Nouvelle Vague

De izquierda a derecha, y de abajo a arriba: François Truffaut,
Raymond Vogel, Luis Felix, Edmond Séchan; Edouard Molinaro,
Jacques Baratier, Jean Valére; François Reichenbach, Robert Hossein, Jean-Daniel Pollet, Roger Vadim, Marcel Camus; Claude Chabrol, Jacques Doniol-Valcroze, Jean-Luc Godard y Jacques Rozier.

Se cumplen 50 años de esta histórica fotografía, en el Palais del Festival de Cannes, que supuso el bautismo oficial de la influyente Nouvelle Vague francesa. Desconozco algunos de los nombres, y faltan muchos importantes. Otros, como Marcel Camus, ganador de la Palma de Oro, no debería incluirse entre este grupo de cineastas. Orfeo Negro, que también ganó aquel año el Oscar a la mejor película extranjera, ha envejecido mucho peor que Los cuatrocientos golpes de François Truffaut, o la impactante Hiroshima mon amour, de Alain Resnais. En la edición de Cannes'59 competían también Luis Buñuel, con Nazarín, y Jack Clayton, George Stevens, Michael Powell o Richard Fleischer.

«El nacimiento de una nueva vanguardia:
la cámara pluma»

Alexandre Astruc, 1948

Pero la nueva ola francesa no surge de repente en el año 59, es el resultado de un largo proceso que se inicia en la inmediata posguerra cuando aparecen los primeros síntomas de descontento: el cine francés de la época calcaba los métodos de producción de Hollywood, las películas debían de ajustarse a fórmulas que habían funcionado ya con éxito; frente a esto, los grandes realizadores, como Renoir, Welles o Bresson, utilizaban la cámara como un escritor su pluma. Estas ideas se desarrollan después en un artículo de Andre Bazin, fundador de la revista Cahiers du Cinéma. Además, el desarrollo tecnológico hacía posible todo esto: los equipos cinematográficos son mucho más ligeros y fáciles de manejar, la cámara se puede llevar al hombro, lo que permitía el rodaje en exteriores. Hoy es difícil entender el enorme paso que se dio entonces en la evolución del lenguaje cinematográfico, y su influencia en todo el cine posterior. Supieron aprovechar las novedades técnicas para romper con la narrativa dickensgriffithiana tradicional: los movimientos de cámara, saltos de raccord en el montaje, interpelaciones directas al espectador... a su manera, cada uno reflejaba sus preocupaciones estéticas con el objetivo de seguir avanzando en las posibilidades del cine, con la intención de abordar cuestiones metafísicas o psicológicas, como se había hecho antes en la literatura.
La génesis de la Nouvelle Vague está precisamente en Cahiers du Cinéma, creada por André Bazin en 1951, donde nace la teoría de "cine de autor": un auténtico cineasta debía saber transformar materiales ajenos en suyos, e introducir su propia visión del mundo en los personajes y las situaciones que se presentan. Estas ideas serían desarrolladas después por los jóvenes críticos de la revista, como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol, Eric Rohmer y Jacques Rivette, los jóvenes turcos, llamados así por los palos que dieron al cine francés de qualité de la época. Sin embargo, a través de sesudos análisis de sus obras, contribuyeron a elevar a categoría de autor a Hitchcock, Ford, Tourneur o Hawks, considerados hasta entonces como simples artesanos al servicio de la industria hollywoodiense. A partir de este momento, las películas dejan de ser del productor y del estudio; y el Director se convierte en la estrella.

“El rostro del cine francés ha cambiado”

Jean-Luc Godard, 22 de abril de 1959

Y en 1959, todos ellos dan el paso a la realización. El bello Sergio de Claude Chabrol tiene el honor de ser considerado el primer film adscrito al movimiento. Durante aquel año, todos los nuevos filmes distribuidos en Francia aparecen ya bajo la bandera de la Nouvelle Vague: Los cuatrocientos golpes de François Truffaut, y Hiroshima mi amor de Alain Resnais -que después se distanciaría de ellos, el único que no escribió en Cahiers-, llegan a Cannes con esa etiqueta. Jean-Luc Godard rodaba en esos momentos Al final de la escapada. Son también del mismo año los primeros largometrajes de Eric Rohmer, El signo del león, y de Jacques Rivette, París nos pertenece. Y Pierre Kast, o Jacques Doniol-Valcroze, todos procedentes de la crítica cinematográfica.
Existen otros cineastas que no vienen de la revista Cahiers -algunos proceden del documental-, pero comparten los mismos valores, como Agnès Varda, Jacques Demy, Jean Rouch, Georges Franju, Jacques Rozier, o Claude Berri. Hay que tener también en cuenta a Louis Malle, Roger Vadim, Maurice Pialat, incluso Jacques Tati, que nunca se integraron en el movimiento, pero lo enriquecieron y contribuyeron a su expansión.
Esta explosión de creatividad no se hubiera producido sin la creación de las ayudas públicas, un anticipo sobre taquilla, que facilitó la producción de un centenar de largometrajes entre 1958 y 1962 de directores noveles.

Los cuatrocientos golpes

No es difícil imaginar a François Truffaut detrás de la mirada de Antoine Doinel, el chico protagonista de Los cuatrocientos golpes: como la suya, tuvo una infancia difícil, solitaria, sin padre, rechazado por la madre, fugas del colegio para colarse en salas de cine, reformatorios... A los 15 años fundó su propio cine-club, y al poco tiempo conoció a Andre Bazin, su mentor y padre espiritual, a quien está dedicada la película: gracias a él empezó a escribir muy joven en Cahiers, llegando a ser conocido como el enfant terrible de la crítica francesa. Con su primera película intenta poner en práctica el concepto de "autor" que había defendido en su etapa de crítico: el director debía de identificarse con el mundo que quería plasmar, y aquí la identificación no puede ser más completa, su propia infancia y memoria. Conforme a su propia teoría, un cineasta se expresa en toda su plenitud en los tres primeros films, luego se limita a reelaborar los mismos temas una y otra vez hasta el infinito. En su ópera prima y las dos siguientes, Disparad al pianista y Jules y Jim, están todas sus obsesiones: la infancia salvaje, las mujeres de al lado, el amante del amor, la soledad y la fugacidad de la felicidad.

Truffaut encontró a Jean-Pierre Léaud, un joven problemático como él, lo convirtió en Antoine Doinel, su propio alter-ego: Truffaut/Doinel/Léaud hicieron una serie de filmes que supone la trayectoria cinematográfica más fascinante de un mismo personaje a través de la obra de
un director: el amor y el sexo en El amor a los 20 años, y Besos Robados, el matrimonio en Domicilio conyugal, y el divorcio en El amor en fuga. "Antoine Doinel es todavía el mismo personaje, bastante cerca de mí sin ser yo, bastante cerca de Jean-Pierre Léaud sin ser él. El personaje de ficción Antoine Doinel es, pues, una mezcla de dos personajes reales, François Truffaut y Jean-Pierre Léaud".

Al final de la escapada

«incluso antes de estrenar su primer largometraje Godard estaba sentando las bases del cine moderno»

Esteve Riambau

Jean-Luc Godard (como Truffaut, que fue co-guionista) devoraba cine americano. Como buenos cinéfilos, muchos de ellos recurrieron al cine de género en sus primeras películas. Al final de la escapada, se inscribe dentro del cine negro, su favorito, pero aplicando los principios del cine de autor. No es frecuente que un movimiento de vanguardia acepte las exigencias comerciales de la industria cinematográfica, también fueron originales en esto, pero no por ello estaban dispuestos a rechazar la idea de autor que proponían.
La estructura está dividida en tres partes bien diferenciadas: un principio que respeta fielmente las reglas del género, una parte central para la reflexión -entre la acción y la violencia- con largas conversaciones entre Belmondo y Seberg, y una parte final trepidante con un poco de las dos cosas. Por un lado, homenajea al policíaco y el cine de gángsters de serie B, pero al mismo tiempo quiere ser una deconstrucción crítica de los mecanismos de esas películas, por lo que tiene ese tono paródico.

"Yo quería tomar una historia convencional y rodarla de manera completamente distinta a cómo se había hecho antes. Quería dar la sensación de que las técnicas cinematográficas se acababan de descubrir". "Pensaba en términos puramente cinematográficos. Para algunos planos me inspiré en las películas de Preminger, Cukor, etc... Y el personaje interpretado por Jean Seberg es una continuación de su papel en Buenos días, tristeza".
"A los actores apenas les indicaba detalles, ya que quería extraer de ellos sólo los gestos y movimientos esenciales. En realidad, la película es un documental sobre Jean Seberg y Jean Paul Belmondo". Belmondo es un espejo deformado de los personajes de Humphrey Bogart (le imita en varias ocasiones): Michel Poiccard es una especie de negativo del mítico Bogart, como si Philip Marlowe se hubiera pasado al otro lado de la Ley.

Los directores de la Nouvelle Vague sacudieron el cine francés de moho y paja con films muy personales, poblados de citas cinéfilas y referencias culturales: Howard Hawks, Nicholas Ray, Samuel Fuller; Jean-Pierre Melville es elegido para interpretar a un famoso escritor. Pero, ninguna película con tan clara voluntad de modernidad como ésta, el de experimentar para destruir las convenciones del lenguaje cinematográfico pre-fijado. Godard, y los miembros más radicales del grupo, incluyen en todas sus películas una crítica al pasado y presente del cine: rechazaban todo lo que había de inútil y obsoleto en la Historia del Cine, mantenían lo que les seguía pareciendo muy válido, e intentaban abrir nuevas vías para investigar otras posibilidades.

Hiroshima mon amour

Además del cine de autor, en esta década surgen otros conceptos como el cine de arte y ensayo o el contra-cine. Godard y Rivette fueron evolucionando hacia ello, pero un lugar destacado merecería Alain Resnais quien, después de diez años realizando cortometrajes, lleva hasta el extremo la idea del cine como arte del tiempo y el espacio, en películas como El año pasado en Marienbad
o Hiroshima mon amour:
http://unviajeimposible/2007/08/hiroshima-mon-amour
Aparecen otros realizadores, que también llevaron hasta el límite la experimentación cinematográfica: Crónica de Anna Magdalena Bach, del matrimonio Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, una biografía de J.S.Bach cuya protagonista es su propia música, como materia estética, no como puntuación ni como acompañamiento; la Lola de Jacques Demy, preciosa Anouk Aimée; la innovación formal de Chris Marker, en La Jetée, una paranoia futurista de 29 minutos contada casi en su totalidad con foto fijas, que el propio Marker llamaba «fotonovela»; Jean Rouch que profundizó en las posibilidades del documental; y más... Alain Robbe-Grillet, Jean-Pierre Mocky, Alain Cavalier.

Nacimiento de una nueva vanguardia:
la «Caméra-Stylo», Alexander Astruc, 1948.
http://www.cahiersducinema.com/

Mario Benedetti

Mario Benedetti
(14.sept.1920 - 17.may.2009)

"Quién me iba a decir que el destino era esto"

El verbo

En el principio era el verbo
y el verbo no era dios
eran las palabras
frágiles transparentes y putas
cada una venía con su estuche
con su legado de desidia
era posible mirarlas al trasluz
o volverlas cabeza abajo
interrogarlas en calma o en francés
ellas respondían con guiños cómplices y corruptos
qué suerte unos pocos estábamos en la pomada
éramos el resumen la quintaesencia el zumo
ellas las contraseñas nos valseaban el orgasmo
abanicaban nuestra modesta vanidad
mientras el pueblo ese desconocido
con calvaria tristeza decía no entendernos
no saber de qué hablábamos ni de qué callábamos
hasta nuestros silencios le resultaban complicados
porque también integraban la partitura excelsa
ellas las palabras se ubicaban y reubicaban
eran nuestra vanguardia y cuando alguna caía
acribillada por la moda o el sentido común
las otras se juntaban solidarias y espléndidas
cada derrota las ponía radiantes
porque como sostienen los latinoamericanos del boul mich
la gran literatura sólo se produce en la infelicidad
y solidarias y espléndidas parían
adjetivos y gerundios
preposiciones y delirios
con los cuales decorar el retortijón existencial
y convertirlo en oda o nouvelle o manifiesto
las revoluciones frustradas tienen eso de bueno
provocan angustias de un gran nivel artístico
en tanto las triunfantes apenas si alcanzan
logros tan prosaicos como la justicia social

en el después será el verbo
y el verbo tampoco será dios
tan sólo el grito de varios millones de gargantas
capaces de reír y llorar como hombres nuevos y mujeres nuevas

y las palabras putas y frágiles
se volverán sólidas y artesanas
y acaso ganen su derecho a ser sembradas
a ser regadas por los hechos y las lluvias
a abrirse en árboles y frutos
a ser por fin alimento y trofeo
de un pueblo ya maduro por la revolución y la inocencia.
Letras de emergencia.

Seguro que muchos tendréis algún poema de Mario Benedetti
guardado en la memoria.

¿Qué pasaría?

¿Qué pasaría si un día
despertamos dándonos
cuenta de que somos mayoría?

¿Qué pasaría si de pronto
una injusticia, sólo una,
es repudiada por todos,
todos los que somos, todos,
no unos, no algunos, sino todos?

¿Qué pasaría si en vez de
seguir divididos nos
multiplicamos, nos sumamos
y restamos al enemigo que
interrumpe nuestro paso?

¿Qué pasaría si nos
organizáramos y al mismo
tiempo enfrentáramos
sin armas, en silencio,
en multitudes, en millones de
miradas la cara de los
opresores, sin vivas,
sin aplausos, sin sonrisas,
sin palmadas en los hombros,
sin cánticos partidistas,
sin cánticos?

¿Qué pasaría si yo pidiese
por ti que estás tan lejos,
y tú por mí que estoy tan lejos, y ambos por
los otros que están muy
lejos y los otros por
nosotros aunque estemos lejos?

¿Qué pasaría si el grito
de un continente fuese
el grito de todos los continentes?

¿Qué pasaría si pusiésemos
el cuerpo en vez de lamentarnos?

¿Qué pasaría si rompemos
las fronteras y avanzamos
y avanzamos y avanzamos
y avanzamos?

¿Qué pasaría si quemamos
todas las banderas para
tener sólo una, la nuestra,
la de todos, o mejor
ninguna porque no
la necesitamos?

¿Qué pasaría si de pronto
dejamos de ser patriotas para
ser humanos?

No sé... me pregunto yo:
¿Qué pasaría...?

Euro-Divas

Un año más acudimos sin falta a nuestra ineludible cita con el Festival de Eurovisión. (Casi casi que he estado a punto de hacer una entrada sobre fútbol... Menos mal). Después de haber hecho un exhaustivo recorrido por el aspecto más marica y friki del festival:
http://unviajeimposible/2007/05/Eurovision is So Gay
(A falta de alguna sorpresa, no tengo aún ni idea, Sakis Rouvas parece que va a ser la única gran esperanza).
Y el año pasado su lado más político:
http://unviajeimposible/2008/05/Del La,la,la al Chiki-Chiki
(Georgia, que no quería participar al celebrarse en Moscú, al final decidió presentarse con We don't wanna PUT-IN, pero el mismo Putin ofendidísimo se ha encargado de vetar la canción y expulsar al grupo georgiano del Festival). Pero como aperitivo kitsch, la primera semi-final se abrió con el mismísimo Ejército Rojo haciendo coros (mentira, to'playback) a las t.A.T.u..

t.A.T.u. - Not Gonna Get Us

Eurovisión'2009 en Moscú parece que se nos presenta como una guerra de divas. Al menos, parece que los eurofans más petardos no berrean -...que sólo es un programa de TV-. Después de las críticas recibidas durante los últimos años, el intercambio de votos entre países bálticos y ex-soviéticos, y el incremento de actuaciones paródicas y frikismos varios, este año regresará el antiguo sistema del jurado con el objetivo de recuperar el "concurso de canciones": el resultado dependerá en un 50% del jurado, el 50% restante será a través del televoto. Esto ni asegura mayor calidad, ni mayor diversión, casi que todo lo contrario... Recordemos a los finlandeses Lordi, la propuesta más original de los últimos años y, hasta la fecha, la mayor puntuación obtenida por un ganador, que consiguió ser un revulsivo para el agónico festival en la vieja Europa.

Este año Eurovisión tiene el privilegio de contar con dos estrellas internacionales, que no es fácil que quieran acudir, como Patricia Kaas, que representará a Francia, y la israelí Noa que cantará junto a la palestina Mira Awad la canción Einaich (There must be another way), un alegato en contra de la guerra. Chiara, una vieja conocida de los más adictos al festival, intentará por tercera vez ganar el concurso para Malta: en 1998, alcanzó un magnífico tercer puesto, con una sorprendente puesta en escena, en pugna hasta el último instante con la representante israelí Dana International, que finalmente se llevó la victoria con Diva (...era la canción ideal para ilustrar el post); en 2005 quedó en segunda posición, sólo detrás de Helena Paparizou, una de las divas eurovisivas del nuevo milenio; y en 2009 regresa con otra balada, que no creo que tenga tanta suerte. No puedo evitar mencionar al griego Sakis Rouvas, la más diva de todas, que ya fue tercero en 2004, y quiere seguir los pasos de Dima Bilán, el ruso ganador del año pasado.
En la Historia del Eurovisión ha habido más victorias de mujeres que hombres y grupos juntos. De 53 ediciones, 31 han sido ganados por mujeres (con el cuádruple empate que se produjo en Madrid hace 40 años). ABBA fue el primer grupo en alcanzar el primer puesto. Los 60 fueron la década dorada de las divas: France Gall, Sandie Shaw, Lulú, Frida Boccara, Gigliola Cinquetti, Iva Zanicchi, Vicky Leandros, Nana Mouskouri o Françoise Hardy. También participaron Olivia Newton-John, Ofra Haza o Celine Dion.

France Gall - Poupée de cire poupée de son

France Gall venció en 1965 con una de las canciones más emblemáticas de toda la Historia de Eurovisión: Poupée de cire, poupée de son, que fue un gran éxito en su carrera, que supuso el comienzo de los años dorados del certamen.

France Gall - Ella elle l'a
Cargado por booahhh

Kate Ryan - Je T´Adore

España este año presenta a Soraya, una de las triunfitas más aventajadas, a imagen y semejanza de su amiga Kate Ryan, anhela convertirse en la próxima diva del pop europeo. Echaremos de menos a Chiquilicuatre... Si no tenemos en cuenta las piernas, la elegancia natural o el estilismo, ganaría Soraya, que de voz va sobrada... El último éxito de la belga (en el concurso sin embargo no pasó de la semifinal), ha sido una versión de un viejo éxito de la eurovisiva France Gall, Ella elle l'a, dedicado a la gran dama de la canción Ella Fitzgerald.

Vicky Leandros - L'amor Est Bleu

En 1967, la cantante de origen griego Vicky Leandros representó a Luxemburgo con esta canción. Consiguió tan sólo una cuarta posición, pero se convirtió en otro de los temas emblemáticos del Festival, en mi caso mucho más conocida que Après toi, con la que ganó cinco años más tarde.

Desde la primera ganadora, Lys Assia, han sido muchos los que han intentando en vano repetir el triunfo, con la única excepción de Johnny Logan, que ha obtenido la victoria para Irlanda en tres ocasiones: como cantante en 1980 y 1987, y en 1992 tan sólo como autor.

Anne-Marie David, Je Suis L'enfant Soleil. (Francia, 1979)-. Arrebató el primer puesto a Mocedades para Luxemburgo (Cliff Richard fue 3º, jeje), y con esta canción -mucho más bonita- quedó en 1979 en tercer lugar, tras nuestra Betty Missiego.
Carola Häggkvist, Invincible. (Suecia, 2006). Es un caso curioso, tres participaciones, una por década: en 1983, ganó en 1991, y volvió a intentarlo quince años después.

También lo lograron en el segundo intento: Corry Brokken, la griega Helena Paparizou o, el año pasado, el ruso Dima Bilán. Y, sin mucha suerte, han acudido en varias ocasiones: Raphael, Cliff Richards, Domenico Modugno, Albano y Romina, Michèle Torr, Massimo Ranieri o Mia Martini. Y hasta tres veces lo han intentado Anna Vissi, Everything. (Grecia, 2006); o Katja Ebstein, Theater. (Alemania, 1980).

Y una debilidad:
Darja Švajger, For a thousand years. (Eslovenia, 1999).

Katrina & The Waves - Love Shine A Light

El margen de victoria más amplio lo consiguió en 1997 Katrina & The Waves, con una diferencia de 70 puntos. Desde entonces el Reino Unido, que ha ganado cinco veces y ha sido segundo otras quince, no ha vuelto a ganar. Luxemburgo, que no participa desde 1993, tiene el mismo número de victorias. El récord absoluto lo tiene Irlanda que ha ganado Eurovisión en siete ocasiones.

Es muy difícil elegir una entre más de mil canciones, pero mi Canción favorita de toda la Historia del Festival probablemente sea la canción francesa que ganó Eurovisión en 1977, L'oiseau et l'enfant.


Marie Myriam - L'oiseau et l'enfant

http://www.eurovision-spain.com/
http://www.rtve.es/television/eurovision2009/

Antonio Vega descansa ya en el sitio de su recreo

Antonio Vega

(16.dic.1957-12.may.2009)

«Yo nunca me he ido.
Siempre he estado aquí y sigo estando»

Antonio Vega - Se dejaba llevar

Bill Viola: Premi Internacional Catalunya 2009

Emergence, The Passions (Bill Viola, 2003)

«El vídeo-arte no para de crecer.
Es una revolución gracias a la tecnología»
«La tecnología digital ofrece lo más similar
a una experiencia espiritual»

Bill Viola

Bill Viola: los senderos de la condición humana. Rodrigo Alonso.
http://www.billviola.com/
http://www.getty.edu/art/exhibitions/viola/

Dirk Bogarde

(28.marzo.1921 – 8.mayo.1999)

Dirk Bogarde, uno de los más grandes actores británicos, comenzó su carrera en el teatro, pero siendo tan atractivo y con esa mirada tan irresistible, sólo era cuestión de tiempo que el cine se interesara por él: la Rank le fichó rápidamente para convertirlo en un ídolo de jovencitas. Desde el primer momento, luchó y luchó contra la imagen de latin-lover que pretendían imponerle e intentó evitar el encasillamiento en papeles de galán romántico. Con su propia vida personal, sin relaciones amorosas, al menos conocidas, su alergia al escaparate de los estrenos, fue construyendo una imagen de hombre extraño y solitario. La Rank le pidió que se casara, le dijeron que su soltería empezaba a resultar "sospechosa" y perjudicaba a su imagen. Se negó rotundamente.

Víctima, 1961

Con Victim su carrera da un giro radical: "la imagen tan cuidadosamente forjada por el estudio a lo largo de catorce años se derrumbó de la noche a la mañana. Fue la decisión más sensata de toda mi vida". Aceptó el papel de un abogado de éxito chantajeado por sus inclinaciones sexuales, después de que fuera rechazado por numerosos actores. El correo de las fans enamoradas del héroe romántico se vio sustituido por cartas llenas de insultos y amenazas. Fue una película muy valiente en su momento, que denunciaba la legislación británica de la época sobre la homosexualidad. Aunque la prohibición por ley se mantuvo hasta 1967, esta película tuvo gran importancia en la aceptación social de la homosexualidad en Reino Unido.

El sirviente, 1963

Aunque el público se sintió desconcertado y las fans decepcionadas, críticos y cineastas supieron apreciar el cambio de rumbo que tomaba la carrera del actor, quien deseaba interpretar personajes cada vez más complejos en películas más ambiciosas. Mención especial merecería El sirviente, primera de las cinco colaboraciones con Joseph Losey, y una de mis películas favoritas. Bogarde interpreta al perfecto mayordomo capaz de solucionar cualquier problema, que empieza a trabajar a las órdenes de un joven y rico heredero hasta hacerse totalmente imprescindible: desde elegir los colores amarillo y fucsia para la pared, hasta terminar lavándole los pies. La película nos muestra la inversión de roles entre ambos en un decadente sistema de clases, y se convierte en un estudio feroz de los mecanismos del Poder. Con la transmisión de poderes, el opresor se convierte en oprimido y viceversa. Además, esta relación amo-sirviente no está exenta de ambigüedad; las connotaciones sexuales, incluso sadomasoquistas, son constantes. Tras despedirlo, el nivel de dependencia es tan fuerte que tiene que volver a contratarlo, y otra vez juntos, en su rutina diaria, dedican su tiempo a hacer juegos infantiles durante el día y orgías salvajes por la noche. Esta vez, el sirviente toma las riendas del poder y el joven aristócrata se abandona completamente en sus manos, ve anulada su voluntad y su capacidad de decisión, dominado por su dependencia hacia el sirviente, o como se deja caer al final, por una supuesta adicción a las drogas...
A la hora de hacer este análisis habría que tener muy en cuenta, según muchísimos testimonios, la bisexualidad de Joseph Losey. En Accidente, la ambigua relación tutor-pupilo que sostienen Bogarde y Michael York apunta en la misma dirección. Por no hablar del excéntrico villano que interpreta en Modesty Blaise, con peluca plateada, que tampoco tiene desperdicio.

Muerte en Venecia, 1971

Dirk Bogarde consideraba su encuentro con el director italiano Luchino Visconti el momento cumbre de su carrera cinematográfica. En 1969 rodó con él La caída de los dioses, donde interpretaba a un poderoso industrial que acaba cediendo ante los nazis, y especialmente, se sentía orgulloso de su segunda colaboración, Muerte en Venecia, donde era el compositor Gustav von Aschenbach, el personaje mas emblemático por el que se le recuerda, y por el que pasará a la Historia del Cine.

Portero de Noche, 1974

Aunque yo le prefiero en la mítica Portero de noche de Liliana Caviani, una polémica historia de amor enfermiza e imposible que surge en un campo de concentración nazi entre una joven judía guapísima (Charlotte Rampling) y un sádico oficial de las SS. Esta fue, en mi humilde opinión, otra de sus grandes virtudes, que supo anteponer el cine más experimental frente a un cine más convencional y, siempre que pudo, prefirió participar en las películas más arriesgadas, como Providence, de Alain Resnais, o Desesperación, de Rainer W.Fassbinder, una radiografía sobre la locura basada en una novela de Nabokov. Su última película fue Daddy Nostalgie de Bertrand Tavernier junto a Jane Birkin como su hija.

The Spanish Gardener, 1956

A pesar de lo valiente que fue con su filmografía, fue tremendamente reservado con su vida privada; algunos lo comparan con su personaje de Melville Farr, el homosexual atrapado de Victim. La única que pasó por pareja suya fue su gran amiga Capucine, y sólo después de muerto se ha sabido que su amigo y representante Tony Forwood había sido su pareja durante más de 40 años, con quien vivió en la Provenza hasta pocos meses antes de que éste falleciera en Londres. Fue él quien le sugirió que se cambiara su apellido familiar Van den Bogaerde por el más sencillo de Bogarde.
La otra vida de D.Bogarde. Richard Brooks, The Sunday Times/El Mundo.
Su vida, sus personajes, los matices que lograba en la forma de abordar estos retratos de hombres confundidos, tristes y solitarios, más sensibles de lo habitual, son una delicia para los interesados en una lectura queer de estos textos a posteriori. En Hunted, interpretaba a un asesino que huyendo de la ley se encuentra con un niño que se ha escapado de casa. Personajes especialmente vulnerables que su imagen -típicamente británica- acentuaba, frente a los brutotes del resto de sus compañeros, como en El tigre dormido, Rey y Patria o La dinastía del petróleo.
Pero las películas más curiosas de este primer período, que me muero de ganas de ver, son: The Spanish Gardener y El demonio, la carne y el perdón. En la primera interpretaba a un criado injustamente perseguido por su relación, inocente, con el hijo de un diplomático. La segunda es un western en el que Bogarde es el bandido Anacleto, vestido de cuero negro y llevando un gato blanco en los brazos, que mantiene una relación con el sacerdote del pueblo con matices tan abiertamente homoeróticos, dicen, que el final parece la versión gay de Duelo al Sol.

Cine.scopofilia

...y algunos referentes.

«El cine sustituye en nuestra mirada
(el mundo real) por un mundo
acorde con nuestros deseos»

André Bazin

-No sé si eres un detective
o un pervertido...


-Cuando lo averigües...
dímelo.

Blue Velvet, David Lynch

Un cineasta es como un mirón, un voyeur. Es como si la cámara fuera la cerradura del cuarto de tus padres. Los espías y te das asco, te sientes culpable.
Pero no puedes dejar de mirar. Convierte a las películas,
en crímenes.
Y a los directores,
en criminales.
Soñadores,
Bernardo Bertolucci

"Es evidente que las películas son capaces de pensar de mejor manera que la escritura o la filosofía, pero esto fue rápidamente olvidado... No la historia de los filmes, no la historia a través de los filmes; más bien, la historia en y por los filmes: la capacidad de las imágenes para hablar entre sí. Entonces surge, luminoso e intransferible, un saber del cine y del mundo"

Histoire(s) du cinéma

“Si dirigir es una mirada,
montar es un latido del corazón”

Jean-Luc Godard

"El objetivo -ese ojo sin tradición, sin moral, sin prejuicios, capaz, sin embargo, de interpretar el mundo por sí mismo- ve el mundo.
El cineasta, después, lo ordena...
Segmentación. Creación. Escisión de una cosa para convertirse en otra... Ese paisaje, para ser recreado por el cinema, necesitara segmentarse en cincuenta, cien y más trozos. Todos ellos se sucederán después vermicularmente para componer así la entidad film".
Luis Buñuel


André Bazin: miradas de cine.
Histoire(s) du Cinéma & Zimmermann:
Blog (maquinaria de la nube).

La madre

Sólo las madres pueden pensar el futuro
ya que lo dan a luz en sus hijos

Máximo Gorki

La madre es la ópera prima de Vsévolod Pudovkin, el director de cine soviético más importante después de Eisenstein; también es su película más conocida, una fiel adaptación de la obra de Máximo Gorki, la gran novela proletaria, que fue una especie de best-seller de la época, excepto en Rusia, que fue prohibida hasta 1917. El argumento de la obra tiene su origen en los sucesos ocurridos a principios del siglo pasado en la fábrica de Sormovo, durante la revolución rusa de 1905, que Gorki vivió muy de cerca.
La película a medio camino entre el cine de vanguardia y el panfleto político está considerada como una de las obras cumbres del cine mudo, y a su director, desde entonces, como uno de los padres del montaje, porque en este film desarrolló varias de sus teorías, que fueron fundamentales en la evolución del lenguaje cinematográfico.
La historia es un recorrido metafórico por los acontecimientos que llevaron a la revuelta obrera y campesina de 1905: primero a través del miedo de una aterrorizada esposa, los abusos del Poder, encarnado en la figura del Padre; el sufrimiento de una Madre, su hijo Pavel, un activista político que intenta mejorar las condiciones laborales de la fábrica metalúrgica en la que trabaja, está preso y condenado a trabajos forzados; y tras varios dramas, finalmente, la toma de conciencia individual, la Mujer comprende que las demandas de los trabajadores son justas y la lucha social necesaria, lo que termina provocando que coja la bandera de la causa revolucionaria.

(La Madre, 1926)

Frente al cine de S.M. Eisenstein, un cine pensado para la exaltación revolucionaria de las masas, V.Pudovkin utiliza el montaje en paralelo para contarnos la toma de conciencia de un personaje principal en el contexto de la sociedad a la que pertenece, como también ocurre en El fin de San Pesterburgo, y Tempestad sobre Asia, que completan su trilogía revolucionaria.
Me gusta pensar que lo que Pudovkin pretendía con el montaje, más que 'de lo individual a lo colectivo', era un recorrido más utópico que fuera de lo individual a 'lo universal'. La Madre y La Tierra de Dovzhenko, otra maravilla, (también La Huelga), son las películas que más me gustan de este período histórico.

¿Poesía o Propaganda?

Película completa en Google Video



Ya hice mi post definitivo para el día de la madre (ahora que no nos oyen...):
http://unviajeimposible.blogspot/2007/05/mama
Madre no hay más que una, pero ésta no se parece nada a la de Gorki, ni tampoco a la madre coraje que rinden homenaje los Cranberries, mucho más apropiado para felicitar a nuestras madres.
Y a todas las que lo sois: FELICIDADES.


The Cranberries - Animal Instinct

Día del Trabajador

La ley del silencio

"Erase una vez un país en el que vivían una cigarra y una hormiga. La hormiga era hacendosa y trabajadora y la cigarra, no. Le gustaba cantar y dormir, mientras la hormiga hacía sus labores. Pasó el tiempo. La hormiga trabajó y trabajó todo el verano, ahorró cuanto pudo, y cuando llegó el invierno la cigarra se moría de hambre y de frío, mientras la hormiga tenía de todo... ¡Qué hija de puta, la hormiga!
La cigarra llamó a la puerta de la hormiga, que le dijo: "Cigarrita, cigarrita, si hubieras trabajado como yo, ahora no pasarías hambre y frío", y no le abrió la puerta.
¿Quién ha escrito esto? Porque esto no es así. La hormiga es una hija de la gran puta y una especuladora. Y además, aquí lo que no dice es por qué unos nacen hormiga y otros cigarra. Porque si naces cigarra estás jodido, y eso aquí no lo pone.
Eso aquí no lo pone."

Los Lunes al Sol.

Tiempos Modernos

Así es el futuro laboral que nos espera. Funcionarios contra autónomos, fijos contra eventuales, becarios contra mayores de 50 años, mileuristas titulados contra inmigrantes con asistencia social. La lucha de clases terminó: comienza la lucha de contratos. No a la reforma laboral, sí a la selección natural. O ellos o nosotros. A muerte.

Un nuevo género, el Gore-Laboral, Toni Martínez.

Ahora que he descubierto qué hace un grupo de jubilados curioseando durante toda una mañana una obra con atención, estoy deseando hacerme mayor...

http://unviajeimposible/2008/05/1 de mayo: día-del-trabajo
De eterno becario a prejubilado, precariedad laboral y trabajo basura; pero no nos quejemos, somos ciudadanos más libres que nunca para poder consumir y comprar.


Cyndi Lauper - Working Class Hero