualquier hombre o mujer del mundo, pero a diferencia del de Frank Capra, este hurga en lo peor de nuestra sociedad, y nos lo muestra cual espejo de nosotros mismos.

“el mundo es un lugar hermoso,
un lugar por el que merece la pena luchar...
estoy de acuerdo con la segunda parte”.

Somersert, escéptico tras una vida entera como detective,
parafrasea a Ernest Hemingway.

La barca de Caronte le dedica su último post (inspiración de este homenaje a una de las películas más emblemáticas de los 90) a David Fincher y sus orígenes en el video-clip musical. Madonna, George Michael o los Rolling Stones, entre otros.

Febrero

...ya casi todo estaba preparado para el amor.
Febrero estrenaba flores en los almendros,
y ellos, que aún no se conocían,
intuyeron que el deseo estaba próximo.
Sentían la alegría de los días que,
como una magia, les acariciaba el tuétano;
y así, tan de repente, se creyeron libres y felices.
Si llegaban, llegarían dulces a un encuentro que
no sabe nada de huir ni de regreso.
Simplemente llegarían tiernos a conjugar sus acentos
en lo íntimo de sus labios,
y todo eso, los haría infinitos.

Gerardo Venteo

The Velvet Underground and Nico

Esta noche, en la ciudad desde la que os escribo, ha tocado John Cale con su Circus Live, el que fuera el co-fundador de The Velvet Underground junto a Lou Reed allá por 1964. La Velvet duró muy poco tiempo, apenas cuatro discos, pero su álbum debut es considerado uno de los más importantes e influyentes de la Historia del Rock.

En 1964 John Cale y Lou Reed forman la banda: buscaron a Sterling Morrison, que Lou Reed había conocido en su época de estudiante; y llamaron a Maureen Tucker, la hermana de un amigo de Reed y Morrison, Jim Tucker, al que debemos agradecer el nombre de la banda, que era el título de un libro sobre sadomasoquismo que se encontró tirado en la calle.
Tanto la música, llena de ruido y distorsiones (Mo' Tucker tocaba la batería con mazos en lugar de baquetas porque la banda le pidió que hiciera algo nuevo, distinto), como las letras que trataban temas inusuales para la época, como el sadomasoquismo, o la adicción a la heroína, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la escena estadounidense de ese momento. Muchas de las canciones están plagadas de personajes excéntricos, perdedores, travestidos: las referencias al sexo o las drogas son abundantes en todo el álbum.

powered by ODEO
The Velvet Underground -Heroin

¿Qué tiene de especial este disco? Fue grabado en unos pocos días y tardó más de un año en editarse porque era demasiado vanguardista, revolucionario, para el mercado discográfico de la época. Se publicó en mayo de 1967, pasó por las listas sin pena ni gloria, y 40 años más tarde sigue siendo considerado un disco de culto y muchos grupos han confesado la enorme influencia que tuvo en ellos.
The Velvet Underground sacaba a la luz su primer álbum con el mecenazgo de Andy Warhol que produjo el disco y es el autor de esta histórica portada. Andy Warhol pensaba que era una buena idea tener una banda de rock en la Factory. Warhol filmó a la banda ensayando y el resultado es la película The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound. Esta filmación se proyectaba durante los primeros shows de la banda.

Velvet Underground - Femme Fatale
Cargado por erioluk

Andy Warhol se convirtió en el manager del grupo, e impuso a la estrella de la Factory, Nico. La banda se resisitió en un principio, pero finalmente aceptaron para aprovechar la promoción de Warhol y se convirtieron en The Velvet Underground And Nico. Algunas canciones fueron adaptadas para ser cantadas por Nico y durante las que Lou Reed cantaba ella tocaba la pandereta.

The Velvet Underground - Venus in Furs

Otra canción que despertó controversia fue Venus in Furs, una canción que hablaba sobre sadomasoquismo. Paul Morrisey ideó un espectáculo con shows de luces, bailarinas y proyecciones, que se llamó Exploding Plastic Inevitable, y llevó a la banda a tocar en diferentes lugares a través de Estados Unidos.

The Velvet Underground - Sunday Morning

Lou Reed puso el carisma, la voz y las letras. John Cale se encargaba de los arreglos, las distorsiones, en definitiva, el artífice del sonido tan peculiar de la banda. Es mi disco ideal para una mañana de domingo de resaca.

powered by ODEO
The Velvet Underground & Nico - I'll be your mirror