...en brazos de mi viejo navegador

...Y los problemas siguen. Visitaros y ver vuestros vídeos se ha convertido casi en un trabajo artesanal. Pero estoy en ello. No me moverán de aquí más. Aunque haya tenido que recurrir a un viejo amante que tenía olvidado en un rincón del escritorio. Sólo él me esperaba con los brazos abiertos para seguir navegando.

Blade Runner: la criatura y su creador

Blade Runner es una buena lección para cualquier cineasta. No hagas caso de aplausos o críticas. Limítate a seguir adelante.
Si tienes suerte, podrás hacer alguna obra importante que aguante el paso del tiempo.

Ridley Scott

Se acaba de estrenar la "definitiva" versión del director de Blade Runner por el 25 aniversario de su estreno. Creía que se trataba del mismo montaje de 1992 -The Director's Cut, que se hizo con motivo del décimo aniversario de la película-, que presentaba algunos cambios respecto a la original. Había leído que sólo habían sido algunos retoques digitales, pero al menos Ridley Scott ha vuelto a rodar algunos planos con Joanna Cassidy, según cuenta la actriz en su página web.
Después de su estreno en salas Warner Home Video ya ha anunciado que se venderá un "pack" de lujo, el maletín de Deckard de Blade Runner con 5 DVD que incluirán: la versión original, la versión extendida, the Director's Cut -la única que se comercializa actualmente en España-, y la versión final del 25 aniversario, además un unicornio en miniatura y otros artículos de merchandising.
Muchos ven en esto sólo una estrategia para seguir estirando la gallina de los huevos de oro. Para otros es la posibilidad de continuar el fascinante debate sobre si Reckard es un replicante o no. Es cierto que en su momento pasó sin pena ni gloria por la cartelera (se había estrenado E.T., El extraterrestre quince días antes), y fue el mercado del vídeo de alquiler el que convirtió a esta peli de culto para unos pocos en un clásico y en un negocio.

Blade Runner nos ofrece uno de los entornos ficticios visualmente más elaborados que se han creado nunca para una película;
cada plano está lleno a rebosar con
una obsesiva acumulación de detalles

Paul M. Sammon (*)

La película es tan rica en anécdotas como en los temas que aborda o las lecturas que se han hecho de ella a posteriori. Rodada en su totalidad en decorados, después imitadísimos, se utilizaron elementos de otras películas de ciencia ficción: entre los edificios de la ciudad están las naves espaciales de La Estrella Oscura y El Halcón Milenario de Stars Wars en vertical, la oficina está calcada de la de Encuentros en la tercera fase. Stanley Kubrick cedió algunas imágenes de El resplandor para los créditos finales de la primera versión. La película prácticamente transcurre de noche. La lluvia y una niebla constante caen sobre Los Angeles. El barrio de neones donde se desarrolla parte de la acción está inspirado en el barrio Shinjuku de Tokyo. Las referencias darían para otro post: Moebius, Hopper, el goticismo de H.R.Giger, con quien ya había trabajado en Alien, la arquitectura de Frank Lloyd Wright, el expresionismo alemán de Metrópolis de Fritz Lang. El concepto Blade Runner no pertenece a la novela, aparecía en otra del escritor William S. Burroughs. Es el paradigama del cyberpunk, la película embrionaria que dio origen a este estilo, sin embargo, irónicamente, nuestro protagonista Deckard tendrá que buscar un teléfono público durante una parte del film. Y estamos en 2019. Aunque también he descubierto que está en lo alto de las películas de la cultura Geek, en un momento que lo geek obviamente era un concepto inimaginable.

Una curiosidad y algo personal: Ridley Scott llevaba en el bolsillo una reproducción de Nighthawks de Edward Hopper para conseguir la fotografía y la luz de la película. También este cuadro de Hopper es mi salvapantallas y fuente de inspiración para este blog.
Ha sido una coincidencia. Que me encanta.

El guión se basa libremente en la novela del visionario Philip K. Dick ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, el primer guión de Scott -que estaba enfrascado con el de Dune- era muy diferente respecto a las versiones que conocemos. Blade Runner no es únicamente una película de ciencia ficción, también es un ejemplo del mejor cine negro y una gran historia de amor. Imposible abordar esta película en un único post, así que este es el primero de una serie que iré haciendo (probablemente) sobre los temas y mitos más importantes que plantea la película.

Dr. Tyrell: Me sorprende que no hayas venido antes.


Roy Batty: No es cosa fácil conocer a tu creador.


Dr.T.: ¿Y qué puedo hacer yo por ti?
R.B.: ¿Puede el creador reparar lo que ha hecho?
Dr.T.: ¿Te gustaría ser modificado?
R.B.: ... Pensaba en algo más radical.
Dr.T.: ¿Qué? ....¿Qué es lo que te preocupa?
R.B.: La muerte.
Dr.T.: ¿La muerte? Me temo que eso está fuera de mi jurisdicción, tú ....
R.B.: ¡Quiero vivir más ...cabrón. (**)
Dr.T.: La vida es así. Alterar el desarrollo de un sistema vital orgánico es fatal. Una secuencia codificada no puede revisarse.
R.B.: ¿Por qué no?
Dr.T.: Al segundo día de incubación, las células que han sufrido mutaciones...
(...)
...Pero todo esto es pura retórica.
Te hicimos lo más perfecto que supimos.
R.B.: Pero no para durar.
Dr.T.: La luz que brilla con el doble de intensidad dura la mitad del tiempo. Y tu has brillado mucho, Roy. Mírate.
Eres el hijo prodigo. Eres una obra de arte.
R.B.: He hecho cosas malas.
Dr.T.: Y también cosas extraordinarias. Goza de tu tiempo.
R.B.: No haré nada por lo que el dios de la biomecánica me impida la entrada en su cielo.


Roy Besa al Dr. Tyrell y lo mata introduciendo sus dedos en los ojos.


(*) Paul M. Sammon, cineasta y periodista especializado, fan fatal y gran conocedor de Blade Runner, fue testigo privilegiado del proceso de creación de esta obra maestra, que le obsesionó hasta el punto de dedicarse 15 años a escribir lo que es para muchos el libro definitivo sobre la película, Future Noir: The Making of Blade Runner.
(**) Un magnífico artículo encontrado en un blog sobre algunos errores de traducción respecto a la versión original.
La partida de ajedrez entre Roy y Tyrell reproduce los movimientos de una famosa partida de ajedrez de 1851 conocida como La inmortal.

Freddie Mercury

Freddie Mercury
(5.sept.1946 - 24.nov.1991)

Los 70

Freddie Mercury en 1970, después de algunos proyectos fallidos, crea Queen junto al guitarrista Brian May y el batería Roger Taylor. Querían hacer un grupo de rock al estilo de Led Zeppelin. La banda definitiva se completa con el bajista John Deacon. En 1971 sacan su primer disco con el mismo nombre. Aún no se hablaba del glam y Freddie ya pretendía unir sus dos grandes pasiones el rock y el teatro. Siempre dijo que las dos personas que más admiró en su vida fueron Jimmi Hendrix y Liza Minelli.

Los links enlazan con vídeos del YouTube:

Tras Queen I, llega el Queen II, y en 1975 con su tercer disco, Sheer Heart Attack, alcanzan su primer gran éxito en las listas británicas.
Killer Queen.- La historia de una chica bien que se prostituye por placer con el consiguiente escándalo entre los de su clase. Una gozada de canción. De mis favoritas.
Los dos siguientes álbumes llevarían títulos de películas de los Hermanos Marx. Groucho Marx, otro de sus ídolos, le envió un telegrama para felicitarle. A Night at the Opera, un ambicioso proyecto muy bien recibido tanto por el público como por la crítica. Bohemian Rhapsody se incluye siempre entre las mejores canciones de la historia, y la película que rodaron para acompañarla está considerada como una de las precursoras del concepto de videoclip.
Somebody to Love.- Otro de los grandes éxitos de Queen que aparece como primer single de A Day at the Races en 1976.

Fat Bottom Girls/ Bicycle Race.- Del álbum Jazz.
La una hace referencia a la otra. El vídeo de la segunda fue censurado en su momento, pero Freddie incorpora a las cicistas nudistas en sus conciertos.

Queen - Bohemian Rhapsody

Los 80

Es difícil elegir entre tanto y tan bueno. La década no podía empezar mejor para Freddie y sus chicos. The Game es uno de sus discos con mayor éxito, incluye las dos únicas canciones de Queen que llegaron al N1 en Estados Unidos: Another One Bites the Dust (que ya subí al blog), y Crazy Little Thing Called Love.- Una canción rockabilly que Freddie empezó a escribir en el cuarto de baño mientras intentaba emular a Elvis cantando.
Los años 80 además se caracterizaron: por proyectos individuales de la banda (Freddie publica su primer disco en solitario Mr. Bad Guy); por sus colaboraciones con otros artistas como Bowie (Under Pressure), Michael Jackson (aún siguen inéditas muchas de las grabaciones que hicieron juntos en esa época) o Montserrat Caballé, de la que se quedó prendado cuando la vio actuar, y no paró en su empeño hasta que hizo un disco con ella, Barcelona, segundo disco en solitario de su carrera y el más extraño; por sus incursiones en el cine Flash Gordon, Flash, A Kind of Magic para la banda sonora de Los inmortales. Y le cedería Love Kills a Giorgio Moroder para el atentado que perpetró con Metrópolis de Fritz Lang.
Love Kills.- Una grabación en directo mucho más rockera. La canción adquiere hoy una trascendencia que no tenía en su momento.

The Works no es un disco muy popular entre los más fanáticos de la banda. A mí me encanta.
Radio Ga Ga, I Want to Break Free, Is this the world that we created...?, o...
It's A Hard Life.- Siempre hay un hueco para la faceta travesti de la reina.

Después de que los cuatro grabaran discos en solitario y colaboraran con otros artistas Queen finaliza la década con The Miracle. Quieren mostrar una imagen de unidad en la banda: en la portada del disco salen fusionadas las caras de los cuatro, y cada canción esta firmada por el nombre de la banda, y no individualmente.
I Want It All.- Fue el tema que alcanzó más exito. Aunque firmado por Queen, era un tema compuesto por Brian May.

Freddie Mercury - Living On My Own

Los 90

Desde finales de los 80 los rumores sobre la enfermedad de Freddie persiguen a la banda. Los miembros de Queen se reúnen para grabar el que será él último albúm de la banda con Mercury vivo, Innuendo. Las letras de las canciones -él sabía que el final estaba próximo- suponen una despedida en toda regla, del grupo, de los fans, de la vida.
Innuendo.- Primer single que da título al álbum. Una canción peculiar que tiene mucho que ver con el estilo de Bohemian Rapsody. Es una de las canciones más largas de Queen, recoge todas sus influencias, desde la ópera hasta el heavy metal.
I'm Going Slightly Mad y These Are the Days of Our Lives son sus dos últimos vídeos. Tuvo que salir de su retiro para grabarlos. Ahora sí, era la despedida definitiva de Freddie de su público: hasta dos días antes de morir no se hizo público que tenía SIDA.
The Show Must Go On.- Se publica poco antes de morir. Y, con su desaparición, se convierte en todo un himno para sus fans, el mejor homenaje y el más emotivo. Porque es que el show iba a continuar...

Unos meses después el resto de la banda organiza el histórico Concierto Tributo del Estadio de Wembley. Pocas veces se han visto tantas estrellas del pop juntas en un mismo escenario. Este concierto benéfico es la primera contribución de Freddie Mercury a la lucha contra el SIDA. Se creó la Fundación Mercury Phoenix, a la que destinó gran parte de su fortuna, centrada en la investigación y el tratamiento de la enfermedad en todo el mundo.

We Are the Champions.- Apoteosis final del concierto, su adorada Liza Minelli con la mayoría de los participantes en el evento.

En 1995 se publica el disco póstumo Made In Heaven, el último disco de estudio de Queen con su formación original -Taylor y May siguen con nueva formación, y forrándose con el musical We Will Rock You, Deacon se retiró, no entendía continuar sin la voz de Freddie-. Había dejado bastante material grabado siendo consciente de su inminente final. Mucho de ese material sigue hoy en día inédito. Se reúnen para grabar ese material: once canciones de las que tres son temas nuevos grabados antes de morir, algunos temas ya grabados, y otros descartados como...
Too Much Love Will Kill You: se grabó en 1988 para The Miracle, pero finalmente no se incluyó por problemas de derechos. Brian May la interpretaría por primera vez en el Concierto Tributo a Freddie Mercury, y será el primer single de su siguiente disco. Además, se recupera la versión cantada por Freddie para este último disco.

Queen - Too Much Love Will Kill You

http://www.queenonline.com/
Artículo sobrecogedor sobre las últimas horas de Freddie Mercury
El Blog de Queen
The March of the Black Queen

Michael Hutchence

Hoy se cumplen 10 años de la desaparición de Michael Hutchence, líder de la banda australiana INXS. Siempre me recordó un poco a Jim Morrison, no tan guapo, pero más morboso, ...si cabe. En un primer momento, la versión policial y oficial de su muerte fue que había sido un suicidio. Unos días antes de empezar la gira del 20 aniversario de INXS, su cuerpo apareció desnudo ahorcado con un cinturón en la habitación de un hotel de Sydney. Pero hoy en día se tiene como la teoría más creíble, incluso su compañera Paula Yates lo confirmó en un programa de TV, que todo fue un triste accidente durante un juego sexual peligroso: hipoxifilia.

INXS - Suicide Blonde

A pesar del título, tan profético, la canción estaba dedicada a su novia de entonces Kylie Minogue. El tuvo bastante que ver con la metamorfosis de la australiana de niña cursi a futura diva del pop. Michael Hutchence solía decir que su hobby favorito era "corromper a Kylie". Y es que la vida privada del cantante de INXS fue siempre aireada por la prensa del corazón debido a sus relaciones amorosas con mujeres como la modelo Helena Christiansen o la cantante Belinda Carlisle. En el momento de morir tenía una relación con la presentadora Paula Yates, ex-mujer de Bob Geldof, a la que conoció en una entrevista de TV, y con quien tuvo una hija Tiger Lily, lo que se convirtió en un gran culebrón mediático.
La relación entre Hutchence y Bob Geldof era muy tensa desde que Paula abandonara a éste para irse a vivir con Michael, incluso discutieron por teléfono la noche anterior a que fuera encontrado muerto. Paula, que ya había tenido un intento de suicidio en 1998, murió de sobredosis en el año 2000. Entonces Geldof, que ya tenía la custodia de las tres hijas que tuvieron juntos, reclamó la custodia legal de Tiger Lily para que pudiera crecer junto a sus hermanas.
Lo último que se sabe es que Bob Geldof quiere adoptar a la niña, que tiene ahora 11 años, y darle sus apellidos, pero la familia de Michael se opone y le acusan de poner dificultades para verla.

Se está preparando, cómo no!, un biopic sobre el cantante de INXS: se rumoreaba con la cara de Johnny Depp, pero parece que finalmente se ha caído del reparto. Quizá porque en el guión ¡Michael es un fantasma que se aparece a su hija Tiger Lily!

INXS - Need You Tonight

Fernando Fernán-Gómez

Dios ha muerto. Al menos, para la mayoría de los actores y actrices españoles. Se ha ido uno de los más grandes. Actor, director, escritor. En el cine, en el teatro, en la literatura. Fue miembro de la Real Academia de la Lengua Española, Premio Príncipe de Asturias, 7 premios Goya. Aparte de Buñuel y Berlanga, sólo Fernando Fernán-Gómez animó el rancio cine español del franquismo. Aparte de interpretar 212 películas según imdb, de las que la mayoría consideraba puramente alimenticias, dirigió 30 películas, algunas de las más importantes de la Historia del cine español. Mis favoritas: La vida por delante, su continuación La vida alrededor, El viaje a ninguna parte, 7000 días juntos, y sobre todo, El mundo sigue y El extraño viaje.

El extraño viaje no tuvo problemas con la censura, en teoría, porque cuatro días después de su estreno sin ninguna publicidad fue retirada sin más explicación de la cartelera. Afortunadamente, alguien tuvo la feliz idea de recuperar la película en 1996 dentro de un ciclo que festejaba el centenario del cine español, y se ha podido ver fácilmente desde entonces tanto en TV como en pantalla grande. Es una de mis películas españolas favoritas. Un guión sorprendente, mezcla de géneros, unas interpretaciones geniales de Rafaela Aparicio y Jesús Franco, una divertidísima Mª Luisa Ponte, una poco conocida Tota Alba como un trasunto del ama de llaves de Rebecca y una escena de travestismo de Carlos Larrañaga impagable.

El extraño viaje, 1964

A bote pronto recuerdo... En los años 40, Vida en sombras, una atípica película para la década más triste del cine español, con su primera mujer Mª Dolores Pradera. En los 50 Balarrasa o El malvado Carabel. Con Analía Gadé, su segunda compañera importante y musa, Sólo para hombres, La vida por delante y La vida alrededor. La venganza de Don Mendo, El pícaro. En los 70 se enrolló con la gallina Caponata (Emma Cohen), con la que se casó en el año 2000. Fue la voz de Don Quijote en la mítica serie de dibujos animados.

Y también recuerdo El espíritu de la colmena, Ana y los lobos, Maravillas, Stico, La mitad del cielo, El viaje a ninguna parte, Belle Epoque o últimamente En la ciudad sin límites o Para que no me olvides. Y tantas otras... Una noticia inesperada, pero quería hacer un pequeño y rápido homenaje a uno de los nuestros.

La vida por delante, 1958
1ª parte de la misma escena.
El documental La Silla de Fernando, 2006. Su última larga entrevista.

Las maricas andaluzas

Diré cómo nacisteis, placeres prohibidos,
Como nace un deseo sobre torres de espanto,
Amenazadores barrotes, hiel descolorida,
Noche petrificada a fuerza de puños,
Ante todos, incluso el más rebelde,
Apto solamente en la vida sin muros.

Aleixandre, Cernuda y Lorca

La Generación del 27 es nuestra gran aportación a las vanguardias artísticas del siglo XX que recorrieron la Europa del período de entreguerras, años de revoluciones políticas y de la primera gran liberación sexual, una época creativa e idealista como nunca, nuevas ideas para un nuevo mundo que fueron frenadas en seco con la Guerra Civil y 40 años de franquismo.
Este fin de semana de manifestaciones y homenajes de los que recuerdan con nostalgia lo que algunos llaman 40 años de "extraordinaria placidez", quiero recordar sin embargo a los que vivieron 40 años en silencio, a los que callaron a la fuerza. Porque este grupo de artistas comprometidos, -...y Alberti, Hernández, Buñuel y tantos otros-, denunciaban la injusticia social y económica, porque fueron unos revolucionarios en la forma y en el fondo, y porque Lorca y Cernuda fueron nuestros primeros activistas radicales gay que, junto a Aleixandre, eran las maricas andaluzas, como les llamaban algunos de sus compañeros de generación.

Corazas infranqueables, lanzas o puñales,
Todo es bueno si deforma un cuerpo...
No sabía los límites impuestos...
Leyes hediondas, códigos, ratas de paisajes derruidos.
Extender entonces una mano
Es hallar una montaña que prohíbe,
Un bosque impenetrable que niega,
Un mar que traga adolescentes rebeldes.

La homofobia que tanto combatieron y sufrieron fue la que también acabó con ellos en cualquiera de sus formas: el asesinato, el exilio o el silencio. Lorca es fusilado nada más comenzar la Guerra Civil, Cernuda tiene que abandonar para siempre España exiliado, y Aleixandre no saldría del armario jamás.
Sólo nos queda el consuelo de pensar que, de alguna manera u otra, al final de sus vidas consiguieron burlar la homofobia. Lorca y Cernuda amaron y fueron amados, tuvieron relaciones que no les negaron. La muerte del primero y el exilio y desarraigo del segundo se han convertido en todo un símbolo. Y Aleixandre, el pobre, tuvo que ocultar toda su vida sus ideas de izquierdas y su sexualidad, pero al menos recibió el Nóbel de Literatura en 1977, que supuso el premio a toda una generación de librepensadores silenciados y machacados por el fascismo, por contar la verdad de la guerra y defender la República.

De otro lado vosotros, placeres prohibidos,
Bronce de orgullo, blasfemia que nada precipita,
Tendéis en una mano el misterio.
Sabor que ninguna amargura corrompe,
Cielos, cielos relampagueantes que aniquilan.
Abajo, estatuas anónimas,
Sombras de sombras, miseria, preceptos de niebla;
Una chispa de aquellos placeres
Brilla en la hora vengativa.
Su fulgor puede destruir vuestro mundo

Federico G. Lorca se va a Nueva York en 1929 tras un fracaso amoroso con el escultor Emilio Aladrén, que le abandona para casarse con una mujer. Para él escribió el Romance del Emplazado. Allí Lorca adoptaría una postura más radical, su poesía se abre a lo social: la gran metrópolis, la crisis económica del 29, los gitanos del Romancero son ahora los negros del Harlem. Si en Poeta en Nueva York, El público y La casa de Bernarda Alba -obras que nunca llegaría a ver publicadas- ya vemos está actitud combativa, en sus siguientes proyectos -que iban a llamarse La piedra oscura y La destrucción de Sodoma-, pretendía afrontar de plano el tema de la homofobia.

Luis Cernuda es el poeta sevillano obsesionado por el deseo, el amor y la soledad. Cernuda fue un Bécquer de izquierdas, militante en el Partido Comunista, y homosexual. Siempre fue muy sincero en su obra respecto a sus preferencias sexuales. Llegó en su tiempo más lejos que Lorca, aunque tuvo mucha menor repercusión (de hecho, era infravalorado por la vanguardia por romántico). Su segundo libro, Donde habite el olvido, es el fruto del fracaso de su relación con Serafín Fernández Ferro. Los placeres prohibidos es un libro de poemas recomendable para todo el mundo, importantísimo para el adolescente homosexual y la mejor cura contra la homofobia para el adolescente heterosexual.

Cernuda se exilió a Inglaterra en 1938, allí mantuvo una relación con el pintor Gregorio Prieto (también amigo de Lorca) de quien son los dibujos que podéis ver. En 1952, tras varios viajes fugaces, se instala definitivamente en México hasta su muerte en 1963. Siempre se avergonzó de la España franquista y el desapego era cada vez mayor, también fue criticado por esto. En México también tendría un amor correspondido: un enigmático Salvador que le inspiraría en gran medida sus Poemas para un cuerpo.

Vicente Aleixandre también era sevillano pero se fue pronto a estudiar a Madrid y se quedó para siempre. En 1927, tras una grave enfermedad, se encierra en su casa de la calle Velintonia con su hermana y vivió allí hasta su muerte en 1984. Para no ser acosado por el régimen tuvo que ocultar sus ideas y su homosexualidad. En un artículo encontrado en un blog se habla sobre esta casa de Velintonia, bastante deteriorada, que algunos proponen como museo del exilio interior. "El monumento a la memoria de quienes, durante la larga noche de la postguerra, supieron iluminar con el arte y la palabra la honda oscuridad de un país maltrecho". Allí leyó Lorca sus Sonetos del amor oscuro. Por allí pasaron Hernández, Cernuda, Guillén... casi todos. Aleixandre, además del Nóbel en 1977, obtuvo el Premio Nacional de Literatura en 1934 por La destrucción o el amor, y varias veces el Premio de la Crítica.

Luis Cernuda admiraba a Vicente Aleixandre: "el superrealismo francés obtiene con Aleixandre en España lo que no obtiene en su país de origen: un gran poeta", pero a menudo se burlaba de él porque llenaba sus poemas de referencias femeninas donde debían ser masculinas.

La admiración era mutua:

Si el hombre pudiera decir lo que ama,
si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
(...)
Tú justificas mi existencia:
si no te conozco, no he vivido;
si muero sin conocerte, no muero, porque no he vivido.
A estos versos de Cernuda, Aleixandre responde:
Si alguna vez pudieras
haberme dicho lo que no dijiste.
(...)
Si tu me hubieras dicho
Te conocí y he muerto.

Luis Cernuda -prácticamente ignorado en vida- es considerado hoy el poeta más influyente de su generación, y Los placeres prohibidos es un libro de referencia incluso para los poetas de la misma. Y así, es fácil encontrar relaciones entre los poemas de los unos y los otros.

No decía palabras,
acercaba tan sólo un cuerpo interrogante,
porque ignoraba que el deseo es una pregunta
cuya respuesta no existe.

En El moribundo Aleixandre responde a Cernuda

El decía palabras.
Quiero decir palabras, todavía palabras....

Y Lorca, en el Poema Doble del Lago Edén de Poeta en Nueva York:

No, no. Yo no pregunto, yo deseo.

ONE

U2 - One

El muro de Berlín

Antecedentes: 1945. Hitler pierde la Segunda Guerra Mundial. Los vencedores se reparten Alemania dividiéndola en cuatro partes, cada una bajo el control de uno de los aliados. En 1949, se inicia la guerra fría. Los territorios ocupados por Gran Bretaña, Francia y EE.UU. pasaron a llamarse la República Federal Alemana. A la parte del Este, ocupada por las fuerzas de la Unión Soviética, se le llamó la República Democrática Alemana.

También Berlín fue dividida en cuatro sectores al finalizar la guerra. Los sectores estadounidense, británico y francés acordaron formar Berlín Occidental, y los soviéticos convirtieron a Berlín Oriental en la capital de la RDA. Una división psicológica que se tornaría física en 1961.

Una mañana del 13 de agosto de 1961, los habitantes de Berlín se despertaron rodeados por una gran alambrada de púas que dividía la parte oriental de la ciudad de la parte occidental. Esta alambrada rápidamente fue sustituída por un gran muro de 4 mts de alto y 166 kms de largo, construído con nocturnidad y alevosía, que separó a la ciudad durante 28 años en dos partes.
El Muro de Berlín fue una barrera infranqueable: separó amigos, familias, y a todo un país. Y, psicológicamente, a Europa en dos, división que me temo sigue intacta. No hay datos demasiado fiables de los que trataron de atravesar al otro lado del muro, ni de los que perdieron su vida en el intento.

Una vez que Hungría concede permiso a los alemanes orientales para pasar por su país, así atravesar Austria y llegar a la RFA., el muro de Berlín deja de tener sentido. Y un día como hoy de 1989, el 9 de Noviembre, a las 7 de la tarde, el líder del Partido Comunista del Berlín Oriental, Gunter Schabowski anunció que no habría más restricciones para "viajar al extranjero". Pero berlineses de ambos lados salieron a la calle y, en tres horas consiguieron que se abrieran las barreras; y en uno de los momentos históricos más emocionantes que he vivido, comenzaron a demoler el muro, sin ninguna resistencia, ni gobierno ni ejército.

Alemanes ayudaban a otros alemanes a pasar al otro lado. Aunque como decían Alfredo y Pon en otro post anterior, parece increíble, pero las cosas no son necesariamente mejor ahora. Existen creo aún muchas barreras psicológicas que derribar. El 1 de Julio de 1990, después de 29 años, la Alemania Oriental y la Occidental se volvían a unir con el nombre de República Federal Alemana.

The Wall

The Wall es un doble álbum de la banda inglesa Pink Floyd, grabado en 1979, que se convirtió inmediatamente en uno de los grandes clásicos de la Historia del Rock. Y uno de los más importantes en mi biodiscografía. El álbum, 23 veces disco de platino, es el disco más vendido de los años 70 y el tercero de todos los tiempos. Como otros grandes discos de la misma época, es un disco conceptual: es decir, la historia se va desarrollando a través de un argumento que van construyendo las canciones.
A los dos años de la publicación del disco se estrenó el film Pink Floyd: The Wall dirigido por Alan Parker. Otro pequeño acontecimiento personal. Para algunos la película tan sólo pone en imágenes un mal viaje por drogas: la doble alucinación megalómana de una estrella del rock que se imagina a sí mismo convertido en un dictador fascista. Pero la historia de Pink es mucho más: es la re-construcción de su biografía mezclando hechos reales con sueños, fantasías o alucinaciones, y con todos los traumas que arrastra desde la más tierna infancia, y que le han llevado hasta allí. Podría ser la historia de cualquiera de nosotros desplazándonos siempre entre la realidad y el deseo: nuestros sueños y deseos más íntimos se dan de bruces constantemente con el muro de la realidad.

Este post imagino que aunará disco y película: aunque el álbum me encanta, la película me influyó muchísimo, tanto que hoy me resulta imposible verlas separadas como obras independientes.

Díganme, ¿hay algo que los moleste?
¿No es ésto lo que esperaban ver?
Si quieren encontrar qué hay detrás de esta fría mirada,
tendrán que rasgar éste disfraz.
¡Luces..., Cámara..., Acción!

...y empieza el espectáculo, el relato, la representación:

Pink Floyd - Another Brick In The Wall

Las poéticas letras de las canciones, la mayoría escritas por Roger Waters, utilizan un lenguaje simbólico y ambiguo, que al mismo tiempo, hace fácil y difícil encontrar los distintos significados de la metáfora de El Muro.

La idea embrionaria que dio origen a este proyecto fue una fantasía de Waters de querer construir un muro entre el escenario y el público: detestaba la actitud alienada de algunos fans con las estrellas del rock. A esta primera idea del concepto de muro se le fueron añadiendo otros "ladrillos", que nos construyen (...o nos destruyen): el primer ladrillo es la familia, la pérdida del padre durante la Segunda Guerra Mundial -la guerra, otro ladrillo más- que se contrapone a una excesiva protección materna; la autoridad; la violencia en la escuela, la violencia policial, la violencia social. El muro es todo aquello que nos vamos encontrando en nuestras vidas, lo que nos reprime e impide llegar a ser verdaderamente nosotros, llegar a ser.
Por otra parte, el dolor por la pérdida, el sentimiento de culpabilidad, el miedo (a la enfermedad, a la muerte...) son los ladrillos de un muro simbólico que Pink construye con el fin de aislarse de la sociedad, para protegerse del mundo, de los otros, pero que le va conduciendo hacia la autodestrucción, hasta llegar a rozar la locura o la muerte.

El lenguaje utilizado es ambiguo decididamente: Blue Baby, Blue Sky. Blue como azul, blue como triste, como inocente. Hasta el mismo We don't need no education, tiene una doble lectura: dos negaciones son una afirmación, precisamente lo que necesitamos es educación, lo que necesitamos son profesores que nos enseñen a pensar; no necesitamos aquella no educación, en la que prima una severa e inútil disciplina en favor del intelecto y la creatividad. Una disciplina basado en el premio/castigo: "Si no comes la carne no tendrás pastel", que nos forma como sujetos obedientes y sumisos al sistema; en definitiva, una educación que nos convierte a nosotros mismos en ladrillos de "ese muro", todos iguales, uniformes, sin diferencia el uno del otro, con esas extrañas máscaras que nos igualan con el resto de la multitud, con la masa. La masificación del pensamiento y del individuo.

Así que pensaste
que te gustaría venir al show.
Sentir la cálida emoción de la confusión.
Ese pariente lejano del ardor.
Tengo malas noticias para ti, querida.
Pink no se sentía bien, y se volvió al hotel.
Y nos enviaron a nosotros como banda suplente.
Y nosotros vamos a averiguar de qué lado estáis realmente.
¡¿Hay maricones entre el público esta noche?! ¡Ponedlos contra el muro!
Ese de ahí bajo el reflector, no me mira nada bien. ¡Ponedlo contra el muro!
Aquél parece judío. Y ese es un negro. ¡¿Quién dejó entrar a esta chusma en la sala?!
Ese de ahí está fumando un porro. Y ese otro tiene pecas.
¡Sí de mí dependiera, os mandaría fusilar a todos!

vídeo: In the Flesh

Is There Anybody In There?

Pink Floyd - Comfortably Numb
La escena original (con subtítulos en castellano) tenía peor calidad.

Pink puede poseer cualquier cosa material, su status de superestrella del rock le permite tener tanta riqueza, poder, sexo y drogas como desee, pero la situación le desborda, escapa a su control. Se da cuenta de que todo esto no significa nada, no es importante. El, que podría tenerlo todo, fracasa en su relación y vuelve a sentirse solo y confuso: no, por perder su objeto de deseo, sino por el hecho de dejar de ser objeto de deseo del otro. Lo que le vuelve a hacerse sentir, como en la infancia, desprotegido y abandonado.

En su delirio lo mismo es un dictador totalitario y sádico que hace una regresión la infancia. Pink no es el mismo niño que fue, pero no han cambiado los deseos con los años, son iguales sus miedos. Desde la escuela sabe bien que no hay placer sin dolor, y si lo hay, hay culpa y necesidad de castigo.

Pink Floyd - What Shall We Do Now

He intentado explicar los elementos más simbólicos, como los ladrillos o las máscaras. Recuerdo otros: los martillos, los gusanos... The Wall, tanto por las letras de las canciones como las imágenes que Alan Parker creó para ellas, tiene todos los elementos necesarios para una interpretación que haría las delicias de los amantes de lecturas psicoanalíticas. Lo tiene todo: la persistencia de un Edipo sin resolver, la ausencia del padre y una madre sobreprotectora, la idea de un amor puro hasta que aparece el tabú como ley cultural, la prohibición del incesto, y con ello, la sensación de rechazo y abandono. Un trasfondo edípico que se repetirá de nuevo en su fracaso matrimonial. Además, todo esto subrayado por las escenas de animación de Gerald Scarfe.
En esta canción se pone el acento en nuestra decadencia moral y social, y lo poco que nos importa. Estamos obsesionados con un materialismo compulsivo (y sin límites, que no calma nuestra angustia existencial), que tan sólo sirve para construir muros -de incomunicación- entre nosotros y los demás. La canción termina: "But never relax at all, With our backs to the wall": nunca nos relajamos del todo, en vez de buscar una salida, nos encerramos para aislarnos de los demás, incluso de nosotros mismos, con nuestra espalda contra la pared.

Otras de las canciones que me encantan:
Goodbye blue sky.- con otra fantástica animación de Scarfe.
Hey You.- una de mis canciones favoritas del disco y que no aparecía en el film.
Este vídeo se incluye en los extras del DVD oficial de la película.
Nobody Home.- otro baladón indispensable.

Shitdisco / New Young Pony Club

Shitdisco - I Know Kung Fu
http://www.myspace.com/shitdisco
Shitdisco - Ok


New Young Pony Club - Icecream
http://www.myspace.com/newyoungponyclub
New Young Pony Club - The Bomb

He de hablar de los muertos...

Tengo que hablar de los muertos, así que debo bajar la voz. Algunos están completamente muertos para mí; otros sobreviven en mis gestos, en la forma de mi cráneo, en mi manera de fumar, de hacer el amor, de alimentarme: como y bebo ciertas cosas por encargo de ellos. Son numerosos. Uno pasa muchos años sintiéndose solo entre la gente hasta que un día se encuentra con sus muertos, nota su presencia discreta pero constante. No alborotan demasiado...

La “personalidad”, lo poco que tú mismo te añades, es una nimiedad en comparación con la herencia que los muertos te dejan. Personas que ni siquiera he llegado a conocer sobreviven en mí: se ponen nerviosas, escriben novelas, albergan deseos y luchan contra sus miedos en mí...

A ellos se lo debo todo, y me ha costado mucho olvidar y aniquilar en mí esa herencia. Quizá no lo haya logrado completamente.

Sándor Márai, Confesiones de un Burgués