Deborah Harry se merece un lugar de honor entre mis grandes damas de la canción. Porque forma parte de algunos de los momentos más especiales de mi vida. Por tener una trayectoria tan coherente. Blondie fue el grupo más importante que surgió del movimiento punk de los años 70. Porque no era frecuente los grupos con chica si no te llamabas Janis o Patti, y mucho menos si se poseía el aspecto de una salvaje muñequita sexual. Otras célebres chicas con banda como Gwen Stefani o Shirley Manson la consideran su referente. Debbie Harry se convirtió en un icono de moda, era portada de todas las revistas (no sólo musicales) por su pelo tan rubio y su ropa tan llamativa. Para mí es la gran dama del Pop. Una diosa. La misma Madonna, que lo absorbe y recicla todo, nunca ha ocultado la gran influencia que fue para ella en sus inicios.
Debbie Harry era una conejita de Playboy que se traslada a Nueva York a principios de los 70. Trabajaba de camarera mientras hacía sus pinitos en grupos de folk y rock. En 1974 conoce a Chris Stein y forman pareja sentimental y artística. Comienzan a tocar en Nueva York, son teloneros de Iggy Pop o David Bowie, hasta que en diciembre de 1976 graban su primer disco Blondie. Decidieron llamarse Blondie porque a Debbie los tíos por la calle le gritaban así.
La escena punk neoyorkina de los 70 se dividía entre el punk más rockero que representarían los Ramones, y lo que la prensa especializada llamó post-punk o New Wave, que era todo aquello que surgió tras el boom inicial del punk, y que fue dirigiéndose hacia diversos estilos musicales. Blondie, orientados hacia el pop, serían los mayores representantes de este segundo grupo.
Blondie - X Offender, 1976
Lo mejor de Debbie "Blondie" Harry
El primer single de su primer álbum, X Offender, aunque era rock ya mostraba algo del espíritu pop tan característico de Blondie. Mientras que en su primera aparición en televisión, Rip her to shreds, la banda prefirió mostrar su lado más punk.
Sin embargo, a Debbie nunca le gustaron las etiquetas desde que la proclamaran la reina del new wave. La banda evitaba el encasillamiento flirteando con casi todos los estilos musicales:
El reggae en The Tide is High, que fue otro n.1 de la banda. Rapture pasa por ser el primer tema comercial de la historia en el que se incluye un rap, y además interpretado por una mujer blanca. Con la colaboración de Jean-Michel Basquiat en el vídeo.
¿Pero ha habido alguna vez alguna rockera tan sexy? En las actuaciones eclipsaba al resto de sus compañeros. Era consciente del morbo sexual que despertaba, y explotaba su imagen sexy en los vídeos. Una imagen que iba desde la pin-up hasta la femme fatale, o la dominatrix.
...Como en la deliciosa The hardest part, todo un divertimento funky.
...O la más popera Denis, que fue la canción con más éxito de Plastic Letters.
En 1980 componen Call Me para la banda sonora de American Gigolo. La canción fue un super hit en todo el mundo, y ha quedado como una de las canciones emblemáticas de los años 80. Dreaming y Atomic: dos de mis canciones favoritas de Blondie.
Debbie Harry me enseñó también que no hay nada más divertido que una BUENA canción POP.
En 1982, tras el fracaso comercial de The Hunter, los graves problemas de salud de Chris Stein precipitaron la separación del grupo. Así que Debbie continúa su carrera musical en solitario pero con discreto éxito. De todos modos, me encantaba French Kissin' In The USA.
Tras 16 años sin tocar juntos deciden grabar nuevas canciones para su séptimo disco de estudio, No Exit.
La repercusión fue inmediata. María fue n.1 en 14 países, vendió 2 millones de copias, gira por Estados Unidos y por Europa. Blondie se convertía en la única banda que había conseguido números 1 en tres décadas consecutivas. Con esta canción Debbie ingresó en el libro Guinness de los Records como la cantante de más edad en toda la historia en conseguir un n.1 en las listas británicas. Y entre otros récords, han ganado 12 Grammys, 1 Globo de Oro, y han conseguido 6 n.1 en Reino Unido y 4 en EEUU.
Ninguna estrella del rock ha tenido una trayectoria tan interesante y prolongada en cine y teatro. Ha participado en proyectos tan atractivos como Videodrome, Hairspray o Mi vida sin mí. Como curiosidad, Ridley Scott la quería en Blade Runner para el personaje que después hiciera Daryl Hannah.
Aunque había anunciado su retirada de la música, Deborah Harry acaba de publicar Necessary Evil, su quinto disco en solitario después de 14 años. Y es que las viejas rockeras tampoco mueren. Esperemos que no sea la última oportunidad que tengamos de comprobar que es la reina del punk, dama del rock y gran señora del pop. A los 62 Debbie está estupenda. Y como buena punki, desde su página web puedes descargar la canción, el vídeo, hasta te ofrece el código para poder editarlo en webs, blogs o myspace. Que aprendan otr@s.
Paralell Lines fue el tercer álbum de Blondie, y el que tuvo más éxito: 6 veces disco de platino, vendieron más de veinte millones de copias en todo el mundo, casi todos los temas fueron apareciendo como singles, o bien como sencillo, o como cara B. Está considerado el gran disco Pop del Punk. En cualquier recopilatorio de hits de Blondie se incluyen hasta cinco o seis temas de este trabajo. El productor musical Mark Chapman, que se unió a ellos para pulir su sonido después de grabar su segundo disco, es uno de los responsables del éxito. Y Deborah Harry se convirtió inmediatamente en una estrella. Uno de mis vinilos fetiche, hasta que lo perdí o desapareció misteriosamente... Y además, tengo que decir que lo bailé muchísimo en los inocentes 80.
Blondie - Hanging on the telephone
Una de las canciones más famosas de Parallel Lines. No era un tema original de Blondie, pero fueron ellos quienes lo popularizaron. El single contenía dos versiones de temas de The Nerves incluídas en el álbum, como cara A Hanging On The Telephone y como cara B Will Anything Happen. Volver a ver este vídeo me ha hecho recordar las tardes de sábado de mi infancia viendo Aplauso, los más mayores os acordaréis.
Blondie - Heart of Glass
Un acercamiento a la música disco que algunos seguidores no entendieron demasiado bien. Les llamaron traidores, vendidos, que se habían sometido a los intereses de las multinacionales. Idea totalmente injusta si oímos la más "punkarra" I Know But I Don't Know. Blondie pasó de ser un grupo de culto de la escena independiente a ser un icono pop . Aunque primero grabaron una versión más rockera, fue idea de Chapman darle un toque más discotequero. La canción tuvo un éxito aplastante, fue número1 en casi todo el mundo: su primer n.1 en USA, siempre tuvieron mejor aceptación en Europa, en Inglaterra vendieron un millón de copias del single. Pero en mi opinión, este aproximación está cargada de mucha ironía, como todas sus letras. La propia banda se refiere a ella como "The Disco Song". Era la época de Studio54, la fiebre de la música disco, y Blondie siempre experimentó sin prejuicios con distintos estilos de música.
Blondie - Sunday Girl
Sunday Girl es una de las canciones que más me gustan de Blondie, y sin duda alguna, mi favorita de este disco. Fue el segundo n.1 consecutivo en Inglaterra tras el exitazo mundial de Heart of Glass. He puesto demasiados vídeos, lo sé, pero si habéis llegado hasta aquí no dejéis de ver esta actuación. No os arrepentiréis. Me encanta la melodía. Ya os dije que no hay nada mejor que una buena canción pop.
También fueron singles: Picture This... casi una balada, fue el primer sencillo que sacaron.
y One way or another... mucho más punkoide. El vídeo es una divertida actuación de Debbie cuando acudió a The Muppet Show, donde interactuaba con Miss Peggy o con la rana Gustavo.
Puede haber algo más punk?
La escalera (Staircase, 1969) es la primera película de temática gay que recuerdo haber visto. No la he vuelto a ver, pero quería acercarla hasta aquí. Aunque era muy niño, me llamó la atención la tragicómica historia de estos dos hombres. Claro. Hoy he descubierto, no lo sabía, que fue dirigida por Stanley Donen.
Rex Harrison y Richard Burton viven juntos desde hace más de 20 años en el piso superior de una peluquería -donde trabajan como peluqueros-, que pertenece a uno de ellos. Su monótona y decadente vida transcurre entre la rutina diaria de su negocio en el West End londinense y el cuidado respectivo de sus madres. Uno de ellos, a pesar de ser peluquero, se está quedando calvo; y tiene que dedicar gran parte de su tiempo al cuidado de su inválida y posesiva madre que lo atosiga constantemente. El otro era un actor de cuarta fila ya en declive acosado por la policía y que teme que lo encarcelen.
Les vemos discutir, lanzarse reproches y rencores acumulados a lo largo de los años, como si fueran un auténtico matrimonio. Estamos inequívocamente ante una pareja gay, pero en ningún momento se verbaliza, no se habla de ello. Estamos en el mismo año de Stonewall, los sucesos que dieron origen al Orgullo Gay: era impensable en esta época ver a dos grandes estrellas del cine y de la escena inglesa interpretando un rol homosexual. Aunque no se dice explícitamente, tampoco parece probable que un simple compañero de piso se muestre celoso o llegue a amenazar con romper más de 20 años de convivencia porque éste sea investigado por la policía por "conducta inmoral".
La escalera es una película sobre la homofobia en una época especialmente homófoba: se negaba hasta la más mínima mención, aunque todo fuera tan evidente. Es difícil aceptarse a sí mismo o lograr una relación estable de pareja cuando la Ley, y todo, está en contra: homofobia social y familiar, pero homofobia incluso dentro de la propia pareja, que se ve obligada a ocultarse, lo que les hace vulnerables a cualquier presión externa. En una escena, se ve a una mujer en la calle que sostiene una pancarta que dice: “Jesús te ama”, Richard Burton le dice: “Eso será a usted”. No sé si la película habrá envejecido, pero será curioso ver como eran las cosas hasta antesdeayer mismo. El momento que vivimos hoy es de privilegio respecto a épocas anteriores, único en la Historia podríamos decir. Pero no debemos perder la pespectiva. Quizá en Londres ya no, pero muchísimos homosexuales siguen sufriendo todavía historias similares de rechazo y ocultamiento en pueblos y ciudades pequeñas.
Domingo. Me he levantado hoy con dos deseos: tenía muchas ganas de ver a la resucitada Michelle Pfeiffer haciendo whoopee, y sobre todo, de escuchar esta canción (algunos blogs me transportaron anoche a Grecia): Los chicos del Pireo. Puede ser el inicio de una nueva sección: momentos cinéfilos, actrices que cantan, mis actrices favoritas... No sé. También estaba prevista para un futuro post, al que estoy dando vueltas, sobre mis prostitutas favoritas en el cine. Que sirva esta canción como anticipo. Con este personaje, Melina Mercouri, que luego fue Ministra de Cultura griega, ganó aquel año el premio de interpretación en Cannes y fue nominada al Oscar como mejor actriz.
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Me acabo de enterar que ha muerto Marcel Marceau,
considerado por todos como el mejor mimo de toda la Historia.
Fue el creador de un género nuevo, el mimodrama.
A través de Bip, su alter-ego, abordó desde el silencio en 15 mimodramas algunos de los temas más importantes del siglo XX.
-¿Qué denuncian sus mimodramas?
-La miseria, la violencia. Con la edad se han ido haciendo más profundos, más duros. Yo practico el mimodrama del silencio y sólo doy gritos de silencio, algo muy difícil de hacer en un mundo donde todos hablan como metralletas; a veces me siento como un artista contracorriente. El día que yo ya no esté, Bip será memoria viva y dará testimonio del siglo XX. Mientras tanto, soy un simple mortal, que empuja a sus discípulos al frente de la compañía.
- Clapton es Dios, Mathew. - No creo en Dios, Teo, pero si creyera, sería un guitarrista negro y zurdo. - Clapton ha reinventado la guitarra eléctrica. - ¡¿Qué Clapton ha reinventado la guitarra eléctrica?! Clapton enchufa una guitarra eléctrica, ¿vale? ...la enchufa, y luego la toca como si tocara una guitarra acústica… Hendrix enchufa una guitarra eléctrica, y la toca con los dientes… Verás, los soldados que han ido a la guerra de Vietnam, ¿a quién crees que escuchan? ¿A Clapton? Nooo, escuchan a Hendrix, el tipo que dice la verdad.
En un blog tan necrófilo como este (...el que me está quedando), hoy, aniversario de la muerte de Jimi Hendrix, no podía pasar por alto una de las leyendas más conocidas de la historia el rock. La coincidencia de la muerte a la edad de 27 años en extrañas circunstancias de una serie de estrellas emergentes del rock. Esta leyenda ha dado nombre a lo que ya se conoce en el mundo de la música como El Club de los 27. Creía incluso, lo juro, que este post ya estaba hecho.
Jimi Hendrix - Hey Joe
Casi todos han pasado ya por este viaje imposible.
Brian Jones, el fundador de los Rolling Stones, es el primero de la lista, con el que empezó a forjarse la leyenda. El 3 de julio de 1969 moría ahogado en la piscina de su casa. Era el tímido guitarrista que siempre estaba en segundo plano, el más experimental de todos, y el que antes se cansó de la banda. Su muerte sigue siendo un misterio. A Jagger y Richards les molesta que se les pregunte sobre ello. El reciente biopic sobre su vida tampoco aclara mucho al respecto. Se suicidó? ...un asesinato? o simplemente es que iba tan colocado que se cayó a la piscina? ...como sostiene la versión oficial.
Jimi Hendrix está considerado como el mejor guitarrista de la historia del rock. El creador del sonido del rock de su tiempo. Murió tal día como hoy hace 37 años. De nuevo, existen también diferentes versiones sobre su muerte. Parece, es la versión más extendida, que murió en su propio vómito causado por una sobredosis de alcohol y pastillas para dormir.
Unos días después, el 4 de octubre de 1970, Janis Joplin, la cantante más carismática de la historia del rock, moría víctima de una sobredosis de una heroína de extrema pureza. A las pocas horas después de su muerte desaparecieron las jeringuillas de su habitación, con lo que de nuevo se volvía a especular con la muerte de una estrella del rock: los medios de comunicación dijeron que alguien acompañaba a Janis en ese momento. Dejó en herencia a sus amigos 600 dólares para que celebraran su muerte con una fiesta.
Jim Morrison, poeta maldito y líder de The Doors, se sumó al “Club de los 27” el 3 de julio de 1971, exactamente dos años después de la muerte de Brian Jones, con lo que se cerraba el círculo. Su cuerpo fue encontrado en el baño. Aunque la versión oficial diría que fue un ataque del corazón, esta muerte si que se ha mitificado: hay teorías que van desde la sobredosis, hasta que no hay ningún cadáver enterrado en su lápida del cementerio parisino de Père-Lachaise, y sigue viviendo en el anonimato o en París o en Los Angeles. Poco antes de morir había declarado en una entrevista: “Primero fue Jimi, después fue Janis... están hablando con el tercero”. La leyenda estaba servida.
Después de estas cuatro muertes se dieron muchas vueltas de tuerca a esta siniestra coincidencia: que si todos llevaban una J en su nombre, que si las extrañas circunstancias de su muerte (aunque morir a los 27 años ha de ser inevitablemente una extraña circunstancia), también se habló del mito de Saturn Return (una canción de R.E.M., y una teoría astrológica que daría para otro post: ...morir para renacer), y se siguió la estela de los músicos que habían muerto a la misma edad. Se toma como referencia, a Robert Johnson (1911-1938), un guitarrista de blues que tuvo el dudoso honor de inaugurar este selecto club. En el supersticioso Mississippi se decía que este guitarrista había vendió su alma al diablo a cambio de convertirse en un virtuoso de la guitarra y ocho años para disfrutarlo. Curiosamente los Rolling Stones, Jimi Hendrix, aunque también Bob Dylan, hicieron versiones de algunas de sus canciones. Tiene una canción ‘Hellhound on my Trail’ (algo así como, el cancerbero tras mi rastro) que contribuyó a instaurar la leyenda. Aunque el diablo vino en forma de una sífilis galopante, para no variar, también existen otras teorías en la wikipedia, como que fue envenenado.
Mucho más tarde, el 5 de abril de 1994, los miembros del club dieron la bienvenida a Kurt Cobain, que es hasta ahora la última "gran" incorporación. El líder de Nirvana, la última super-star del rock, se suicidó pegándose un tiro en la cabeza con una escopeta. Tampoco aquí faltan teorías: desde una depresión y una recaída en la heroína que le hubieran llevado al suicidio, el deseo de querer ingresar en tan selecto club, hasta la acusación a Courtney Love de inducción al suicidio por una parte importante de la opinión pública, como conjeturan los fans enfebrecidos de la banda. Y si no hay coincidencias... se buscan. Aunque no llevaba J en su nombre, era zurdo como Hendrix, y aunque nació en Aberdeen se movió pronto a Seattle, ciudad natal de Hendrix, que tenía una escena punk importante.
Nirvana - Smells Like Teen Spirit
En fin, hubo otros que murieron antes de esa edad: Sid Vicious, Ian Curtis, Ottis Redding; Marc Bolan a los 29; y en la treintena no faltan ejemplos como Michael Hutchence o Bob Marley, Andy Gibb, Mama Cass Elliot o Karen Carpenter. En la historia del rock sobran los ejemplos de los que siguieron la filosofía del "vivir rápido, morir joven y ser un bello cadáver". Algunos ya pasaron por este viaje imposible, otros estarán. No obstante, todos estos cantantes, rutilantes estrellas del rock, no murieron, pasaron a la inmortalidad.
Marc Bolan.(30 sept.1947-16 sept.1977) No es la primera vez que aparece por aquí. Es el mayor representante junto a David Bowie del glam rock. Ya subí al blog Get it On, la canción que más me gusta de ellos.
Los inicios de Marc Bolan fueron con el grupo proto-punk John's Children, después creó los Tyrannosaurus Rex, que disuelta la banda se llamaron los T.Rex.
Otras de mis canciones favoritas son... Children Of The Revolution.- Una grabación de 1974 con la colaboración de Elton John y Ringo Starr. Ride A White Swan.- Marc Bolan montando a lomos de un cisne blanco. espero que os gusten...
Angustia, desaliento, miedo, el terror del hombre moderno ante el fin de siglo. El grito como primer intento de comunicación. Percepción del lenguaje sobre sí mismo. Cuando se suspenden las palabras... Las palabras no son suficientes para expresar el horror, lo inexpresable, lo que nos sobrepasa, lo imposible de asumir. El acontecimiento nos supera. El sinsentido más absoluto desde nuestra perspectiva.
El terrorismo es inmoral. El acontecimiento del World Trade Center, ese reto simbólico, es inmoral, y responde a una globalización que en sí misma es inmoral. Pues bien, seamos inmorales. Y si queremos comprender algo, miremos un poco mas allá del Bien y el Mal. Por primera vez, nos hallamos frente a un acontecimiento que desafía no sólo la moral sino toda forma de interpretación.
Hemos visto la obra de arte más sublime jamás realizada. El hecho de que unos seres se preparen como locos para un solo acto durante años, lo ejecuten una vez, y mueran en la ejecución, hace que sea la mayor obra de arte jamás realizada. Comparado con esto los compositores no somos nada.
Muchos pensaron que Baudrillard se había perdido en la retórica de su discurso, pero nada que sorprendiera porque no era nuevo su discurso: ver si no La guerra del Golfo no ha tenido lugar. Más controvertidas fueron las declaraciones realizadas por el músico Stockhausen sobre las imágenes del 11-S. El músico declaró a través de su página web que lo que presenciamos a través de la TV es la obra de arte del siglo XXI, la más sublime, ...que había llegado la hora de la jubilación para los artistas. Estos comentarios despertaron inmediatamente la indignación de la sociedad bienpensante, le llamaron loco o frívolo en el mejor de los casos, hablaron de desprecio a las víctimas, complacencia con los terroristas. Pocos intentaron entender sus palabras. Muchos de sus conciertos fueron suspendidos, y se vio forzado a disculparse.
"Se piense lo que se piense de su cualidad estética, las Twin Towers eran una performance absoluta, y su destrucción es también una performance absoluta. Sin embargo, eso no justifica la exaltación de Stockhausen del 11 de septiembre como la más sublime de las obras de arte. ¿Por qué un acontecimiento excepcional debería ser una obra de arte? La recuperación estética es tan odiosa como la recuperación moral o política, sobre todo cuando el acontecimiento es tan singular debido precisamente a que está más allá tanto de la estética como de la moral.
Jean Baudrillard, Réquiem por las Twin Towers, 2003.
Espectáculo, según el diccionario de la RAE, es "aquello que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual, y es capaz de atraer la atención y mover el ánimo infundiéndole deleite, asombro, dolor u otros afectos más o menos vivos o nobles". ¿A qué se debe tanta indignación entonces? Acaso no se llaman espectáculos ...circenses... en los libros de texto a las luchas de gladiadores o la muerte de los cristianos a manos los leones. Que tengamos una idea inocente de lo que es espectáculo no quita que nos enfrentemos al acontecimiento más espectacular que hayamos visto nunca.
Pero Stockhausen no fue el único en pensar de este modo. Otro ejemplo: Iñaki Ábalos ha contado cómo el 11-S estaba sentado frente al televisor con una serie de arquitectos célebres y pudo ver la reacción de los asistentes ante el “fulgor de las imágenes” que aparecían ante sus ojos asombrados: “alguien se atrevió a hablar de la poderosa atracción visual del horror y coincidimos en que lo que estábamos viendo era la encarnación misma de lo sublime contemporáneo, un espectáculo que en la antigüedad sólo tipos como Nerón se habían permitido, y que ahora se servía democráticamente en directo a todos los ciudadanos de la aldea globlal”.
Como Nerones desde el salón de nuestro casa, ante el goce estético de una visión extraordinaria, como si viéramos una pintura, una película. Es la sociedad del espectáculo de Guy Debord. Y nosotros, todos nosotros, espectadores en directo a través de la televisión. El goce de la representación de la destrucción total.
Lo que vimos no fue lo real, pero "sus huellas han golpeado nuestra percepción con la violencia y la imprevisibilidad del shock traumático". Contemplamos lo real imaginario, es decir un estado después de lo real y antes de lo simbólico. Pero lo real de lo real, lo siniestro, no lo vimos, ni tan siquiera nos atrevemos a imaginarlo. Carece de sentido, a propósito de esas imágenes, hablar de signos, de representaciones. Nos encontramos, por el contrario, ante huellas reales, brutales, que nos golpearon, y todavía nos golpean, con la intensidad de lo real. Por ello, la TV estadounidense trató de dosificarlas, para evitar que el shock traumático fuera mayor. ¿Pero qué sucede después de esa imagen escalofriante, capaz de borrar (o de suspender) por un instante la línea entre la realidad y la ficción? Todos los discursos, comentarios y análisis posibles se quiebran, traicionarían la enorme impresión frente a la fascinación que ejerce el hecho en sí mismo. Es decir, es la representación de la violencia total, una violencia absolutamente aniquiladora; la destrucción de todo significante, que hace añicos todo signo susceptible de significación, reducidos a polvo literalmente.
Todos tuvimos una sensación de irrealidad al contemplar las imágenes. En algún momento nos preguntamos si realmente estaba sucediendo o se trataba de una de esas películas de catástrofes a las que tan acostumbrados nos tienen. Ya habíamos visto el uso de aviones comerciales como bombas contra edificios, inclusive las mismas torres gemelas, como parte de una trama de una ficción descabellada. Ahora son hechos reales. Las Torres, metáfora de la omnipotencia de la metrópoli de la Modernidad, desafiaban erectas la ley de la gravedad hasta alcanzar el mismo cielo; un signo de poder aparentemente indestructible, invulnerable, capaz incluso de absorber y neutralizar los rayos. Imágenes escatológicas, hiperrealismo al más estilo hollywoodiense ante el derrumbamiento del mayor símbolo del capitalismo, centro económico del comercio mundial. El terrorismo también ha basado su propio espectáculo de matanza en las posibilidades de representación puestas a su disposición por los medios de comunicación. La espectacularización de lo real.
"Lo que todo el mundo veía en directo en las pantallas de televisión como la verdad auténtica, era la no-verdad absoluta; y aunque la falsificación resultaba por momentos evidente, quedaba, sin embargo, sancionada como cierta por el sistema mundial de los media, para que resultara claro que lo verdadero no era ya más que un momento en el movimiento esencial de lo falso. De esta forma verdad y falsedad se hacían indiscernibles y el espectáculo se legitimaba únicamente por medio del espectáculo mismo".
Nuestra percepción de la realidad está condicionada por la fantasía. Así, la fantasía decide lo que es la realidad. Tenemos que defender esto de una manera seria: no en un sentido idealista, de que la realidad no existe y que sólo soñamos. La realidad no es lo que está afuera sino lo que uno acepta como realidad.
Y si se tratara de una ficción. Y si se tratara de la Superproducción 11 DE SEPTIEMBRE, el plan maquiavélico diseñado por el Gobierno de Washington y la Administración Bush para dominar al mundo; la primera parte de una trilogía cinematográfica que llevará por nombre “APOCALIPSIS”.
Una buena película, eh? Y sin embargo... ¿al contemplar esas imágenes, no tuvimos la sensación de que ya lo habíamos visto, que eso ya lo habíamos vivido en cierto modo? Y así había sido, ahora bien, en forma de pesadilla cinematográfica. En Armagedon, de Michael Bay, hay una secuencia que serviría para ilustrar a la perfección los acontecimientos mismos del 11 de septiembre: un meteorito alcanza una de las torres. Incluso los escasos diálogos parecen del todo pertinentes (y no son casuales) para este momento: –¡Es la guerra Grita un taxista de la ciudad. Y luego añade: –¡Sadam Hussein nos va a matar!
Y junto a Armagedon, también lo vimos en Independence day, Deep Impact, o Godzilla... films que nos ofrecían la reiterada destrucción, con leves variantes, de Nueva York y Washington, de sus monumentos y sus símbolos más emblemáticos. El club de la lucha comienza justo tres minutos después del fatídico momento. Incluso en Mars Attacks veíamos como los edificios más simbólicos de Nueva York eran destruidos, esta vez la amenaza exterior provenía de los extraterrestres. Son películas muy taquilleras: millones de espectadores acuden a las salas cinematográficas donde el espectáculo de la destrucción total de nuestra civilización se repite una y otra vez. El cine de Hollywood no ha cesado de construir imaginerías catastróficas, auténticas pesadillas. Sabemos que es una simulación, pero queremos el mayor realismo posible. Sobran los ejemplos: el cine de terror, la pornografía, el reality–show.... En las últimas décadas es significativo el desplazamiento que se ha producido en el cine de lo narrativo a lo espectacular. Los guiones flojean, los diálogos son absurdos. El mayor atractivo de estos films se encuentra en esas grandes escenografías donde se concentran las explosiones y batallas. Esta tendencia alcanza su máxima expresión en la televisión: en ella la huella audiovisual de lo real manda, imponiéndose contra toda lógica de la representación. Mientras el cine y la TV se asoman a lo real en sus representaciones, en la Historia no se demanda realismo, sino plenitud simbólica; no se pretende la representación de lo real, sino de un orden simbólico destinado a configurar y dar sentido a lo real. No se representa la realidad tal cual es, sino más bien cómo debe ser (como queremos que sea).
La imagen de las Torres Gemelas -tótem simbólico antes incluso de que ardieran-, era una de las imágenes emblemáticas del poder financiero en Occidente. Pero la insoportable belleza del poder queda reducida a cenizas el 11-S. El miedo frente a la pulsión de querer ver. Las Torres han ardido, han caído, ya no están. En el lugar del World Trade Center sólo queda un inmenso agujero, un vacío. Y ese vacío hay que llenarlo. …de hipótesis, de conclusiones, de teorías. En fin, hacer Historia: construir la/s realidad/es de esos hechos. Ordenar el caos. Es un hecho tan impactante que consigue aunar la realidad de nuestra cotidianeidad con un mundo imaginario que creíamos que exclusivamente pertenecía a las películas, al reino de la ficción. El cruce de la línea entre la realidad y la ficción es lo que transforma esta noticia en algo más que eso, dándole una dimensión transhistórica. Estamos ante la creación de un arquetipo, de una referencia para la cultura del futuro que consigue actualizar diversos mitos en un solo momento. La Torre de Babel, David contra Golliat. Condena moral unánime del terrorismo, frente a la fascinante contemplación de ver la destrucción de la superpotencia mundial. ¿Estábamos ante un ataque a la primera superpotencia mundial o ante la justificación de su existencia? Acontecimientos como éste son utilizados para justificar ante los ojos de la población mundial una escalada militar que esconde claros intereses estratégicos, casi siempre económicos. Probablemente no haya una Verdad, ni nunca la habrá.
Han pasado ya seis años y la versión oficial se cae por su propio peso. Internet está lleno de historias sobre el acontecimiento. Lo que empezó siendo una teoría de la conspiración, está convirtiéndose en una teoría creíble, verosímil al menos. El relato de los hechos no es consistente con las leyes de la física, tergiversa las prácticas de la ingeniería y el diseño de las Torres Gemelas. Según técnicos expertos las torres explotaron y cayeron como en una demolición, y se destruyeron pruebas físicas que permitirían la investigación. ¿Qué creer?
¿Por qué los mass-media ocultan y ridiculizan estas teorías si al fin y al cabo se han evocado también otras imágenes que pertenecen al acervo cultural colectivo, como la destrucción de la torre de Babel, el Apocalipsis de San Juan o las profecías de Nostradamus?
Si hasta la propia CNN quiso hacernos ver que se trataba de cosa del diablo. Interesante idea para el imaginario colectivo.
"La expresión de una angustia propiamente civilizatoria llevada a su paroxismo, pues en ellas se vislumbra el horizonte de la destrucción total. El fin –pero esta vez siniestro– de la Historia es el cese, la desaparición de todo horizonte. Son, por eso, las escenografías apocalípticas de la Posmodernidad: en ellas la fragilidad del mundo de la Modernidad alcanza su apoteosis. Y así también, en ellas, la fascinación del caos cobra la forma de un cese inmediato de la historia. El Apocalipsis, la conciencia de la proximidad del abismo, aparece, en suma, como una posibilidad inmediata, pero esta vez desligado de toda esperanza de redención externa. Apocalipsis, entonces, sin Dios y sin juicio final. Pues éste es uno de los datos más notables de nuestra posmodernidad: que Dios –todos lo dicen– ha muerto y sin embargo, lo diabólico, es decir, la fuente del horror, mantiene su plena vigencia. O dicho todavía de otra manera: ya sólo creemos en –ya sólo poseemos la certeza de– la posibilidad del horror.
La organización 9/11 Truth Now cree que la Administración Bush probablemente orquestó un auto atentado terrorista contra las Torres Gemelas y el Pentágono, no sólo en busca del argumento para las invasiones, sino además para coartar las libertades civiles en Estados Unidos. Inmediatamente despúes de los atentados se aprueba la denominada Acta Patriota. La organización defiende la tesis de que las Torres Gemelas no se derrumbaron por el impacto de los aviones secuestrados, sino por una detonación controlada a distancia. James H. Fetzer, profesor de la Universidad de Minnesota, y muy comprometido con esta organización, asegura que sería difícil encontrar un sólo físico que esté en desacuerdo con la tesis de que el WTC se vino abajo por un estallido controlado. Se pone el acento en la incógnita de por qué se desplomó un tercer edificio del WTC, a pesar de que ninguna aeronave lo impactó.
El escritor Thierry Meyssan es otro de los críticos feroces que cuestionan la versión oficial. Estas son algunas de las preguntas que se hace: –¿ Por qué George W. Bush dice haber visto el primer avión estrellarse por televisión a las 8:40 AM, si las imágenes no se transmitieron hasta las casi las 9 de la noche de ese día...? –¿Por qué no aparecieron los restos del avión ni los pasajeros que dicen que chocó en el Pentágono...? La Gran Impostura (L'Effroyable imposture, Thierry Meyssan)
Por último, lo juro, hay gran cantidad de anécdotas y curiosidades en webs y blogs en torno al 11 de Septiembre: (para wikipedia, tb hubo una versión oficial). He intentado evitar algunas teorías absurdas, supercherías varias y bulos que responden a intereses oscuros (como que ningún judío acudió a su puesto de trabajo en el WTC aquel día). He querido destacar dos que me han resultado muy curiosas. Se trata de dos anécdotas referidas a dos artistas que, cada uno en su tiempo, se les consideró visionarios. -Leonardo Código Abierto: 9/11 y Gemini. Este blog centrado en la figura de Leonardo Da Vinci nos habla de la aparición de un posible cuadro perdido de Da Vinci que representa a dos gemelos besándose ante el Espíritu Santo. Leonardo es muy recurrente para asuntos en los que entramos en el terreno de lo simbólico. -Alfredo en su Butácora se daba cuenta de una casualidad asombrosa, casualidad ...o música profética? Prestad atención a la parte final del vídeo. El último minuto y medio.
Laurie Anderson - Smoke Rings (Home of the Brave, 1986)
Home of the Brave, es una película concierto performance de la cantante Laurie Anderson, artista multidisciplinar siempre próxima a las vanguardias. Era mi canción favorita: el mejor momento de la película. Me compré el disco sólo por esta canción. El sentido que cobra ahora la parte final del vídeo (los últimos 91'1 segundos, jeje) es alucinante. Quedamos en el blog de Alfredo que se trataba de una casualidad, seguramente inocente, pero no me negaréis que es una siniestra coincidencia que el número de emergencias en EEUU sea el 911. Volveré sobre este disco en forma de post. Y no es la única canción del álbum que podría haber ilustrado el tema que tratamos. You know?/ I don't believe there's such a thing as TV/ I mean/ They just keep showing you/ The same pictures over and over/ And when they talk they just make sounds/ That more or less synch up with their lips/ That's what I think/ Language It's a virus! Languaje is a virus from outer space:
Un amigo bloguero me pasó ayer este vídeo de Siouxsie Sioux, adelanto de su primer disco en solitario, Mantaray, que sale a la venta mañana mismo en Inglaterra. Llevo todo el día con esta canción: Preparaba algo sobre Blondie, pero tendrá que esperar, al fin y al cabo Debbie y Susan eran amigas de la escena punk, estoy pesadísimo y no he podido resistirme a subirla al blog. Con 50 años Siouxsie, Susan Ballion, está estupenda. Siempre ha llamado la atención por su imagen provocativa y su personalidad, que la convirtieron inmediatamente en un icono del punk primero, para ser considerada después la reina del rock gótico. Siouxsie & the Banshees (llamados así por la película de Vincent Price, Cry of the Banshee) comenzó como un divertimento en 1976 en uno de los primeros festivales punk de Londres. En los comienzos el punk rock eran cuatro gatos y se conocían todos: en la primera formación Sid Vicious fue el batería antes de ser el bajo de los Sex Pistols, y el guitarrista Marco Pirroni se unió después a Adam & The Ants. Han tenido constantes cambios en la banda a través de los discos y los años. Para su tercer disco se incorporaron el carismático Robert Smith, futuro líder de los míticos The Cure, y Budgie (Peter Clarke) como nuevo batería. Aunque fueron pioneros del punk británico, su fama en los 80 se debe sobre todo a la gran influencia que ejercieron en el nacimiento de otras bandas del dark y gothic rock. Por esto se habla de Siouxsie más como rock gótico, post-punk, rock industrial o punk/rock goth (yo, la verdad, me pierdo entre tanta definición). En 1981 Siouxsie y Budgie forman The Creatures, grupo que combinarían paralelamente con The Banshees. Pareja estable artística y sentimental hasta este mismo año que se han separado, razón por la que supongo edita Mantaray en solitario. Y empieza esta nueva aventura con un potente tema, Into a Swan, que habla de metamorofosis y transformaciones. Primer single de toda su carrera sin una banda detrás a excepción de algún dueto que otro.
Los seguidores de Siouxsie son muchos y muy fanáticos. Aunque no pertenezco a esta tribu, ya que nunca la he seguido con continuidad, algunos temas pertenecen a la banda sonora de épocas importantes de mi vida.
Paul (Marlon Brando): El sillón va junto a la ventana. Así. Jeanne (Maria Schneider): Yo sólo vine a devolver la llave.
-La llave me da igual. Quítate el abrigo y ayúdame. Coge esas sillas y tráelas aquí. Ponlas en el otro lado. -Bien. -Coge eso también. -No ha perdido el tiempo.
-¡Escuche, monsieur! Me tengo que ir. ¡¡Señor!! Me tengo que ir. -La cama es demasiado grande para la habitación. -No sé cómo llamarle. -No tengo nombre. - ¿Quiere saber el mío? - ¡¡No, no!! No quiero. No quiero saber tu nombre. Tú no tienes nombre y yo tampoco. Sin nombres. -¡Está loco! -Quizá, pero no quiero saber nada acerca de ti. No quiero saber dónde vives ni de dónde eres.
No quiero saber nada. -Me está asustando.
-Tú y yo nos vamos a encontrar aquí,
sin saber nada de lo que pase ahí fuera. ¿De acuerdo? -¿Pero, por qué? -Porque... porque aquí no necesitamos nombres. ¿No lo entiendes? Vamos a olvidarnos de todo lo que conocemos. De todo el mundo, de todo lo que hacemos ...de donde vivimos. Vamos a olvidarnos de eso, de todo, de todo. -Pero yo no puedo. ¿Tú puedes? -No lo sé. ¿Tienes miedo? -No. -Ven.
It's me again. It's over. That's right. It's over and then it begins again.
I'm 45. I'm a widower. I own a little hotel.
I got married. And my wife killed herself. It's better not knowing anything.
Dos desconocidos, un piso vacío, un breve encuentro sexual sin palabras. Un colchón, un sillón, una lámpara sin tulipa, tan desnuda como el alma de estos dos náufragos que se encuentran para follar en un apartamento de París. Aquí y ahora. No hay palabras, no hay historias de un pasado frustrado, no hay futuros perfectos imposibles. No hay biografías. Dos soledades. El sexo se convierte en la verdadera forma de comunicación, la más básica, pero la más real. Jeanne tiene 19 años, Paul 45. La cámara gira alrededor de ellos. Como en un cuadro de Edward Hopper, aislados del mundo, este apartamento casi vacío es el único lugar donde su historia es posible.
Jeanne es una joven moderna que aún sueña con príncipes y castillos donde protegerse del miedo y del frío. Su novio Tom hace cine de vanguardia, cinéma verité con pretensiones políticas, un niño grande capaz de proclamar a gritos su amor perfecto y pop en una estación de metro, un voyeur indiscutible que quiere rodar absolutamente todo en 16 mm, hasta su propia boda, nada alejado de la idea burguesa de los Lumiére de reproducir y dejar grabadas para la posteridad sus posesiones, sus familias, sus trabajadores. Es el discreto encanto de la burguesía. Jeanne se refiere a Olimpia, su criada, como la personificación de la virtud doméstica: fiel, económica y racista. Por el contrario, el mundo de Paul tiene una luz triste. Un pasado en América. Otro en París. Su mujer muerta. Un hotelucho sórdido y claustrofóbico en herencia. Viejas fotografías en color sepia. Putas acabadas, saxofonistas borrachos y otros perdedores. Incluso hasta el amante de la esposa parece un clon de sí mismo.
Sexo compulsivo y desaforado, un nuevo lenguaje entre dos para dos. Jeanne busca sentir, experimentar. Quiere saber. Paul persigue calmar su angustia existencial. Quiere olvidar. Sexo, cada vez más excitante, cada vez más violento: a la ternura de ella, él responde con sadismo. Ella aún sueña con un matrimonio feliz. Las parejas jóvenes que sonríen desde las vallas publicitarias anuncian que es posible. La vida de él ha sido una mentira. Un matrimonio fracasado, una herida abierta. El pasado, que se resiste a cerrarse. Jeanne construye un héroe romántico ideal (¡¡es Marlon Brando!!) atraída por su magnetismo sexual, irracional, casi animal. Paul destruye ese héroe irreal, mientras se deconstruye a sí mismo (Es el testamento de Brando. La leyenda dice que nunca se leyó el guión completo y que algunos de sus monólogos fueron totalmente improvisados).
Gruñidos por palabras. Ella confiesa que lo ama. El pone en práctica la última prueba. La mantequilla. La puta familia. Los cerdos y las ratas. La humillación definitiva. Traspasados todos los límites, tabúes y abismos que parecían insalvables, Paul cree haber encontrado a alguien que le ama tal y como realmente es. Y aparecen las palabras. El pasado de él se convierte en historia. Ella piensa en el futuro. Se dan de bruces con una realidad en la que no serán capaces más que de bailar un tango desacompasado. Flores a la esposa muerta. La pistola del padre. La próstata y las hemorroides. Enseña a Tom el apartamento. Paul, por fin, quiere el amor y todo lo demás. Jeanne tiene dudas, pero el vestido hace a la novia. Ha tomado una decisión.
Algunos se han empeñado en ver en El último tango en París un estudio sobre la sexualidad, o un cursillo intensivo de lo más perverso del kamasutra, pero esta película es mucho más: es un alegato contra la visión romántica e idealizada del amor, es un profundo análisis de las relaciones de pareja y una crítica a la familia: “esa santa institución, ideada para inculcar la virtud entre salvajes, …donde la libertad es asesinada por el egoísmo”, y por último, es también una reflexión sobre el hecho cinematográfico. La cultura cinematográfica del pasado (Brando es el cine clásico), frente a las propuestas radicales del cine de los 60: el cinéma verité, el free cinema. No es casual que Tom esté interpretado por Jean-Pierre Léaud, alter-ego de Truffaut en sus películas y actor fetiche de la Nouvelle Vague (Curiosamente repite la misma función simbólica que el personaje que interpretaría en Soñadores treinta años después). Tiene la obsesión de atrapar la realidad dentro de un encuadre: lo que queda fuera de campo no existe, no es verdad.
Un estudio sobre la ilusión de lo real y la ilusión de la verdad cinematográfica. El personaje de Brando lo sabía muy bien: lo de fuera, la realidad, no existe, no es verdad.
Todo es representación, y la realidad también lo es.
Búsqueda de lo real. Sexo y muerte.
Después del nombre... la repetición, la repetición.
“Nuestros hijos se acordarán, Nuestros hijos se acordarán”.
......................
Somos los libros que hemos leído, las películas que hemos visto, las canciones que amamos. Somos nuestros amigos y nuestros maestros. Los viajes que hicimos y los amores que tuvimos. Somos en un espacio y en un tiempo.....
Somos AQUI y AHORA.
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Sin embargo, a Debbie nunca le gustaron las etiquetas desde que la proclamaran la reina del new wave. La banda evitaba el encasillamiento flirteando con casi todos los estilos musicales:
¿Pero ha habido alguna vez alguna rockera tan sexy? En las actuaciones eclipsaba al resto de sus compañeros. Era consciente del morbo sexual que despertaba, y explotaba su imagen sexy en los vídeos. Una imagen que iba desde la pin-up hasta la femme fatale, o la dominatrix.
En 1982, tras el fracaso comercial de The Hunter, los graves problemas de salud de Chris Stein precipitaron la separación del grupo. Así que Debbie continúa su carrera musical en solitario pero con discreto éxito. De todos modos, me encantaba French Kissin' In The USA.
Ninguna estrella del rock ha tenido una trayectoria tan interesante y prolongada en cine y teatro. Ha participado en proyectos tan atractivos como Videodrome, Hairspray o Mi vida sin mí. Como curiosidad, Ridley Scott la quería en Blade Runner para el personaje que después hiciera Daryl Hannah.
Aunque había anunciado su retirada de la música, Deborah Harry acaba de publicar Necessary Evil, su quinto disco en solitario después de 14 años. Y es que las viejas rockeras tampoco mueren. Esperemos que no sea la última oportunidad que tengamos de comprobar que es la reina del punk, dama del rock y gran señora del pop. A los 62 Debbie está estupenda. Y como buena punki, desde su página web puedes descargar la canción, el vídeo, hasta te ofrece el código para poder editarlo en webs, blogs o myspace. Que aprendan otr@s.
