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Thursday, February 09, 2012

John Giorno

Sleep (Andy Warhol, 1963)

John Giorno, poeta del movimiento contracultural que surge en EEUU durante los años 60, es conocido sobre todo por ser el protagonista de Sleep, experimento warholiano donde los haya que consiste en ver como un maromo duerme ininterrumpidamente durante casi seis horas. Cuando Giorno se despertó y sorprendió a Warhol grabándole, éste le dijo que le convertiría en una estrella. Si queréis poner a prueba vuestra capacidad de aguante y nivel de aburrimiento tenéis esta versión reducida de “el bello durmiente” (40 min.). Más radical fue, si cabe, Empire: 8 horas 5 minutos con un único plano del Empire State Building de Nueva York.

“that poetry was 75 years behind painting and sculpture
and dance and music”

John Giorno estaba vinculado al grupo de artistas underground que circulaba por The Factory. Pero Warhol no fue el único de sus amantes, también mantuvo relaciones con Robert Rauschenberg y Jasper Johns, entre otros. Amigo de John Cage y Merce Cunningham. Quizá por todo ello reconoce en su obra una mayor influencia de los artistas visuales que de otros poetas. Pensaba que la poesía requería de una transformación, como estaba ocurriendo en la pintura, la danza o la música: performances, eventos poéticos multimedia, cualquier acción que cambiase la actitud del gran público respecto a la poesía.
En 1968 crea el Giorno Poetry Systems, una sociedad sin ánimo de lucro que nace con el objetivo de renovar la poesía tanto en el lenguaje como en sus formas de difusión. Era el momento ideal para experimentar con otros soportes distintos al papel, los mass-media (la radio, la TV) y todos los medios técnicos a su alcance (teléfono, fonógrafos) para llegar a una audiencia alejada de las revistas de poesía. También grabó muchos discos, primero, con sus amigos William S. Burroughs, Allen Ginsberg y Brion Gysin, después se fueron involucrando muchos otros como John Cage, Philip Glass, Laurie Anderson, Deborah Harry, Frank Zappa, Diamanda Galás, Patti Smith y Robert Mapplethorpe, entre otros.


Otra de sus ocurrencias, en su propósito de hacer de la poesía algo popular, es el concepto Dial-A-Poem, un servicio de lectura de poesía a través del teléfono. 15 líneas telefónicas disponibles en las que se podía marcar un número y escuchar poemas grabados de Ginsberg, Burroughs, o Cage, entre otros, y textos sobre diferentes asuntos sociales de la época: la guerra de Vietnam, los Panteras Negras, o la revolución sexual.




















Just say no to family values. poema.
The Death of William Burroughs. vídeo-poema.


activista contra el SIDA



Sleep supuso el debut como director de Warhol. John Giorno, el protagonista, duerme plácidamente sobre un sofá. La cámara se desplaza por su cuerpo, capta su respiración, las elevaciones y descenso de su abdomen, mas no es posible acceder a los sueños del mismo. Para Warhol el cuerpo se convierte en una importantísima metáfora sobre la vida, el tiempo, el sueño o la sexualidad. En sus películas el cuerpo aparece fragmentado, el objetivo de la cámara irá captando las distintas partes del cuerpo que se traducirán en metáforas del momento, del instante.
Stephen Koch llegó a escribir que Sleep era “un acto necrofílico de amor al cuerpo, lleno de ternura ante el espectáculo de un vitalismo silenciado”. Hasta ese momento a nadie se le había ocurrido la idea de grabar a alguien durmiendo y unir todos esos fragmentos durante seis días, repetirlos por duplicado y obtener el resultado de un film de seis horas.
(*)


“I don't need it. I don't want it. And you cheated me out of it”

Ahora le hemos visto en el último vídeo de R.E.M., una canción nueva que se incluye en el recopilatorio de despedida de la mítica banda, haciendo aquello que mejor sabe hacer y que más fama le ha dado, permanecer inmóvil frente a la cámara, aguantar plano mientras Michel Stipe canta la que será su última canción junto a su grupo.



R.E.M. — We All Go Back To Where We Belong

http://www.poesiadigital.es/John Giorno, La sabiduría de las brujas.

Sunday, November 28, 2010

Sunday Girl 2: Candy Darling

Candy Darling

Candy, porque le encantaban los dulces, Darling, porque así le llamaba un amigo suyo con el que vivía, que siempre le decía:
«Come on, let’s go, candy, darling»
Un nombre mucho más glamouroso que el de James Lawrence Slattery que le pusieron al nacer. Cuando su madre le preguntó si era verdad que solía ir a un bar gay de Nueva York travestida, ella fue a su cuarto y volvió totalmente vestida como una chica, que era el género con el que se identificaba. Candy Darling fue una pionera: un jovencito que osó vivir como mujer en un mundo que aún no estaba preparado para ello.



¿...es la hermana de La Prohibida?: No. Es Candy Darling: la Musa de Warhol, considerada la mujer más atractiva de la Factoría. Había pasado su infancia viendo viejas películas clásicas por TV, donde aprendió a imitar a sus actrices favoritas: Rita Hayworth, Joan Bennet, Lana Turner, y Kim Novak. Siempre supo que no era un niño, y sabía que tendría que construir durante toda su vida la mujer que llegaría a ser. Su sueño era ser como la Kim Novak de Picnic, Vértigo, o Me enamoré de una bruja.
Andy como Candy. Se conocieron en 1967 en un after-hours, y desde entonces fue su favorita dentro de la Factoría. Warhol se empeñó en convertirla en algo así como una rutilante Star, pero del Underground. Aparece en la mítica Flesh, con Joe Dallesandro, y en Women in Revolt (ambas de Paul Morrissey), junto a Holly Woodlawn y Jackie Curtis, una parodia del feminismo que pretendía mofarse de Valerie Solanas, una venganza personal contra la fan que disparó a Andy Warhol.
Candy Darling frecuentaba más el Off-off neoyorkino, tenía su propio espectáculo de cabaret e hizo teatro underground, con sus amigas Jackie Curtis y Holly Woodland, Patti Smith o Robert De Niro, pero la pudimos ver también en pequeños papeles en Klute, de Alan J. Pakula, con su amiga Jane Fonda, o en Mortadela, de Mario Monicelli, junto a Sophia Loren.




Candy representaba como nadie el esplendor y la fantasía de las antiguas estrellas de cine. Ni hombre, ni mujer: musa, estrella e icono. Fue fuente de inspiración para sus amigos Warhol y Tennessee Williams, que le dio un papelito en una de sus obras; Lou Reed compuso Candy Says pensando en ella; los fotógrafos más famosos del mundo querían inmortalizarla. Antony Hegarty utilizó una fotografía suya para la portada de su álbum I Am A Bird Now.

El retrato más famoso de Candy Darling es el que le hizo Peter Hujar el día de su muerte, posando para la cámara desde la cama del hospital donde murió. Murió de leucemia en 1974, con sólo 29 años. Los médicos dijeron que debido probablemente a las hormonas que había estado tomando durante años.

Candy on her deathbed

«Cuando lean esto, ya me habré marchado.
Desgraciadamente, antes de mi muerte no me quedaban deseos de vivir. Incluso con el apoyo de todos mis amigos y de mi prometedora carrera, me siento demasiado vacía como para continuar con esta existencia irreal. Estoy tan aburrida de todo... Podría decirse que estoy mortalmente aburrida. Puede sonar ridículo, pero es verdad...
Ojalá nos volvamos a encontrar todos de nuevo.
Adiós por ahora. Os quiere siempre....
Candy Darling


Lou Reed & The Velvet Underground - Candy Says

Candy says I've come to hate my body
and all that it requires in this world.
Candy says I'd like to know completely
what others so discreetly talk about.
I'm gonna watch the blue birds fly over my shoulder.
I'm gonna watch them pass me by
Maybe when I'm older.
What do you think I'd see
If I could walk away from me?
Lou Reed

http://www.candydarlingsuperstar.com/
Beautiful Darling: The Life and Times of Candy Darling, Andy Warhol Superstar. de James Rasin.
http://www.beautifuldarling.com/
http://www.warholstars.org/stars/candy.html
Through Candy-Colored Glasses. by Mike Taylor.
I am a bird girl now. http://saludcomunitaria.wordpress.com/

Blow-Jobs

La factoría Warhol visto por Avedon



Flesh (Andy Warhol, 1968)


Flesh p.2
Candy Darling y Jackie Curtis hablan de antiguas estrellas de cine mientras Geraldine Smith le hace una felación a Joe Dallesandro

Ellos tres son los protagonistas de la canción Walk on the Wild Side.
Quién es quién en el clásico de Lou Reed. Bob Pop, 20minutos.

Y una foto de Joe Dallesandro. Creedme, lo juro, es Little Joe.



Torsos - Sex Parts
por Andy Warhol 1977
.
Bajo el Signo de Libra.










Blowjob (Andy Warhol, 1964)

Tuesday, November 04, 2008









Yo tenía la mejor voluntad, señores míos,
distinguidos
amigos
de mi mejor consideración. Yo era
fácil para vivir con los Gobiernos. No tenía
ganas de más complicaciones que la pura
existencia...
¡Qué iba a ser rebelde yo!
¡Nadie más dulce y más dispuesto
a comprender a todos que yo mismo!
¡Qué iba a ser rebelde yo!
¡Hasta que me golpearon en el vientre del alma
por decir la verdad!
¡Hasta que me hirieron en secreto por
amar la justicia!
¡Hasta que vi el brillo de las pistolas!
¡Hasta que me condenaron a la miseria,
sonriendo y abrazándome!
basado en un texto de Alfonso Sastre
y una canción del grupo
Al Infierno en Goitibera


Foo Fighters - Best of you

I was too weak to give in
Too strong to lose
Were you born to resist or be abused?
I swear I'll never give in
I refuse
Is someone getting the best,
the best, the best, the best of you?



Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?

Sigourney Weaver - Back in the USSR


Thursday, August 16, 2007

Elvis, zapatos de gamuza azul: con él nació el rock

Antes de Elvis no había nada
John Lennon


Elvis Presley - Jailhouse Rock

30 años sin Elvis.
Y miles de fans se reúnen esta semana en Graceland.
Nunca me mató la música de Elvis Presley, pero seguramente sin él el rock no hubiera sido posible. Se le considera su fundador: de hecho, se le conoce como el Rey del Rock'n'Roll, o simplemente El Rey. Como única razón del post. En este artículo, Diego A. Manrique explica algunas peculiaridades del mito y los lucrativos negocios necrófilos de sus herederos. Mi primer recuerdo de él es precisamente el día de su muerte: estaba en Andalucía de vacaciones con mis padres, aquel verano empecé a conocer algunas canciones, luego llegaron las películas en Hawaii o Las Vegas, y hasta una película de vaqueros en la que estaba muy muy guapo.

Elvis Presley ha sido versioneado hasta la saciedad. Algunas de sus canciones más emblemáticas han sido utilizadas en la banda sonora de muchas películas, pero ninguna de un modo tan sublime como David Lynch en Corazón Salvaje, que convirtió a Love me tender en el auténtico leit-motive de la película.
Y desde entonces es, mi canción favorita de Elvis.


Nicolas Cage - Love Me Tender (Wild at heart, 1990)

...love me tender,
love me long,
take me to your heart.
for it's there that I belong,
and we'll never part...

Otras versiones:
UB40 - Can't help falling in love
Pet Shop Boys - Always On My Mind
Robbie Williams - Suspicious Mind
The Blues Brothers - Jailhouse Rock (con cameos de lujo, J.Brown, R.Charles, A.Franklin, J.L.Hooker)


Pero ninguna versión tan bizarra, como la que hace El Príncipe Gitano -que ha debido tener el mismo profesor de inglés que Aznar-, de In The Guetto, que no se sabe si es un número cómico o una parodia sin pretender serlo, y que provoca una sensación entre la hilaridad y la vergüenza ajena.


El Príncipe Gitano - In The Guetto

Aunque resulte divertido, no os puedo hacer esto:
os dejo aquí el enlace del auténtico Elvis Presley cantando In The Guetto, que es una canción muy guapa.

http://youtube/2Ox1Tore9nw

Thursday, April 12, 2007

Little Joe Dallessandro


Dije que diría cómo nacieron estos placeres prohibidos que nacen como torres de espanto... Aunque no fui un niño gay -hasta los 13 no fui consciente de mi curiosidad por los chicos-, puedo recordar momentos turbadores de mi más tierna infancia que ya revelaban una extraña atracción. Uno de esos momentos es cuando cayó en mis manos esta foto del que aún tardaría bastantes años en saber su nombre, Joe Dallesandro.
Sería fácil hacer poesía barata sobre lo que ocurrió en el interior de mi pantalón cuando vi la foto, y aunque algo desconcertado por ello, eso no me impidió seguir desafiando la ley de las dos dimensiones fotográficas intentando descubrir que se escondía tras la pierna del niño; pusiera la foto como la pusiera sólo se veía una mancha negra que mi imaginación iba alimentando. Sólo tenía 10 años, así que la escena no acabó como algunos ya estáis imaginando. Pero algo cambió. En esa época para mí el súmmum del erotismo era este póster de Farrah Fawcett-Majors que colgaba en mi habitación. Muy poco tiempo después quité el póster de la pared y Farrah pasó a empapelar mi carpeta de clase. Nunca pensé colgar a Joe Dallesandro en la pared, pero sí que lo arranqué de la revista y lo escondí secretamente -sin saber muy bien por qué- en un Atlas. Algo en mi interior sabía, más bien lo sabe ahora, que en ese momento sustituí una imagen por otra.


La vida de Joe Dallesandro merece un post: creció en orfanatos, y la calle fue su mejor escuela, allí creció como un pequeño delincuente: pequeños hurtos, robo de coches, hasta que le ofrecieron dinero por posar desnudo para una pequeña publicación de culturismo para consumo gay. Se presentó a una prueba para una película y conoció a Paul Morrisey y Andy Warhol que pronto le ofrecieron trabajar en sus películas. De pequeño delincuente pasó a ser en poco tiempo el Rodolfo Valentino del Cine Underground.
La imagen de Joe Dallesandro impresionó a otros muchos antes que a mí. A todos impactaba por su belleza y por su naturalidad: Norman Mailer, Tennessee Williams..., uno de los 10 hombres más bellos que el fotógrafo Francesco Scavullo (autor de la foto) había fotografiado nunca, el actor cuya interpretación en Trash sirvió a George Cukor para entender qué es lo que significa ser un drogadicto. Se convirtió en todo un símbolo de la época: Dallesandro también es el Little Joe del Walk On The Wild Side de Lou Reed, y la entrepierna de la portada del Sticky Fingers de los Rolling Stones.


Unos años más tarde, gracias a santa Pilar Miró, pude ver en la televisión pública las tres películas de la Trilogía que hicieron famoso a Joe Dallesandro (y lo que escondía la entrepierna). En una época que dominaba el culto al cuerpo femenino, Warhol y Morrisey ponen el acento por primera vez en el cuerpo masculino, y más concretamente en el pene de Dallesandro (en contraposición al cine pornográfico que exaltaba el pubis femenino).
En la primera secuencia de Flesh (1968), que dura varios minutos, Joe aparece completamente desnudo, sólo con un lazo (podéis adivinar dónde). Era el primer desnudo integral de un hombre en una película. Era imposible fijarse en lo que decía, no podías dejar de (ad)mirar su belleza, su espontaneidad, el cuerpo que él exhibía con toda naturalidad. Una desinhibición que hacía que se le notara más cómodo incluso cuando interpretaba sin ropa que con ella. La película para mí fue impactante. Estaba en mi salida particular del armario. Por primera vez oía hablar de que todos eramos bisexuales, de prácticas homosexuales en vez de orientaciones o condiciones sexuales. Un tema por cierto vigente en la actualidad.
La naturalidad, el carisma, la sinceridad que proyectaba hizo que multitud de fans le escribieran ofreciéndole ayuda, protección, con propuestas de todo tipo, asumiendo que el joven llamado Joe en las películas y el Joe de la vida real eran la misma persona.


Trash, 1970, es probablemente la mejor de las tres, la peli con más entidad. Fue considerada "una obra maestra" y "la mejor película del año" según la revista Rolling Stone (y la que probablemente haya superado mejor el paso del tiempo). La película cuenta la historia de Joe, un heroinómano que vive con su novia, el travesti Holly Woodlawn. Creo recordar que era una crítica mordaz a la sociedad de consumo con bastante mala leche. Heat, 1972, me pareció la más flojita, cuenta las relaciones de Joe con una actriz de serie B madura y su hija lesbiana.
Estas tres películas componen las joyas del imperio Warhol, y pretenden reflejar la escena underground más marginal y los personajes que la pueblan. Joe Dallesandro representó en las tres a hombres-objeto, rol que tradicionalmente ocupa(ba) la mujer. En Flesh Dallesandro se prostituye para conseguir dinero para su esposa que a su vez dará a su amante. En Trash la pareja protagonista quiere concebir un niño para obtener el subsidio de la seguridad social por tener hijos, algo impensable puesto que ella es un travesti, y en Heat es la recuperación de la fama lo que mueve al personaje de cama en cama.


Se fue a Europa cansado de que siempre le asociaran con la factoría Warhol y revitalizar así su carrera como actor. Y aunque fue tratado como una estrella, ya que era conocido por la famosa trilogía, no pudo escapar de esa imagen de icono sexual. Su primera escena en una película europea fue una lluvia dorada, y la película de la que él se siente más orgulloso, Je T’Aime Moi Non Plus de Serge Gainsbourg, es la historia de Joe, un camionero gay, y una camarera bastante andrógina (la confunde con un chico la primera vez que la ve de espaldas), Jane Birkin, con la que sólo puede mantener relaciones sexuales si son anales. Esta película es de la que Joe se siente más satisfecho de las 18 en las que ha intervenido, piensa que es una película de culto que está esperando a ser redescubierta para convertirse en un clásico. Para mí es infumable, no creo que pase a la Historia del Cine, como sí lo ha hecho la canción que dio título al film, que cantaban a dúo Serge Gainsbourg y Jane Birkin.
En 1980 regresó a Estados Unidos, pero desde entonces sólo ha hecho pequeños papeles entre los que podemos destacar Cotton Club de Coppola o Cry Baby de John Waters.


Joe Dallesandro nunca ha podido escapar de su fama como una Warhol Superstar, ni al poder que su imagen abiertamente erotizada ha ejercido sobre generaciones sucesivas. Soy un claro ejemplo de ello. Es más que un actor, es un icono, un símbolo. El primer hombre que se paseó desnudo a través de una pantalla, liberó al macho desnudo como un objeto de belleza en el cine. Liberó nuestras fantasías prohibidas al mostrar su cuerpo como objeto de deseo. Le gusta decir en las entrevistas que todo lo que tuvo que hacer en las películas de Warhol/Morrissey fue mostrarse.

Los mismos personajes veinte años después.



Lou Reed - Walk On The Wild Side

Sunday, February 04, 2007

The Velvet Underground and Nico



Esta noche, en la ciudad desde la que os escribo, ha tocado John Cale con su Circus Live, el que fuera el co-fundador de The Velvet Underground junto a Lou Reed allá por 1964. La Velvet duró muy poco tiempo, apenas cuatro discos, pero su álbum debut es considerado uno de los más importantes e influyentes de la Historia del Rock.


En 1964 John Cale y Lou Reed forman la banda: buscaron a Sterling Morrison, que Lou Reed había conocido en su época de estudiante; y llamaron a Maureen Tucker, la hermana de un amigo de Reed y Morrison, Jim Tucker, al que debemos agradecer el nombre de la banda, que era el título de un libro sobre sadomasoquismo que se encontró tirado en la calle.
Tanto la música, llena de ruido y distorsiones (Mo' Tucker tocaba la batería con mazos en lugar de baquetas porque la banda le pidió que hiciera algo nuevo, distinto), como las letras que trataban temas inusuales para la época, como el sadomasoquismo, o la adicción a la heroína, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la escena estadounidense de ese momento. Muchas de las canciones están plagadas de personajes excéntricos, perdedores, travestidos: las referencias al sexo o las drogas son abundantes en todo el álbum.

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The Velvet Underground -Heroin

¿Qué tiene de especial este disco? Fue grabado en unos pocos días y tardó más de un año en editarse porque era demasiado vanguardista, revolucionario, para el mercado discográfico de la época. Se publicó en mayo de 1967, pasó por las listas sin pena ni gloria, y 40 años más tarde sigue siendo considerado un disco de culto y muchos grupos han confesado la enorme influencia que tuvo en ellos.
The Velvet Underground sacaba a la luz su primer álbum con el mecenazgo de Andy Warhol que produjo el disco y es el autor de esta histórica portada. Andy Warhol pensaba que era una buena idea tener una banda de rock en la Factory. Warhol filmó a la banda ensayando y el resultado es la película The Velvet Underground & Nico: A Simphony of Sound. Esta filmación se proyectaba durante los primeros shows de la banda.



Andy Warhol se convirtió en el manager del grupo, e impuso a la estrella de la Factory, Nico. La banda se resisitió en un principio, pero finalmente aceptaron para aprovechar la promoción de Warhol y se convirtieron en The Velvet Underground And Nico. Algunas canciones fueron adaptadas para ser cantadas por Nico y durante las que Lou Reed cantaba ella tocaba la pandereta.


The Velvet Underground - Venus in Furs

Otra canción que despertó controversia fue Venus in Furs, una canción que hablaba sobre sadomasoquismo. Paul Morrisey ideó un espectáculo con shows de luces, bailarinas y proyecciones, que se llamó Exploding Plastic Inevitable, y llevó a la banda a tocar en diferentes lugares a través de Estados Unidos.




The Velvet Underground - Sunday Morning

Lou Reed puso el carisma, la voz y las letras. John Cale se encargaba de los arreglos, las distorsiones, en definitiva, el artífice del sonido tan peculiar de la banda. Es mi disco ideal para una mañana de domingo de resaca.

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The Velvet Underground & Nico - I'll be your mirror