Nan Goldin

Día del Orgullo LGBT

Las peras con las peras,
las manzanas con las manzanas.

¡¡¡ Viva la MaceDoNia !!!

Gossip - Men In Love

Dos hombres y un armario

Dwaj ludzie z szafą, 1958

Roman Polanski tenía 25 años y aún estudiaba en la Escuela de Cine de Lodz cuando realizó este corto: auténtico ejercicio de estilo que pretende hacer un recorrido por las vanguardias de la primera mitad del s.xx: desde el slapstick, un "género" que entusiasmaba a los surrealistas (Quiero ver un homenaje a Magritte en ese pescado que aparece como flotando entre nubes), hasta el expresionismo alemán o el teatro del absurdo. Se pueden advertir ya algunas de las características de su cine: como la (cruda) representación de la violencia o el recurso del humor (negro). Pero, ¿qué es lo que nos quiere contar Polanski?

Dos hombres y un armario emergen (nacen) del mar, y alcanzan la playa muy contentos de llegar a un mundo nuevo del que quieren participar.
Dos hombres y un armario (habría que verlos como un único personaje) se dirigen a la ciudad donde tratan de llevar una vida "normal": buscar alojamiento, coger el tranvía, comer en un restaurante, conocer a una chica, pero son rechazados sistemáticamente por la gente "normal", ignorados (como el hombre que sólo se ve a sí mismo en el espejo), incluso agredidos. Sin preguntarse siquiera que hay en el armario. Dos hombres y un armario surgen del mar para presenciar el catálogo completo de las pequeñas miserias, el rechazo y la violencia de la que es capaz la sociedad (*). Vemos situaciones violentas como normales mientras que nos asusta la inocencia, o da risa. Nos queda la (triste) impresión de que en esta sociedad se acepta antes robar o matar que el mero hecho de ser Diferente.

Dos hombres y un armario (Roman Polanski, 1958)

Summer Wine

Empieza (hoy) —oficialmente— el verano.
Aunque, por aquí, aún no nos hemos enterado.
Harto de la lluvia, sigo esperando al sol desesperadamente.

Strawberries, Cherries, and An angel's kiss in spring
My Summer Wine is really made from all these things
Take off your silver spurs and help me pass the time
And I will give to you
Summer Wine

Lana Del Rey con Barrie-James O'Neill — Summer Wine

Summer Wine es un temazo de Lee Hazlewood, que se hizo popular en 1967 (hay una versión anterior), cantada a dúo con Nancy Sinatra.

Una canción que goza de numerosas versiones: desde Demis Roussos con Petula Clark, a Bono de U2 junto a The Corrs; o en francés, la que hicieron Marie Laforêt y Gérard Klein, como Le vin de l'été.
No sé si hablar de homenaje, plagio, o sólo como una referencia para los Belle and Sebastian, en Dog on wheels. O la de un grupo checo, que no conocía y me ha encantado, Moimir Papalescu & The Nihilists, que parecen colocados con tanto summer wine. La última, la versión de la chica de moda, Lana del Rey, que la ha grabado junto a su novio Barrie-James O'Neill, cantante del grupo Kassidy, que giran con la artista como teloneros.

No es el único cover que podemos encontrar en la corta pero intensa discografía de Lana del Rey. Se ha atrevido con una versión de la mítica Chelsea Hotel No. 2, de Leonard Cohen. Y ha grabado Blue Velvet —que popularizaron Tony Bennett o Bobby Vinton— más a lo Isabella Rossellini, con videoclip homenaje a la película de David Lynch del mismo título, para una campaña de publicidad de una cadena de ropa.

Lana Del Rey — Blue Velvet

“El mundo se derrumba...

...y nosotros nos enamoramos”


Mirtha Pérez — La Nave del Olvido

Elías Querejeta: El Productor

(Hernani, 27.oct.1934 - Madrid, 9.jun.2013)

Elías Querejeta ha fallecido justo dos días después del estreno de 15 años y un día, la última película de su hija Gracia dedicada a su memoria. Alguien irreemplazable en nuestra maltrecha cinematografía, que se ganó a pulso el calificativo de «El Productor», llegando en su caso a la categoría de Autor, porque no era habitual encontrar un productor que mimara tanto sus criaturas, participando en el guión de muchas de ellas, supervisando el montaje. Entre sus más de 50 producciones encontramos algunas de las películas más importantes de la Historia del cine español.

1.— La caza (Carlos Saura, 1966)

http://unviajeimposible.blogspot.com/la-caza.

Con Saura formó una especie de matrimonio con muchos hijos exitosos. 13 películas juntos, y preparaban 33 días, que hace referencia al tiempo que tardó Picasso en pintar el “Guernica”, con Antonio Banderas y Gwyneth Paltrow. Entre ellas, Peppermint frappé, Ana y los lobos, La prima Angélica, Mamá cumple cien años, o Deprisa, deprisa, Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín. Y sobre todo, Cría cuervos.

2.— Cría Cuervos (Carlos Saura, 1976)

3.— El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973)

En 1969 dio su primera oportunidad a Víctor Erice en el film colectivo Los desafíos, junto a Claudio Guerín y José Luis Egea, a quienes consideraba los alumnos más brillantes de la Escuela de Cinematografía. Juntos hacen dos de las películas más bellas del cine español: El espíritu de la colmena, Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián; y El Sur, que Querejeta da por terminada, harto de Erice, antes de empezar a rodar la segunda parte que transcurría en el Sur. Si en El espíritu deslumbraba la increíble mirada de Ana Torrent, El Sur supone el debut de Icíar Bollaín como actriz.

4.— El Sur (Víctor Erice, 1983)

5.— El desencanto (Jaime Chávarri, 1976)

Elías Querejeta apostó siempre por nuevos realizadores: Jorge Grau, Noche de verano; Ricardo Franco, Pascual Duarte; Emilio Martínez Lázaro, Las palabras de Max. Francisco Regueiro, Antton Eceiza, o Jaime Chávarri, con el que hizo la muy especial El desencanto, que contaba la decadencia de la familia Panero en los estertores del tardofranquismo.

6.— Tasio (Montxo Armendáriz, 1984)

Con Montxo Armendáriz, otro de los que declaran haberse podido dedicar al cine gracias a él, ha realizado cuatro películas: la sorprendente Tasio, sobre un carbonero navarro; 27 horas, con una jovencísima Maribel Verdú; Las cartas de Alou, Concha de Oro en el Festival de Cine de San Sebastián; y, la adaptación de la novela de José Ángel Mañas, Historias del Kronen.

7.— Familia (Fernando León de Aranoa, 1997)

Más recientes son los casos de Fernando León, que ganó el Goya al mejor director novel por Familia, otra producción Querejeta. Justo después llegó Barrio. Y Los lunes al sol, con el que se llevó el Goya a la mejor película como productor.

Por último, ha producido todas las películas de su hija, Gracia Querejeta, excepto la que acaba de estrenarse, que se la dedica a él: desde su ópera prima, Una estación de paso, hasta la multipremiada Siete mesas de billar francés. Pero mis favoritas de ella son: Héctor, grande Adriana Ozores, y El último viaje de Robert Rylands, rodada en inglés y basada libremente en Todas las almas de Javier Marías, a quien no gustó nada la adaptación de su novela.

escuela de sirenas

Yo, de pequeña, lo que más quería era ser gimnasta. Olímpica, y así.
De esas de las cintas. Como una Nadia Comaneci con hula hop.
Pero una monja, que no me entendía en absoluto, me dijo que aquello era cosa de niñas. Que me apuntara al fútbol. Mis padres me apuntaron a natación. Creo que fue en aquella época cuando empecé a jugar a ser como Esther Williams.

Sesión Continua: Thure Lindhardt

Thure Lindhardt

Thure Lindhardt es mi último descubrimiento. Tiene 38 años, es danés, y muy rubio para que me guste tanto. Me sorprendió en la estimable Brotherhood, que cuenta la relación imposible entre dos chicos que pertenecen a una organización neonazi muy activa: recomendada por Justo. Para acabar enamorándome de él en Keep the lights on, film autobiográfico del director Ira Sachs que triunfó el año pasado en Sundance, y le llevó hasta las puertas del Oscar (estuvo nominado como Mejor Actor en los Independent Spirit Awards).
Debutó con sólo 12 años en un pequeño papel en Pelle, el conquistador de Bille August. Ha trabajado con Lars Von Trier. Junto a Tom Hanks en la adaptación de Angeles y Demonios. Actualmente, se ha incorporado al reparto de Los Borgia. Es el actor más famoso de Dinamarca y el de mayor proyección internacional, con el permiso de Mads Mikkelsen, con quien coincidió en Flame y Citrón, ambos nominados a los Premios del Cine Europeo. No es gay, pero sí que tiene algún que otro personaje homosexual en su filmografía.

Brotherhood

Brotherhood (Broderskab) (Nicolo Donato, 2009)

Keep the lights on

Keep the lights on (Ira Sachs, 2012)

No es un número redondo. pero, ¿dije ya que me gusta mucho el Sie7e?

no logré que este post coincidiera con el séptimo aniversario del blog, ya que no consigo alcanzar el ritmo de otros tiempos. pero no quisiera perder la oportunidad de celebrar con vosotros un número que a mí me parece mágico. ...por si no llego a las 1000 entradas, mi próx objetivo.

como la realidad apesta, y la mía, bien, gracias, tengo el propósito de volver a poner en pie —ya veremos— secciones que tengo abandonadas como la de Sunday Girl, o Sesión Continua.
o, algunas de las versiones que más me emocionan, que intentaré recopilar en Covered. como esta que hizo Erasure, de Solsbury Hill de Peter Gabriel, su primer éxito en solitario después de abandonar a Phil Collins y Génesis.

Erasure — Solsbury Hill

Georges Moustaki

(Alejandría, 3.may.1934 - Niza, 23.may.2013)

Angela Molina y Georges Moustaki — Muertos de amor

Eurovisión 2013

Bonnie Tyler

Somos muchos los que consideramos al Festival de Eurovisión como el Gran Programa de TV del año (con permiso de la cita anual de los Oscars, o los Goya para algunos frikis del cine español como servidor). Este año con el aliciente de contar con una gran estrella, que no es algo habitual, como Bonnie Tyler: Believe in me no ganará, pero será un puntazo verla sobre el escenario de Malmö.
De todo lo que he podido escuchar me gustan mucho las propuestas de Francia y Hungría, que tampoco ganarán, por poco festivaleras. Ni pertenecen al lobby soviético que han logrado apear de la final a todos los países balcánicos. Dicen que, en esta ocasión, Dinamarca es la clara favorita para ganar. Pero yo apostaré en la porra por Noruega, que es mi favorita, a la espera de que salte la sorpresa.

Margaret Berger — I Feed You My Love (Noruega, 2013)

El «landismo»

El landismo no ha muerto, se ha quedado a vivir para siempre entre nosotros

Fueron, sí, los años del landismo.

A veces ocurre que un actor escapa
a la calificación profesional para
trascender hacia un arquetipo social:
James Dean respecto de la juventud
americana de los 50.
Yves Montand respecto del gauchisme
francés. ...Y así.

Landismo.— es la manera singular y original de ocupar un lugar en la España de los 60/ 70's, donde no había lugar para nadie. Es la españolía media y masculina, conjunto de gente bajita y reprimida, que no tenían gran interés ni como conjunto ni como gente, salvo en el cine —desde Masó a Dibildos, pasando (si es imprescindible) por la tercera vía—, metaforizada por un gran actor navarrico y feo, Alfredo Landa. Y, finalmente, reflejar, mediante todo eso, una realidad social que se les escapaba a los sociólogos. Sí, el landismo éramos nosotros.

El landismo, desocupado lector, era ir en la vespa de un amigo a ligar a los bares bolera. El landismo era tener un niki de diario y otro para los domingos. El landismo era ser ayudante de un cirujano callista y hacerse llamar podólogo. El landismo era creer que todas las mujeres son huidizas por naturaleza -cuando viene a ser al contrario-, y que los calzoncillos de guardameta de los años treinta las erotizan mucho. El landismo era creerse chiquito, pero no matón. El landismo era luchar día a día contra el medio, sin plantearse nunca el problema total, histórico, mitológico, de la adversidad del medio. El landismo era ir a ver películas de Alfredo Landa y no reconocerse en ellas, o resolver la catarsis en risa, "como expresión de lo reprimido": para eso estaba ahí Alfredo Landa, para reunir en sí todas las frustraciones nacionales, generacionales, todas nuestras frustraciones, salvándonos a nosotros de ellas, así, durante hora y media de película y cachondeo.
El landismo era usar camiseta en toda época del año, estar enamorado de Mirta Miller o de alguna otra latinoché pionera, o de María Luisa San José; el landismo era que María Luisa San José se fugase con Pepe Sacristán hacia un horizonte de inmobiliarias y cómodos plazos, mientras uno se quedaba tomando copas con el vecino más solitario de la calle; el landismo era un querer abrirse paso a pie, a codazos, en vespino, como fuese; el landismo se hace adulto con Summers y se politiza con Bardem. El landismo, en fin, éramos nosotros.

Francisco Umbral

http://elpais.com/diario/1984/06/18/opinion/456357614_850215.html


Manolo la Nuit (Mariano Ozores, 1973)

—El landismo consistía en salir mucho en calzoncillos persiguiendo señoritas.

Alfredo Landa

El puente (Juan Antonio Bardem, 1977)

El Crack (José Luis Garci, 1981)

El bosque animado (José Luis Cuerda, 1987)

La luz prodigiosa (Miguel Hermoso, 2003)

El Quijote de Miguel de Cervantes
(Manuel Gutiérrez Aragón, 1991)

Los santos inocentes (Mario Camus, 1984)

Alfredo Landa logró algo tan excepcional durante una larga época como convertir su trabajo y la personalidad de los personajes que habitaban ese cine en un identificable género. También en un terreno sabroso para la sociología. Desde la compartida oscuridad de los cines las risas y las carcajadas confirmaban la plena identificación del pueblo llano con las aventuras y desventuras, el hambre de sexo y de afirmación, los traumas y los anhelos de aquel señor bajito e histriónico, gesticulante y verborreico, peleón y gimoteante, paleto y excesivo, voyeur patético, caricaturesco y compadecible, que Landa transformó en un símbolo. Y aunque la estética y el mensaje de este cine sin sentido del ridículo fueran cochambrosos, él hacía modélicamente su trabajo, sin permitirse jamás el relajamiento, comiéndose la pantalla y a los que tuvieran que darle la réplica, derrochando gracejo, en posesión permanente de esa cosa tan necesaria llamada ritmo, clavando los diálogos, las miradas, los gestos y los movimientos. Por mi parte, no siento la menor añoranza del landismo, del cutrerío de aquellas comedias tan satisfechamente subdesarrolladas, del aroma a tantas cosas execrables, tópicos vergonzantes y actitudes rancias de aquel país indeseable, pero negar la eficacia, el talento y la profesionalidad del protagonista más destacado de aquel cine sería tan injusto como idiota.

(...) Pero hay un papel de Landa que seguirá conmoviendo a perpetuidad a todo tipo de espectadores. Se lo ofreció Mario Camus en esa película terrible y magistral titulada Los santos inocentes, una de las incuestionables obras maestras que ha dado el cine español, y Landa le devolvió el regalo con una interpretación memorable. Recordar o volver a visitar a su Paco el Bajo, a ese campesino permanentemente explotado y humillado, resignado a la desolación, inocente ancestralmente en su servilismo, infatigable y perruno rastreador de las piezas que caza su brutal señorito, víctima muda, cojitranco y expresando con sobriedad y sabiduría mediante sus ojos y su gestualidad los sentimientos más variados, provoca siempre el escalofrío, la piedad, la indignación moral.

Carlos Boyero, El País.com

http://cultura.elpais.com/cultura/2013/05/09/actualidad/1368129309_977586.html

1º de Mayo

El País.com

Gossip — Get A Job

Drôle de Félix

Félix es un joven de origen magrebí, en paro y seropositivo, que vive con su novio en Dieppe, ciudad costera del Norte de Francia, junto al Canal de la Mancha. Al fallecer su madre, ordenando entre sus cosas, descubre una carta con remite desde Marsella de su verdadero padre, a quien nunca ha conocido y quiere conocer.
Entonces, emprende viaje hacia Marsella, tan sólo con su medicación y una cometa de colores arcoíris como único equipaje, y con el firme propósito de atravesar el país de punta a punta en autostop sin pasar por ninguna de las regiones en las que haya ganado las elecciones la extrema derecha, rodeándolas si hiciera falta, aunque ello le lleve mucho más tiempo. En Rouen, su primera parada, es testigo de un ataque xenófobo que no se atreverá a denunciar.
Por el camino irá encontrándose con diferentes personajes a los que se les presenta como su hermano, su primo, su abuela... una especie de familia ideal que Félix irá formando y eligiendo él mismo durante esta aventura vital: un estudiante de Arte, la mujer con tres hijos de tres padres diferentes, el viejo pesacador...

http://www.imdb.com/title/tt0228242/

su hermano

su primo

Dirigida por Olivier Ducastel y su pareja Jacques Martineau.
A Sami Bouajila también le vimos en Los testigos de André Téchiné, por la que ganó un César como mejor actor de reparto.

René Magritte

liberté 

egalité 

fraternité

Scènes de lit (The Virgins) (François Ozon, 1998)
Con Jérémie Elkaïm y Sébastien Charles

La Sonrisa Etrusca

—¿Por qué reían de esa manera tan..., bueno, así?
¡Y encima de su tumba, además!
—¿Quiénes?
—¡Quiénes van a ser! ¡Los etruscos, hombre, los del sepulcro!
¿En qué estabas pensando?
—¡Vaya por Dios, los etruscos!...
¿Cómo puedo saberlo? Además, no reían.
—¡Oh, ya lo creo que reían! ¡Y de todo, se reían! ¿No lo viste?... ¡De una manera...! Con los labios juntos, pero reían... ¡Y qué bocas! Ella, sobre todo, como... —se interrumpe para callar un nombre (Salvinia) impetuosamente recordado.
El hijo se irrita. «¡Qué manía!
¿Acaso la enfermedad está ya afectándole al cerebro?»
—No reían, padre. Sólo una sonrisa. Una sonrisa de beatitud.
—¿Beatitud? ¿Qué es eso?
—Como los santos en las estampas, cuando contemplan a Dios.
El viejo suelta la carcajada.
—¿Santos? ¿Contemplando a Dios? ¿Ellos, los etruscos? ¡Ni hablar!
Su convicción no admite réplica. (...) «Este hijo mío...», piensa el viejo. «¿Cuándo llegará a saber de la vida?»
—Los etruscos reían, te lo digo yo. Gozaban hasta encima de su tumba, ¿no te diste cuenta?... ¡Vaya gente!

La sonrisa etrusca

La mente del viejo se queda en suspenso, cavilando: acaba de decir una verdad que nunca antes se le había ocurrido. Cuando sobrevenía una muerte la casa parecía decirles en su silencio: «No os apuréis, aquí quedo yo en pie, siempre, para que sigáis viviendo vosotros.» Eso decía, sí, y además, además...
«¿Sabes, angelote mío? Ahora descubro que nuestras casas no chochean como yo te decía; es que nos hablan de los demás para que sepamos vivir juntos y hacernos todos compañeros, como partisanos en esta guerra que es la vida, porque un hombre sólo no es nada... Eso nos enseñan ellas y por eso, en estas casas muertas de Milán, no se aprende a vivir juntos... ¡Esos rascacielos que le gustan a la Andrea, llenos de gente sin conocerse, sin hablarse, como reñidos! Si hay un fuego, ¿qué?, pues ¡salvese quien pueda!... ¡Así resultan todos: medio hombres, medio mujeres!»
El viejo se asombra de su inesperado descubrimiento y se arrodilla junto a la cuna. Entonces, en su impulso, sí que llega a mover los labios, susurrando audiblemente:
—¡Ahora lo veo claro, niño mío a lo que vengo cada noche!, a hacer aquí una casa nuestra dentro de ésta, a vivir juntos tú y yo, compañeros de partida... Si esta gente no sabe vivir, tú si lo sabrás, porque yo sé... Es a eso, pero nunca se me había ocurrido, sólo ahora, justo a tu lado... Es que a tu lado aprendo, compañero, ¡que cosa!, yo también de ti. No sé cómo, pero me enseñas... ¡Ay, Brunetino mío, milagro mio!

José Luis Sampedro

Keith Carradine — I'm easy
Nashville (Robert Altman, 1975)

5 Bigas 5

Las edades de Bigas Luna

Jamón, jamón, 1992.—
Puede que no sea una obra maestra, pero se le parece bastante. Abre así su Trilogía ibérica, con la que logra fusionar sus dos pasiones: el sexo y la gastronomía, y da rienda suelta a su particular inventario de algunos de los iconos y símbolos patrios: el jamón y la tortilla de patata, la paella y los huevos fritos. La corrupción urbanística, Julio Iglesias, el flamenco y los toros a la luz de La teta y la luna. Nunca le agradeceremos lo suficiente que descubriera el talento para el cine de Javier Bardem y Penélope Cruz. Con la maravillosa Anna Galiena, como regalo. Es su peli más aplaudida.

Bilbao, 1978.—
Para Roman Gubern, gurú de la cosa esta del Cine, “La deslumbrante irrupción de Bilbao en el paisaje cinematográfico español supuso una saludable conmoción en los días turbulentos de la transición política española hacia la democracia”. Angel Jové, el que fuera su actor fetiche en la primera época, está obsesionado con la prostituta Bilbao, interpretada por Isabel Pisano. Su posesivo amor es el que le lleva, igual que en ¡Atame!, a secuestrarla y atarla. Rodada en 16 mm, sin apenas presupuesto, casi se queda olvidada en el cajón. Gracias a Marco Ferreri, gran defensor del film, Bilbao se presentó en Cannes'78, y pudo estrenarse en Italia. De ella, dijo El País: “Experimento visceral y violento empeñado en alcanzar el límite”.

Lola, 1986.—
La primera película que vi de Bigas Luna. Lola es una chica de pueblo que trabaja en una fábrica de zapatos, le gustan los melocotones, y mantiene una relación insana, casi animal, con Mario. Huye a Barcelona, rehace su vida, pero el pasado siempre vuelve, y a ella le va la marcha... Una fascinante Angela Molina, con la que estuvo a punto de repetir en Las edades de Lulú, pero al francés de su marido no le gustó nada el alto contenido sexual del guión. Feodor Atkine da mucho miedo, la complicidad de la entonces pareja Patrick Bauchau y Assumpta Serna, y Ariadna Gil en su primerísima película. Hay que reconocer que tenía una habilidad especial para descubrir caras nuevas. Además de los ya citados, Jordi Mollà, Verónica Echegui, Francesca Neri o Biel Durán.

Angustia, 1987.—
Con Angustia cierra la Trilogía negra, que conformarían Bilbao, Caniche, y ésta. Una película que trata de un psicópata que ve una película sobre un psicópata que vive dominado por su madre, la poseedora de la mayor colección de ojos de la ciudad. Cine dentro del cine, una experiencia hipnótica, películas que caben dentro de otras, como muñecas rusas. Se intentó que Bette Davis interpretara a la madre, pero finalmente lo hizo Zelda Rubinstein, la conocida medium de Poltergeist. Un lujo para el cine español. También dirigió, entre otros, a Dennis Hopper, Benicio del Toro, Anita Ekberg o Stefanía Sandrelli.

La camarera del Titanic, 1997.—
Segunda película de la inacabada Trilogía italiana, que inicia con Bámbola (aunque yo las encuentro las más diferentes). Casi pasó desapercibida, nos muestra un Bigas elegante, en un film de época, alejado bastante de sus excesos habituales. Un obrero gana una carrera cuyo premio es una noche de hotel para poder asistir a la botadura del Titanic y verlo zarpar. Allí, pasará la noche con una misteriosa joven que dice ser una camarera del Titanic, no tiene alojamiento, y debe embarcar en unas horas. Tengo especial cariño a esta peli, no sólo por Olivier Martínez, que también, sino por dos de los momentos más bellos de toda su obra: la carrera del principio, y el final, con una botella de champán, fálica, como no podía ser de otro modo en el cine de Bigas Luna. Marca de la casa.