Ingmar Bergman: The End

Ingmar Bergman con Liv Ullmann: los secretos de un casi matrimonio

La muerte ha ganado hoy la partida de ajedrez a Ingmar Bergman. Uno de los directores fundamentales de la historia del cine. Hoy, el cine -también el teatro- pierde a uno de lo más grandes. Fresas Salvajes, El séptimo sello o Fanny Alexander son algunas de las películas fundamentales de mi filmo-biografía más personal. Un pequeño pero sincero homenaje.

El séptimo sello (Ingmar Bergman, 1956)

Banksy

-Is graffiti ART or VANDALISM?
-That word has a lot of negative connotations
and it alienates people, so no,
I don't like to use the word 'art' at all.

Banksy

Banksy es un artista grafittero del que se sabe poco más, porque su imagen permanece oculta a los medios de comunicación: todo son rumores, aunque podría ser éste según Google. De él se sabe que ha colgado cuadros en el MOMA de Nueva York y en la Tate de Londres, y en el 2005, en el Museo Británico de Londres, colgó una falsa pintura rupestre de un búfalo y un hombre de cromagnón empujando un carrito de supermercado, con el que se hizo mundialmente famoso.

Algunos le consideran un vándalo, otros el último genio del arte, el artista que necesitaba el siglo XXI. Su discurso es radicalmente crítico contra el sistema capitalista y el discurso homogeneizador y moralista de los medios de comunicación.

Le encanta mostrar a soldados, policías y otras autoridades en situaciones comprometidas, orinando, besándose...

Las ratas -que se aparecen inesperadamente en cualquier esquina de Londres- es otro de los temas recurrentes de la obra de Banksy.
Aquí podéis ver ampliamente otros de sus trabajos.

Banksy se ha auto-publicado su primer libro: Banging your head against a brick wall (Golpeando tu cabeza contra una pared de ladrillo).

Uno de sus últimos trabajos más relevantes (...y una idea bellísima) ha sido el dibujar paisajes paradisíacos sobre el muro construído por Israel en algunas ciudades de Palestina:

http://www.banksy.co.uk/

30 años de punk

El "punk" nació, o más bien se le dio forma -es decir, se codificó, lo que provocó el inicio de su declive-, en una boutique sadomasoquista de Londres, Sex, regentada por el entonces matrimonio Malcom McLaren y Vivienne Westwood. Allí compraban los primeros punkies de Londres, como Johnny Rotten, Sid Viciuous o Jordan, una dependienta que sería la punkie más famosa de Londres, y que se convertiría en un icono punk gracias a la película de Derek Jarman, Jubilee, un intento de hacer un cine punk al modo que habían iniciado en Estados Unidos Paul Morrisey o John Waters.

El visionario Malcom Mclaren, que ya había sido manager de los New York Dolls, quería formar una banda similar. Fascinado por su imagen, McLaren introdujo a Johnny Rotten en los Sex Pistols, y éste introdujo a su amigo Sid Vicious cuando la banda decidió echar a su bajista Glen Matlock (...porque -según dijeron- se lavaba mucho los pies y le gustaban los Beatles). Además de ser su promotor, se encargó de experimentar el look antimoda que había visto en grupos del otro lado del Atlántico como los Voidoids. A Vivienne se la considera la creadora del uniforme punk, ella introdujo la tela típica escocesa así como las cadenas, imperdibles, hojas de afeitar y otra parafernalia sadomasoquista. Sid Vicious solía llevar camisetas con dibujos de Tom de Finlandia creadas por ellos.

En junio de 1977, su segundo single God Save the Queen supone un gran escándalo en una Inglaterra que celebraba el jubileo de la reina Isabel. La sociedad inglesa se divide en dos: al mismo tiempo, mientras una mitad lo censura, la otra mitad lo aupa al número 1 de las listas. Y el No Future se convierte en el grito de toda una generación desencantada y nihilista. En octubre sale a la calle Never mind the bollocks, here's the Sex Pistols, un disco manifiesto contra todas las sagradas instituciones del stablishment británico: Anarchy in the UK contra el gobierno, God Save the Queen contra la monarquía y la religión, E.M.I. contra la industria de la música, Bodies contra la familia. Tres meses después de que este histórico disco saliera a la venta, los Sex Pistols se separaban.

Sex Pistols — God Save the Queen

Robert Mapplethorpe

En los años 50, se llamaba “punk” como insulto en la jerga carcelaria a los jovencitos que eran utilizados por los presos heterosexuales como amantes. Los punks neoyorquinos de los 70 decidieron tomar ese término para autodefinirse, conscientes de sus connotaciones ambiguas y de marginalidad. De hecho, el primer germen punk neoyorkino era visiblemente ambiguo sexualmente. Patti Smith, en sus años de poetisa punk, mimetizaba a Keith Richards y vivía con el fotógrafo Robert Mapplethorpe. Iggy Pop salía a actuar con un tutú y el cuerpo bañado de brillantina plateada. Los New York Dolls tocaban vestidos con ropa de mujer, joyas, corses de lentejuelas, aunque hacían metal o hard rock pretendían una celebración del kitsch bañado de glam. Wayne County & The Backstreet Boys, era una banda muy famosa del proto-punk neoyorkino cuyo líder se convirtió en Jayne County en los 80 y se convirtió en una de las primeras transexuales en liderar una banda de rock. Buzzcocks tenían una canción titulada Homosapien, que más tarde Peter Shelley, líder de la banda, volvería a grabar en una versión más popera. Y Dee Dee Ramone, co-fundador y autor de muchas de las canciones de los Ramones, para algunos la gran banda de la historia del punk, escribía acerca de su pasado como chapero.

Ramones — Rock and Roll Radio

La aparición del Queer Punk fue la salvación para los que se sentían punks y gays al mismo tiempo. Por un lado, no se sentían cómodos en la escena gay, a la que consideraban burguesa, consumista y conservadora de los valores y modelos heteros, estaban lejos de los que reclamaban el derecho al matrimonio y sobre todo radicalmente en contra del ingreso en las Fuerzas Armadas, que otros sectores reivindicaban. Por otro lado, la escena punk, tras la explosión inicial, fue dominada por el hardcore que era machista y homofóbico. Tampoco se sentían cómodos, así que, casi sin proponérselo, inventaron un espacio cuyo objetivo era crear una contracultura que criticara tanto el conformismo gay burgués como el de la escena hardcore machista y conservadora. Esos punks y gays llamaron al movimiento queerpunk u homocore, y lo definieron como una expresión creativa, fundamentalmente de música punk y fanzines, que cuestionaba las concepciones convencionales de género y sexualidad. La banda más representativa dentro de esta corriente se considera a Pansy Division.
En otro sentido, el punk se había convertido en poco tiempo en una cuestión de hacer dinero. Los jóvenes londinenses iban a las tiendas de Chelsea o King's Road en masa a uniformarse con toda la imaginería punk diseñada por McLaren, Westwood u otros que descubrieron el negocio. Pero los auténticos punks o los grupos que empezaban como The Clash no tenían las 60 libras que costaba el atuendo punk. The Clash pintaban sus propias camisetas al estilo Jackson Pollock y cosían fotografías en los bolsillos. Ahora puedes comprarte la camiseta del disco London Calling (con el que cerraré mi paseo por el punk) en Zara o tiendas similares. Pero, a pesar de este decepcionante panorama, el espíritu punk se mantendrá vivo dispuesto a resurgir mientras necesitemos las utopías para sobrevivir.

The Clash — Should I stay or should I go

Los links de los grupos y canciones remiten a vídeos del YouTube. Estas son las canciones:
* Richard Hell & The Voidoids - Blank Generation
* Sex Pistols - Anarchy in the UK
* Iggy Pop & The Stooges - No Fun
* New York Dolls - Personality Crisis
* Wayne County (with The Electric Chairs) - Cream In My Jeans
* Buzzcocks - Ever Fallen In Love
* Pete Shelley - Homosapien
* Pansy Division - Bad Boyfriend

...y un pequeño recorrido por el Punk Patrio

La Polla Records - Salve Regina

La Polla Records se formó en 1979 pero la revolución se produciría en 1984 con Salve, su segundo álbum. El disco más importante del punk patrio. 19 canciones con muy mala leche contra el capitalismo, la Iglesia Católica o el fascismo. Temas como Come mierda -contra la comida basura-, Tope Bwana -contra el racismo- o Los siete enanitos -contra el trabajo- siguen frescos en la memoria de varias generaciones.

Siniestro Total - Me pica un huevo

El primer Siniestro Total, con German Coppini, cantante de la banda hasta 1983, riéndose de las exigencias del play-back en un programa de TV. Empezaron con el punk pero evolucionaron hacia otros tipos de música. Una formación posterior en directo en uno de sus clásicos: Bailaré sobre su tumba.

Eskorbuto - Ratas de Vizcaya
Manolo Kabezabolo - Militares Subnormales


Extremoduro - Jesucristo García

Las Vulpess con una sólo canción, Me gusta ser una zorra, hicieron historia. Su aparición en la televisión pública supuso la desaparición del programa y el despido de su director, Carlos Tena.

Albert Plá - El lado más bestia de la vida

My Way : cada uno a su manera

En 1977 se publica el que se ha considerado uno de los discos fundacionales del punk,
Never Mind the Bollocks,
primer disco -único original- de los Sex Pistols. Por este motivo se está celebrando ahora en todo el mundo el 30 aniversario de la aparición del punk.

Un movimiento que nació para provocar, para protestar contra el poder establecido, contra la tradición, para canalizar la rabia y la frustración de toda una generación, pero duró poquísimo porque rápidamente fue absorbido y domesticado por el mismo sistema que combatían. Fue la época del "do it yourself" para una generación de raritos que no encajaban en ningún sitio, y que nos ha influído a todos los que queríamos ser o hacer las cosas "a nuestra manera".
A modo de aperitivo, un simbólico vídeo de Sid Vicious,
el mayor icono de la historia del punk.


Sid Vicious - My Way (el mejor cover de una canción de Sinatra)

Diálogo del Amargo de Lorca

El 18 de julio de 1936 significa para una de las españas la fecha de la traición del ejército contra la legalidad y la soberanía de un pueblo que había decidido romper con siglos de opresión. Este levantamiento militar puso fin a las libertades conquistadas durante la II República. Algo que quisiera recordar (no olvidar) mientras dure este viaje imposible. Y la muerte de Federico García Lorca al mes exacto de iniciarse la contienda, como símbolo del mayor genocidio (e innecesario) perpetrado nunca entre españoles.

(Una voz)
Amargo.
Las adelfas de mi patio.
Corazón de almendra amarga.
Amargo. (...)
(Ranas y grillos hacen la glorieta del estío andaluz. El Amargo camina con las manos en la cintura.)

Amargo:
Ay yayayay.
Yo le pregunté a la muerte.
Ay yayayay.

(...)

(El AMARGO está solo en medio de la carretera. Entorna sus grandes ojos verdes y se ciñe la chaqueta de pana alrededor del talle. Altas montañas le rodean. Su gran reloj de plata le suena oscuramente en el bolsillo a cada paso.)

(Un JINETE viene galopando por la carretera.)

Jinete: (Parando el caballo) ¡Buenas noches!
Amargo: A la paz de Dios.
Jinete: ¿Va usted a Granada?
Amargo: A Granada voy.
Jinete: Pues vamos juntos.
Amargo: Eso parece.
Jinete: ¿Por qué no monta en la grupa?
Amargo: Porque no me duelen los pies.
Jinete: Yo vengo de Málaga.
Amargo: Bueno.
Jinete: Allí están mis hermanos.
Amargo: (Displicente) ¿Cuántos?
Jinete: Son tres. Venden cuchillos. Ese es el negocio.
Amargo: De salud les sirva.
Jinete: De plata y de oro.
Amargo: Un cuchillo no tiene que ser más que cuchillo.
Jinete: Se equivoca.
Amargo: Gracias.
Jinete: Los cuchillos de oro se van solos al corazón. Los de plata cortan el cuello como una brizna de hierba.
Amargo: ¿No sirven para partir el pan?
Jinete: Los hombres parten el pan con las manos.
Amargo: ¡Es verdad!
(El caballo se inquieta.)
Jinete: ¡Caballo!
Amargo: Es la noche.
(El camino ondulante salomoniza la sombra del animal)
Jinete: ¿Quieres un cuchillo?
Amargo: No
Jinete: Mira que te lo regalo.
Amargo: Pero yo no lo acepto.
Jinete: No tendrás otra ocasión.
Amargo: ¿Quién sabe?
Jinete: Los otros cuchillos no sirven. Los otros cuchillos son blandos y se asustan de la sangre. Los que nosotros vendemos son fríos. ¿Entiendes? Entran buscando el sitio de más calor, y allí se paran.
(El Amargo se calla. Su mano derecha se le enfría como si agarrase un pedazo de oro.)
Jinete: ¡Qué hermoso cuchillo!
Amargo: ¿Vale mucho?
Jinete: Pero ¿no quieres éste?
(Saca un cuchillo de oro. La punta brilla como una llama de candil.)
Amargo: He dicho que no.
Jinete: ¡Muchacho, súbete conmigo!
Amargo: Todavía no estoy cansado.
(El caballo se vuelve a espantar.)
Jinete: (Tirando de las bridas) Pero ¡qué caballo este!
Amargo: Es lo oscuro.
(Pausa.)
Jinete: Como te iba diciendo, en Málaga están mis tres hermanos. ¡Qué manera de vender cuchillos! En la catedral compraron dos mil para adornar todos los altares y poner una corona a la torre. Muchos barcos escribieron en ellos sus nombres; los pescadores más humildes de la orilla del mar se alumbran de noche con el brillo que despiden sus hojas afiladas.
Amargo: ¡Es una hermosura!
Jinete: ¿Quién lo puede negar?
(La noche se espesa como un vino de cien años. La serpiente gorda del Sur abre sus ojos en la madrugada, y hay en los durmientes un deseo infinito de arrojarse por el balcón a la magia perversa del perfume y la lejanía.)
Amargo: Me parece que hemos perdido el camino.
Jinete: (Parando el caballo) ¿Sí?
Amargo: Con la conversación.
Jinete: ¿No son aquellas las luces de Granada?
Amargo: No sé.
Jinete: El mundo es muy grande.
Amargo: Como que está deshabitado.
Jinete: Tú lo estás diciendo.
Amargo: ¡Me da una desesperanza! ¡Ay yayayay!
Jinete: Porque llegas allí. ¿Qué haces?
Amargo: ¿Qué hago?
Jinete: Y si te estás en tu sitio, ¿para qué quieres estar?
Amargo: ¿Para qué?
Jinete: Yo monto este caballo y vendo cuchillos, pero si no lo hiciera, ¿qué pasaría?
Amargo: ¿Qué pasaría?
(Pausa.)
Jinete: Estamos llegando a Granada.
Amargo: ¿Es posible?
Jinete: Mira cómo relumbran los miradores.
Amargo: Si, ciertamente.
Jinete: Ahora no te negarás a montar conmigo.
Amargo: Espera un poco.
Jinete: ¡Vamos, sube! Sube de prisa. Es necesario llegar antes de que amanezca... Y toma este cuchillo. ¡Te lo regalo!
Amargo: ¡Ay yayayay!

(El JINETE ayuda al AMARGO. Los dos emprenden el camino de Granada. La sierra del fondo se cubre de cicutas y de ortigas)

CANCION DE LA MADRE DEL AMARGO
Texto completo.

7'35 de la mañana

Ahora que muchos blogueros se han ido ya de vacaciones a descansar me ha parecido el momento ideal para ir colgando algunos de mis cortos favoritos
ya lo hice el verano pasado con algunos de ellos:

-. El columpio. Alvaro Fernández-Armero, 1993.
-. Back Room. Guillem Morales, 1999.
-. Desire. Jorge Torregrosa, 1999. Ya no se puede ver en el YouTube pero os recomiendo que lo busquéis los que no lo hayáis visto. Con este corto Jorge Torregrosa ganó la primera edición de cortos de Versión Española. Este año ha vuelto a recibir el primer premio con Verano o los defectos de Andrés.

Este corto de Nacho Vigalondo fue nominado para los Oscar en el 2004. Una idea sencilla, pero original y divertida. Su currículum como guionista y cortometrajista es amplio: ahora Nacho Vigalondo está ultimando la post-producción de su esperadísimo primer largometraje Los cronocrímenes. Además tiene blog.

7'35 de la mañana (Nacho Vigalondo, 2003)

Bohemian Like You

The Dandy Warhols - Bohemian Like You

Thelma & Louise

Le pido disculpas, pero...
¿quiere poner las manos en el volante?
...Si utiliza la radio comprobará que nos buscan en dos estados, y que nos consideran armadas y peligrosas, al menos a mí, y entonces nuestro plan se iría al carajo.

Lo siento mucho, disculpe. Bájese del coche, por favor.
Le juro que hace tres días no habríamos hecho una cosa así. Pero, si conociera a mi marido, lo entendería.

Venga a la parte de atrás del coche, por favor.
Métase en el maletero, por favor.
-Por favor... Tengo mujer e hijos. Por favor.
¿Ah, sí? Pues está de suerte. Sea bueno con ellos. Sobre todo con su mujer. Mi marido no lo fue conmigo y mire cómo me he vuelto.

La película comienza con una imagen fija del Monument Valley en blanco y negro que poco a poco va tornándose en una imagen de colores luminosos y vivos para volver a terminar fundiendo en negro. Los títulos de crédito son sencillos pero cumplen su función de modo impecable: condensan en dos minutos la historia de estas dos mujeres que deciden pasar un plácido fin de semana pescando tranquilamente lejos de sus casas y parejas, y se tienen que enfrentar al viaje más importante de sus vidas.
Aunque realizada por un hombre, Ridley Scott, es una de las películas más representativas del cine considerado feminista. Muchas mujeres se identificaron con esta historia de amistad entre una ama de casa y una camarera, dos mujeres de vida convencional y aburrida que se convertirán en fugitivas de la Ley por rebelarse contra el orden social establecido (por los hombres) y plantar cara a la violencia sexual machista que se ejerce contra las mujeres. Thelma y Louise se resisten a ser consideradas por más tiempo meros objetos sexuales. Serán violentadas, robadas, engañadas, pero ya han decidido que no pueden volver hacia atrás en este viaje y siguen empeñadas en su huida hacia adelante, y el espectador con ellas.

Me resulta muy curioso las diversas opiniones incluso totalmente contrarias que existen sobre Thelma & Louise, muchas veces supravalorada por las mujeres, y casi siempre infravalorada por los hombres (aunque esto es una opinión). Todos los hombres del film cumplen los patrones clásicos del machismo más convencional, los hombres que están al lado de ellas son unos machistas egoístas, los hombres que se encuentran por el camino intentan robarlas o violentarlas, a excepción del inspector de policía, el único hombre bueno, sensible, aunque con un tufillo paternalista, que pretende tenderlas una mano (me encanta la escena en la que Harvey Keitel y sus hombres están viendo un antiguo melodrama en TV y no le permiten al marido ver baseball), pero no nos podemos engañar, quiere ayudarlas para devolverlas al mismo sistema heteropatriarcal del que ellas por fin acaban de liberarse.

Más curiosa y arriesgada es la lectura lésbica del film. Algunas lesbianas consideran que a esta amistad entre mujeres se le ha escamoteado la historia de amor entre ambas para prescindir de hablar de sexo, además teniendo en cuenta que Susan Sarandon ya era un icono para las lesbianas desde que rodara El ansia, curiosamente dirigida por Tony Scott, hermano pequeño de Ridley. Aunque la lectura pueda parecer disparatada, la evolución que experimenta Thelma (Geena Davis) es tan radical, de mujer sumisa a una revolucionaria total, que el relato podría haber progresado en esa dirección. Aunque la mayoría de los hombres heterosexuales afirmarían -y yo aventuro que también el propio director- que lo único que necesitaba Thelma era un buen polvo, y si es con un chulazo como Brad Pitt pues mucho mejor. En cualquier caso, continuando con una lectura queer, estamos casi 15 años antes de Brokeback Mountain, -seguía siendo tabú y, de hecho, aún no ha habido su versión femenina-, era pronto para que en un film comercial dos actrices de cine “made in hollywood” pudieran mostrar una relación homosexual sin tapujos. Y aunque el beso final puede -y seguramente debe- ser leído como un beso cómplice entre dos heroínas heterosexuales en una situación límite, me interesa más otras lecturas queer en las que sitúan este beso al borde del acantilado del Grand Canyon, al lado del precipicio, del vacío: el beso sólo es posible cuando ya han decidido inmolarse antes que entregarse a la policia (la protectora de ese orden heteropatriarcal), pero esto también quedará oculto en el final del film -al menos para los ojos- para la bienpensante y burguesa sociedad heteropatriarcal con falso final: un fundido en blanco.

Me hago estas reflexiones porque muchos gays también se identificaron con la historia de estas dos mujeres, y me gustaría saber lo gay que os parece esta película. Puede que la identificación venga por la transgresión del orden establecido, el intento de desafíar los valores predominantes del heteropatriarcado más rancio, pero esto puede ser algo universal, no sé, lo más gay a mí me sigue pareciendo el cuerpo de Brad Pitt.

...At the age of 37
she realised she'd never ride through Paris
in a sports car with the warm wind in her hair...

Mariane Faithfull – The Ballad of Lucy Jordan

Seguramente tod@s la habréis visto, pero si aún no habéis visto la película ignorad este vídeo. Aunque quería poner únicamente el fragmento donde aparece esta maravillosa canción de la Faithfull, sólo he encontrado este vídeo que incluye algunas escenas IMPORTANTES.

Marianne Faithfull

Con Marianne Faithfull doy por finalizado el recorrido por mis rockeras favoritas. Aunque su carrera ha sido un tanto irregular tanto en la música como en el cine, la vida de esta dama del pop -que ella misma se encargó de contar en 1994 en su autobiografía- es una de las más fascinantes de toda la historia del rock. Lo tuvo todo, se convirtió en una de las musas emblemáticas de la escena londinense de los 60, tenía un ángel especial, tocó el cielo para después bajar a los infiernos, y volver a resurgir de las cenizas cuál ave fenix para quedarse para siempre.
Marianne nació en el seno de una familia acomodada de Londres, su padre Gynn Faithfull, militar y profesor de filología, y su madre, la baronesa Eva Edisso, descendiente de Leopold von Sacher-Masoch, el autor austríaco de La Venus de las pieles (Venus in furs), de donde procede la palabra masoquismo (libro que también dio origen a la canción del mismo título de la Velvet ). Pasó su juventud en un convento, para pasar a ser sin transición alguna la groupie más famosa de los Rolling Stones; fue el productor de la banda, Andrew Oldham, quien la descubrió para el mundo en una fiesta cuando sólo tenía 17 años.
Su primer single, As tears go by, es una canción escrita expresamente para ella por Mick Jagger y Keith Richards en 1964, y que posteriormente los propios Stones grabarían.

Marianne Faithfull - As Tears Go By

Se divorció de John Dunbar tras un año de matrimonio al iniciar una relación amorosa con Mick Jagger. La groupie que se convirtió en estrella: Jagger no fue su única conquista sexual dentro del mundo del rock, entre ellos, los más conocidos son: Brian Jones, Keith Richards, David Bowie, Gene Pitney o Jimi Hendrix, entre las mujeres con quien se dice mantuvo romances se citan a Anita Pallenberg o Angie Bowie. Durante este período Marianne combinó varios discos de éxito folk y pop con el consumo de drogas y una vida desenfrenada. Estuvo involucrada junto a los Stones en varios escándalos por drogas que llevaron a Jagger, Keith Richards y Brian Jones a los tribunales. En 1970 iba a ser la co-protagonista junto a Mick Jagger del film Ned Kelly, pero estuvo al borde de la muerte por una sobredosis, aunque finalmente se publicó que había sido un intento de suicidio.

Marianne Faithfull como otros iconos de su generación es una auténtica superviviente, las drogas y el alcohol arruinaron su carrera y su vida, tocó fondo llegando a vivir como homeless en las calles de Londres, pero supo salir a flote, y tras una cura de desintoxicación retoma su carrera y regresa al primer plano de la actualidad con Broken English, que gozó de unas críticas excelentes. Su voz dulce e inocente se había transformado en una voz ronca y grave -tan característica de ella hoy en día-, que no sólo no le perjudicaría sino que se convertiría en su signo de identidad.

Marianne Faithfull - Broken English
(vídeo dirigido por Derk Jarman, 1979)

En 1967 Marianne Faithfull inicia su carrera como actriz: debutaría en el cine con Georgina, y al año siguiente rodó la más conocida La chica de la motocicleta junto a Alain Delon, también probó suerte en el teatro, junto a Glenda Jackson en Three Sisters, o el Hamlet dirigido por Tony Richardson junto a Anthony Hopkins.
Aunque irregular ha tenido una trayectoria prolongada como actriz. Sólo Deborah Harry, que os adelanto será la Gran Dama de la próxima entrega, cuenta con una filmografía tan interesante. La hemos podido ver en Intimacy de Patrice Chéreau, y más recientemente, en la película de Sofía Coppola como la reina Teresa, madre de María Antonieta, o en el corto de Gus Van Sant incluido en Paris, je t'aime.

Si queréis saber algo más de Lady Marianne, nuestro amigo Pe-jota le dedicó hace unos meses un magnífico post muy completo en su blog: Bajo el Signo de Libra.


Marianne Faithfull & Ismael Lö - Without Blame

A Cristina y Pe-jota, ...que sé que les gusta mucho

cine trans-género

Helmut Berger en La caída de los dioses, 1969

El trasvestismo, ya sea masculino o femenino, se ha utilizado como recurso cómico en la trama de algunas películas desde los mismos orígenes del cine. No es díficil encontrar hombres vestidos con ropa de mujer, y viceversa, con la idea de crear confusión entre roles sexuales: un recurso prestado del cabaret y el burlesque, con los que comparte la paradoja de transgredir los valores sociales, para crear hilaridad, y al mismo tiempo reordenar el orden social establecido y reforzar finalmente el status quo.
Charles Chaplin probablemente es el primero que utilizó este recurso, y lo utilizó en varias ocasiones. Desde Chaplin la mayoría de los cómicos del cine mudo, y también del sonoro, han recurrido al travestismo, entre ellos: Buster Keaton, Harpo Marx, Roscoe "Fatty" Arbuckle, Bob Hope, o Jerry Lewis. Más recientemente Robin Williams o Eddie Murphy.

Es singular el caso del cómico Julian Eltinge. Se especializó en la representación de personajes femeninos. Podemos considerarlo el primer transformista de la historia del cine. Imitó y parodió regularmente a mujeres en el teatro y en el cine entre 1917 y 1927. Fue una de las novias de Las siete ocasiones (una de las películas más fascinantes, y freudianas, de Buster Keaton).

Tootsie. Sydney Pollack, 1982

En las primeras décadas hubo una gran variedad de personajes travestidos con una libertad considerable en su tratamiento. Pero la aparición del cine sonoro y el moralista Código Hays hicieron que prácticamente desaparecieran este tipo de personajes, limitándolos al género de la comedia siempre que no representen "cualquier insinuación de perversión o sexualidad".
El primer actor "no cómico" que recuerdo trasvestido (seguramente habrá otros anteriores) es santo Cary Grant en La novia era él de Howard Hawks. En este caso de nuevo se trastocan los roles sexuales al presentar a un hombre travestido manejado por una mujer dominante obsesionada con el ejército. Pero de nuevo sin salirnos de la comedia. Los filmes de "roles invertidos" parecen rebelarse contra el orden social, militar o económico, pero se resuelve dentro de las convenciones sociales de la época y tienden a reforzar los prejuicios existentes. A este grupo pertenecerían los inolvidables Jack Lemmon y Tony Curtis en Con faldas y a lo loco. Y en los 80 Dustin Hoffmann en Tootsie interpreta a un actor en paro que tendrá que pasarse por mujer para conseguir trabajo y tener éxito.

Víctor o Victoria. Blake Edwards, 1982.

Y también podemos incluir en este mismo grupo a las mujeres que han tenido que disfrazarse y hacerse pasar por hombres: o bien para estudiar como Barbra Streissand en Yentl, o bien para poder cantar como Julie Andrews en Víctor o Victoria. No es tanto una cuestión de trasvestismo como que la sexualidad femenina quede oculta bajo el disfraz de hombre. Aunque en el cine hay menos mujeres que se hayan travestido como hombres, no quiero olvidarme de mencionar a las pioneras: Marlene Dietrich en Morocco y El ángel azul, Greta Garbo en Reina Cristina de Suecia, o Katherine Hepburn en La gran aventura de Sylvia.

P.Swayze, W.Snipes y J.Leguizamo de chicos duros a reinas del tacón

Me está quedando un post larguísimo y sólo he hablado de aquellos films donde aparecen personajes que se trans-visten para conseguir algo, esconderse de alguien, o simplemente como divertimento con la consiguiente confusión entre géneros y roles sexuales, pero donde aún no se quiere mostrar una opción sexual distinta o una identidad trans-género determinada.

¿Raquel Welch es un hombre?

La película más antigua que recuerdo en la que se aborde la transexualidad es Myra Breckinridge, basada en una novela de Gore Vidal y con un transexual bellísimo e imposible encarnado por Raquel Welch. Pensé en Anthony Perkins en Psicosis, pero definitivamente aquello es otra cosa. En el cine underground, como Trash de Paul Morrisey o en las primeras pelis de John Waters, empiezan a aparecer personajes trans-género, como las que hizo con Divine, alguien realmente transgresor que rompió tabúes de género y sexuales.
A partir de la década de los 70 cada vez son más frecuentes ejemplos en el cine comercial, pero habrá que esperar a los años 90 para que la transexualidad sea un tema que aparezca con normalidad. Patrick Swayze, Wesley Snipes y John Leguizamo en A Wong Foo, gracias por todo Julie Newmar, Quentin Crisp como la Reina Isabel I en Orlando, de Sally Potter, John Lone en M. Butterfly, Terence Stamp (Teorema), Hugo Weaving (V de Vendetta) y Guy Pearce (Memento) en Priscilla Reina del Desierto, Hilary Swank en Boys don't cry, o Felicity Huffmann en Transamérica.

-Películas esenciales y algunas debilidades-

1. Ma vie en rose. Alain Berliner, 1997.Una película que debería ser de visión obligatoria en los colegios. Es la Obra Maestra del género. La que muestra de manera más esclarecedora lo dañino de los prejuicios de una sociedad ante lo que teme o desconoce. Ludovico es el único que parece comprender que es una niña atrapada en un cuerpo de niño, que se trata de un error o una travesura de Dios. Una familia en principio tolerante que rápidamente irá sintiendo la transfobia de la sociedad, primero en la escuela, luego el rechazo en el vecindario. Una película sencilla, necesaria, y deliciosa.

2. La ley del deseo.
Pedro Almodóvar, 1987.
Un clásico del cine gay español, y por muchas razones, mi película favorita de Pedro Almodóvar. Se aborda la homosexualidad de manera explícita con una naturalidad inaudita para el cine español hasta ese momento. Y aprendimos que se podía ser transexual y homosexual al mismo tiempo: la primera vez que oí hablar de la homotransexualidad. Carmen Maura es Tina -en la mejor interpretación de su carrera-, un hombre que se cambia de sexo porque su padre se lo pide para poder mantener relaciones sexuales y que en la actualidad es lesbiana "porque los dos hombres más importantes de su vida, su padre y su director espiritual le han abandonado".

3. Divine, Harris Glenn Milstead, en las primeras películas de John Waters, hasta Hairspray.

* escena gore de Pink Flamingos
...y no es la escena de la caca de perro

4. The Crying Game.
Neil Jordan, 1993.
El transexual Jaye Davidson interpretaba a Dil, la novia transexual de un policía negro asesinado por un terrorista del IRA. Mucho mejor que la reciente Desayuno en Plutón, también del mismo director. Y con una canción ya mítica que luego popularizó Boy George: http://www.youtube.com/watch?v=xF59nPVCUsw

5. Trilogía de Nueva York.
Paul Bogart, 1988.
Es una adaptación de la obra de teatro de Harvey Fierstein, muy autobiográfica, escrita e interpretada por él mismo. Fierstein es otro actor que se hizo conocido por sus interpretaciones de drag en el off-off Broadway. Además, en 1983 adaptó para Broadway la historia de La Cage aux Folles (La jaula de las locas) y en el 2003 la adaptación teatral de Hairspray, recibiendo un Tony por el personaje que hiciera Divine en la película de John Waters. Además es columnista ocasional sobre cuestiones gays.

6. The Rocky Horror Picture Show. Jim Sharman, 1975.

Tim Curry en Rocky Horror Picture Show, 1975

La escena de Sweet Transvestite en Rocky Horror Picture Show, una de mis favoritas, con una jovencísima Susan Sarandon.

7. Las aventuras de Priscilla, Reina del Desierto.
Stephan Elliot, 1994.

I Will Survive. Priscilla y sus amigas ensayan su espectáculo en el desierto.

8. Johnny Depp en Before Night Falls (Antes que anochezca).
Julian Schnabel, 2000.

Bon-Bon, con doble vida como militar y como mulero (transporter) con gran capacidad anal. Siempre tan actractivo, tanto de chico como de drag. De cómo los gobiernos persiguen y reprimen cualquier expresión disidente con las ideas del poder: artística, cultural o sexual.
http://www.youtube.com/watch?v=LnPXrFI2r_I

9. Mi querida señorita.
Jaime de Armiñán, 1972.
Mucho antes que Boys don't cry, la transexualidad masculina durante el franquismo, con una interpretación sublime de José Luis López Vázquez. Aunque no se habla de transexualidad en ningún momento, se puede tratar de un caso de hermafroditismo o una malformación genética al nacer, pero lo que la película trata de poner en evidencia es que ante todo somos educación y siglos de cultura. Un señor que ha vivido y ha sido educado como mujer desde que nació y los consiguientes problemas que tiene al reasignarse el género, y tener que empezar a vivir como hombre (con roles que consideramos masculinos).

10. Hedwig and the Angry Inch.
John Cameron Mitchell, 2001.
Película de culto con multitud de fanáticos, entre los que me encuentro. También es una adaptación de un fenómeno teatral que los mismos John Cameron Mitchell y Stephen Trask pusieron en pie en el off-off Broadway. La historia te atrapa desde el comienzo, tanto en el teatro como en el cine mucha gente se ha identificado con la historia de este transexual de la Alemania oriental anclado en el glam-rock que quiere encontrar su otra mitad para acabar encontrándose a sí misma. Música punk grabada en directo mientras se rodaba (condición que consideraban necesaria) por el grupo de Hedwig, The Angry Inch, "La Pulgada Irritada" (en realidad, la banda de Stephen Trask), que hace referencia a lo que le queda a Hedwig entre las piernas después de una fallida operación de cambio de sexo. Las canciones del filme son maravillosas, las letras son esenciales en la trama del film, es el modo que tiene Hedwig para explicarse y explicarnos cómo ha llegado a ser quien es.
Me gustaría acabar este post con unas declaraciones de los artífices de Hedwig. Para Stephen Trask, autor de toda la música y de las letras, "la búsqueda de la otra mitad del propio yo, la búsqueda de aquello que le completa a uno, de la conformidad con uno mismo, la búsqueda de algo parecido a la paz interior o la aceptación del yo no es sólo una experiencia personal, es una experiencia universal. Es algo que puede llegar al corazón de cualquier persona, sea cual sea su sexo, raza, religión o entorno. Es algo que traspasa fronteras y barreras y que hasta puede tender puentes".
Para John Cameron Mitchell "todo lo que hace Hedwig tiene por objeto completarse a sí misma. Y creo que todos los personajes de su grupo también piensan que algo falta en sus vidas; una esposa, un amante, un dios, la realización musical. Todo el mundo busca algo, todo el mundo intenta completar su todo, Hedwig, por supuesto, pero también Tommy Gnosis, Phyllis, Yitzhak y los demás miembros del grupo. Es algo con lo que todos nos identificamos".

Wig in a box. Hedwig acierta con una peluca estilo Farrah Fawcett

* Web Oficial del film.
* The Origin Of Love. (vídeo y letra)
* Hedwig in a Box — Club de Fans Oficial de Hedwig